契达申科《肖斯塔科维奇·第二、五交响曲》
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契达申科《肖斯塔科维奇·第二、五交响曲》

这张专辑是契达申科指挥科隆古泽尼希管弦乐团与布拉格爱乐合唱团,演奏肖斯塔科维奇《第二、五交响曲》。 《B大调第二交响曲》作品14,作于1927年。此曲是为了庆祝“十月革命”十周年而创作的,因此也附有标题,称作《献给十月》。 这是一部单乐章的作品,就其风格而言与《第一交响曲》有着明显的不同,并且在许多方面带有“实验”性质。交响曲的语言带有一定程度抽象性的特点。自然的歌曲有复杂的织体,主要是以各种旋律形和节奏形编织起来的,却有时有个别乐器奏出富有表现力,鲜明的“画面的”乐句穿插其间。交响曲结尾的合唱旋律是富于表现力的。此曲代表了肖斯塔科维奇的创作在一个时期的特点,同样是当时苏联艺术的某些倾向的主要特点,对革命题材的有点抽象的“超世界”态度。 《d小调第五交响曲》作品47,作于1937年。此曲是肖斯塔科维奇最常演奏的交响曲之一。肖斯塔科维奇本人称这部作品是“一个苏联艺术家对于公正批评的实际的、创造性的回答。”他说:“我的这部交响曲的主题是个性的稳定化,这部作品从头到尾的构思都是抒情性的,在乐曲的中心我看到一个饱经沧桑的人。末乐章解除了前几个乐章的悲剧性的紧张搏动,使之成为生的乐观和喜悦。”这部作品具有很强烈的色彩与效果。
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尼古拉斯·冈恩《炽热的心》
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这张专辑是新世纪长笛大师尼古拉斯·冈恩1998年发行的,是他继成名作《大峡谷》之后的重磅新世纪专辑,跳出前作宏大壮阔的峡谷史诗感,转向内敛温柔、充满浪漫情愫的沙漠人文意境创作。封底官方文案精准概括专辑气质:长笛旋律如微风流云般飘荡,部落节奏似夏夜骤雨般浓烈;《Passion in My Heart》以迷人缱绻的声响包裹人心。这片辽阔神秘的土地藏着尼古拉斯心底的热忱,他的长笛捕捉远古呼吸,灵魂随永恒旋律起舞。 尼古拉斯·冈恩包揽了作曲、制作、长笛、吉他、键盘、邦戈鼓、雨棍、打击乐全核心乐器;他的妻子Cheryl Gunn负责演奏合成器、键盘、康加鼓,全程协奏编曲,是专辑和声层次的关键创作者。专辑在配器编曲上依然延续了吉他、长笛加电子合成器的组合,但却一改前作热情奔放、宽广大气的风格,音乐变得柔美而内敛。吉他的音色一如既往的晶莹剔透、长笛仍旧那样悠扬飘逸、极富现代感的电子乐更让整张专辑充满了神秘色彩。 专辑的音乐融合四大元素:1、印第安原住民世界音乐:部落打击乐、土著鼓组、雨棍(Rain Stick)、康加鼓,厚重原始律动;2、拉丁民谣色彩:西班牙吉他、拉丁节奏型,增添温暖炽热的情绪;3、古典长笛主旋律:他标志性的横笛演奏,旋律如云絮般轻盈漂浮;4、氛围合成器新世纪铺垫:柔和弦乐铺底,营造荒漠黄昏朦胧氛围感。 Real Music标志性的高保真录音,长笛泛音、打击乐低频、吉他弦音细节还原度极高,是当年音响发烧友热门试音碟,动态柔和不刺耳,兼具氛围感与乐器解析力。对比尼古拉斯其他峡谷、山林题材作品,这张专辑弱化自然风光的宏大史诗,强化人文浪漫情绪,适合放松、冥想、睡前聆听,受众覆盖纯新世纪音乐、世界音乐、轻音乐乐迷。 专辑发行后常年占据欧美新世纪音乐榜单,是尼古拉斯·冈恩职业生涯中期标志性作品;同名主打曲至今仍是他现场演出保留曲目,也是新世纪长笛音乐的经典代表作之一。很少有新世纪专辑能同时平衡“印第安原始部落节奏”、“拉丁浪漫吉他”、“古典长笛抒情”三大体系,这张专辑做到了风格统一不割裂,所有异域元素都服务于“荒漠炽热柔情”统一主题,没有杂乱堆砌感。
谢林、鲁宾斯坦《勃拉姆斯·小提琴奏鸣曲》
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这张专辑是小提琴家谢林与钢琴家鲁宾斯坦合作,演奏勃拉姆斯的三部小提琴奏鸣曲。波兰裔小提琴大师谢林,以温暖醇厚的音色、严谨的结构感和深刻的音乐理解力著称,与勃拉姆斯作品的浪漫气质高度契合。传奇钢琴家鲁宾斯坦,擅长演绎德奥与浪漫派作品,他的演奏温暖而富有弹性,与谢林的小提琴形成了完美的对话与平衡。这版录音被公认为勃拉姆斯小提琴奏鸣曲的经典演绎之一,两位大师的合作既尊重原作结构,又充满了细腻的情感表达,是古典乐迷的必藏版本。 勃拉姆斯为小提琴与钢琴而作的三首奏鸣曲是继贝多芬之后的小提琴奏鸣曲名作,也是勃拉姆斯室内乐创作的巅峰之作,其中尤以优雅浪漫的第一首和深邃内省的第三首评价更高。这些作品诞生于勃拉姆斯中年以后,创作技法娴熟,灵动美妙、柔美质朴,散发出温馨高雅的气息,始终广受喜爱。
早期音乐的辉煌
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这张专辑是Naxos发行的一张精选辑,收录了28首早期音乐作品。 西方早期音乐主要指的是巴洛克时期以前出现在西方各国的音乐,在国内很多西方音乐史的著作中,都几乎是非常简单的一笔带过。而其非常重要的原因在于他们认为长达十个世纪之久的中世纪时期在欧洲历史上是“黑暗的一千年”,而造成这种“黑暗”的罪魁祸首则是当时的宗教——基督教。从客观的态度上来分析,基督教是一个音乐性极强的宗教,从产生到现在,其音乐活动与宗教生活比其他任何宗教都要密切,而正是这些源自于宗教的教会音乐对后世音乐的发展却有着重大的成就和意义。 西方早期音乐更多的表现在基督教音乐和之后产生的世俗音乐上,而基督教音乐几乎占据了整个中世纪时期。教会也将音乐作为了传播信仰的工具,也正是这种需要,音乐成为了宗教礼拜仪式中相当重要的部分,并且在此基础上得到了相当大的发展,这是宗教本身自己所始料未及的,因此宗教的教会对中世纪的音乐发展还是有着积极作用的,这也正是前面所提到的从客观的态度来看,既有消极的一面,也有积极的一面。 一方面,在中世纪时期,所有的音乐机构和音乐活动都是有教会垄断和控制,教会思想占据了主导思想,因此他们始终认为音乐必须为宗教服务,为增强教会宗教情感服务,旋律必须让位于歌词,而不是用音乐本身的美去打动教徒们的心。教会的统治者们十分强调音乐的功效性而排斥音乐的审美性,没有歌词的音乐不能传达和让人领悟到宗教教义和神的思想,因而,在教会的音乐中是排斥器乐音乐的。不仅如此,教会的统治者还强烈反对世俗音乐的形式和内容-以个人为中心的欣赏。由于这种态度,音乐遭到了阻碍,音乐的发展呈现出单一性,没有了应有的活力,也正是因此,中世纪整个事情音乐发展的速度非常缓慢。
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妮寇拉·本内德蒂《巴洛克》
妮寇拉·本内德蒂《巴洛克》
这张专辑是苏格兰裔意大利小提琴家妮寇拉·本内德蒂与本内德蒂巴洛克乐团携手,2020年12月在伦敦录制的。她给专辑起了个简洁明了的名字《巴洛克》。妮寇拉·本内德蒂说:“演奏这些音乐的挑战在于要做到极致,还要有做到极致的勇气。”她表示,在十八世纪的威尼斯、那不勒斯和罗马,热烈、激情和美是世俗和宗教音乐的基石,在那个画家、作曲家和建筑师们把想象力推至极限的年代,巴洛克音乐代表着一种“表达的放纵”。 维瓦尔第写了很多D大调协奏曲,他总是会以一种很明快的方式使用这个调式,妮寇拉·本内德蒂介绍其中一首:“《D大调小提琴协奏曲, RV 211》采用了典型的三乐章形式,第二乐章很有亲密氛围,第三乐章则更有追逐感,有很多奔驰的十六分音符,更加轻盈、富于技巧。”在《b小调小提琴协奏曲, RV 386》中,维瓦尔第写了很多装饰音、琶音和模进,包括反复快速的十六分音符,“但第一乐章里距离结束一分钟左右的时候,时间似乎停止了。然后,突然之间,我们闯进了一个最戏剧化、最激烈的音乐与鼓点共同构成的世界,几乎有种流行乐的感觉。” 另一首《降B大调小提琴协奏曲, RV 583》,妮寇拉·本内德蒂曾听过意大利小提琴家朱里亚诺.卡米诺拉演奏的录音,她感慨:“我觉得自己无法达到他的水平,但我真的尽力了。我打心底里喜爱这个乐章。它基本上是主题与变奏的形式,但美妙绝伦,犹如来自天使灵魂的声音。” 这张专辑除了展示维瓦尔第的四部小提琴协奏曲,还有另一位作曲家弗朗切斯科·吉米尼亚尼的《大协奏曲》(改编自阿尔坎格罗·科莱里创作的一组主题与变奏曲。“很多学琴的年轻人都很喜欢科莱里的作品,”妮寇拉·本内德蒂说:“但吉米尼亚尼的版本会把你带向科莱里不曾达到的极端,远比原作更为大胆。” 《d小调大协奏曲, H.143 “佛利亚舞曲”》是根据一段历史悠久的低音和弦行进改编的主题与变奏,在低音基础上演奏的西班牙萨拉班德舞曲式,其主题有种非常晦暗的感觉,妮寇拉·本内德蒂难以抑制地称赞道:“吉米尼亚尼在这部作品里触碰了变奏曲的极限,再多走一步,它就无法被称为那段主题的变奏了。”
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拉罗查《贝多芬·第五钢琴协奏曲、钢琴小品
拉罗查《贝多芬·第五钢琴协奏曲、钢琴小品
这张专辑是钢琴家拉罗查与梅塔指挥的洛杉矶爱乐乐团合作,演奏贝多芬《第五钢琴协奏曲》。附带她独奏的贝多芬《七首钢琴小品》。 《降E大调第五钢琴协奏曲“皇帝”》作品73,作于1808-1811年。此曲是贝多芬所有的钢琴协奏曲作品中,规模最为庞大的一部,故常被人称为“皇帝”协奏曲。而事实上,此曲也确实具有堂堂王者风范。但是“皇帝”这一标题并不是贝多芬自己命名的,也不可能和某一位特定的“皇帝”有关,公认的说法是由于此曲在当时被誉为无可争议的“协奏曲之王”,故此得名,并沿用至今。在此曲中,作曲技巧炉火纯青的贝多芬,又设计出众多崭新的思路,整部作品在工稳的结构中蕴含着壮阔的波澜、变化无穷的旋律,尤其以主奏钢琴的花奏开始的第一乐章,一开始便给听众以极端宏伟、华丽的印象。 《七首钢琴小品》作品33,于1803年在维也纳出版,其中大部分为波恩时代作品。 1、近似稍快的快板的优美的行板,降E大调,小回旋曲式; 2、谐谑曲,C大调,均衡的三段体; 3、稍快的快板,F大调、由二段体的优雅旋律与拥有间奏性节奏的副主题构成; 4、行板,A大调,三段体; 5、不太快的快板,C大调; 6、近似行板的稍快的快板,D大调; 7、急板,主题有谐谑曲性格,降A大调。
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霍洛维兹《柴科夫斯基、勃拉姆斯协奏曲》
霍洛维兹《柴科夫斯基、勃拉姆斯协奏曲》
这张专辑是霍洛维兹与托斯卡尼尼率领的NBC交响乐团合作,演奏柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》、勃拉姆斯《第二钢琴协奏曲》。1940年,37岁的霍洛维兹在美国重新开始他的演奏事业,他与岳父,著名指挥家托斯卡尼尼合作录制了几部协奏曲。这张专辑就是这个时期的录音。 柴科夫斯基《降b小调第一钢琴协奏曲》是霍洛维兹成名之作。他对此曲令人震惊的演奏让他在20几岁就在世界乐坛获得了极大的声誉。霍洛维兹的演奏气势磅礴、辉煌壮丽,有着极强的感染力和震撼性。这部作品让大师可以充分地展示其坚强有力的击键。他在公演柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》过程中,曾有过数次击断琴弦的记录。遗憾的是大师在中年以后就很少再弹奏这部作品,以至他演奏柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》的录音都比较早。较为著名的有1941年的录音室录音和1943年在卡内基音乐厅的现场录音。两次霍洛维兹都是和岳父托斯卡尼尼指挥下的国家广播公司交响乐团(NBC乐团)合作。尽管是单声道的录音,还是可以从中听出大师在第一乐章序曲中惊心动魄的演奏力度,在复三部曲式的第二乐章中清新、恬静的音色表达,以及在奏鸣回旋曲式的第三乐章里充溢的节日般快乐。托斯卡尼尼指挥的乐队也表现出了巨大的热情,与霍洛维兹弹奏的钢琴部分起伏对抗、相得益彰。 柴科夫斯基《降b小调第一钢琴协奏曲》作品23,作于1874年,于1875年10月在美国波士顿首演。柴科夫斯基一共写了三部钢琴协奏曲,其中《降b小调第一钢琴协奏曲》是唯一被演奏得最多的一部,作品中略含俄国味的主题,以及充满斯拉夫式粗线条和色彩的管弦乐法,正是这部作品的魅力所在,这部钢琴协奏曲是第一流的钢琴家们竞相演奏的曲目。 勃拉姆斯《降B大调第二钢琴协奏曲》作品83,作于1881年。此曲是勃拉姆斯一生创作的最后一部钢琴协奏曲,是他的代表作品之一。这部作品具有勃拉姆斯所独有的沉着与厚重,同时又有他明朗、温柔的另一面。这部协奏曲的四个乐章,分别展现了四种不同的性格,从激越如火到柔情似水,触及到了各个方面的情感。这部协奏曲具有勃拉姆斯厚重的风格,有大量的和弦,技术艰深,与拉赫玛尼诺夫《第三钢琴协奏曲》、普罗科菲耶夫《第二钢琴协奏曲》并列“世界三大最难钢琴协奏曲”。时至今日,这部作品已列入有史以来最伟大的钢琴协奏曲之列,著名钢琴家霍洛维兹甚至认为没有别的钢琴作品比它更伟大了。
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布赫宾德《贝多芬钢琴奏鸣曲全集》
布赫宾德《贝多芬钢琴奏鸣曲全集》
这套9CD全辑是钢琴家布赫宾德演奏贝多芬的32部钢琴奏鸣曲,这是他在萨尔兹堡音乐节的现场演奏录音。没有做作、没有失控,没有刻意而为的斧凿之痕,这是最具亲和力的贝多芬演奏。音乐超越了音响条件的局限。“发自内心、抵达内心。” 从头至尾,最让人感动的是大师在技术的高度熟稔和音乐表达的清新自然这二者间达到的堪称完美的平衡。早期奏鸣曲的清新感以及贝多芬的即兴和幻想色彩,在布赫宾德的维也纳式音色中体现为最本真的表达,有时让人自然地想到以伟大的即兴大师著称于当时的贝多芬本人——事实上,在很多时刻心甘情愿地闭上眼睛,完全放任自己的思绪和情感穿越时空,到二百多年前的维也纳,相信听到的就是贝多芬大师本人的演奏。有些为贝多芬早期钢琴创作所独具的效果,如《田园》末乐章尾声的风笛式低音,十六分音符的颗粒感与分量感是以高度考究的精湛手法弹奏的。 在《热情》中,布赫宾德敏锐的风格感使他极为得体地加强音色的分量和表情饱和度,但即使在技术上最棘手的段落,包括那些低音区的深沉咆哮,音乐的内在流动感也丝毫未受影响。听这样的音乐,你不能不慨叹像凯泽这样的评论大家的独到眼光。他慨叹:布赫宾德最大的与众不同,在于他的演奏彻底远离浮华,而这是演奏贝多芬的作品,尤其是他的后期作品常难以彻底避免的现象。 济慈在他的《希腊古瓮颂》结尾有这样的诗句:“美即真,真即美。”而这是极难达到的境界。太美的东西常是需要牺牲真实方能得到的。而在布赫宾德的演奏中,这二者以如此自然的方式达到了统一。
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勒纳·莱博维茨《贝多芬·第六、八交响曲》
勒纳·莱博维茨《贝多芬·第六、八交响曲》
这张专辑是莱博维茨指挥皇家爱乐乐团,演奏贝多芬《第六、八交响曲》。由著名录音师韦尔金森(K.Wilkinson)1961年录制。专辑演奏、录音都极为出色,是古典音乐的天碟级作品。 《F大调第六交响曲》作品68,大约完成于1808年,又名“田园”交响曲。此曲是贝多芬少数的各乐章均有标题的作品之一,也是他九首交响乐作品中标题性最为明确的一部。此时的贝多芬双耳已经完全失聪,这部作品正表现了他在这种情况下对大自然的依恋之情,是一部体现回忆的作品。这部作品1808年在维也纳首演,由贝多芬亲自指挥,在首演节目单上,他写到:“乡村生活的回忆,写情多于写景”。整部作品细腻动人,朴实无华,宁静而安逸,与贝多芬的《c小调第五交响曲》同为世界上最受欢迎的交响曲之一。 《F大调第八交响曲》作品93,完成于1812年10月。此曲是贝多芬闻名于世的九部交响曲中最为短小的一部,有时受到忽视。但贝多芬自己对它十分喜爱,甚至称它比第七交响曲“强得多”。虽然写作时贝多芬生活并不顺利,但该作品依然有着轻松愉快的风格。其规模虽然短小,但精悍紧凑,充分体现了贝多芬的作曲技艺。与贝多芬的一些其它作品(如著名的《月光奏鸣曲》)类似,该交响曲的末乐章分量最重。值得注意的是,在第二乐章中,木管乐器演奏出固定的音型,被认为是模仿当时刚刚得到改进的节拍器的声音,并且在乐章最后还有一个玩笑般的“节拍器出故障”的乐段。除此之外,也有其它部分被认为是音乐玩笑。
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波利尼《肖邦·夜曲、玛祖卡、第三奏鸣曲》
波利尼《肖邦·夜曲、玛祖卡、第三奏鸣曲》
这张专辑是钢琴家波利尼演奏肖邦的《夜曲》、《玛祖卡》、《摇篮曲》、《第三钢琴奏鸣曲》。这是波利尼年过七十后再次开启的肖邦作品录音计划的第二张专辑,以肖邦广为人知的《第三钢琴奏鸣曲》作为压轴,这是肖邦完成的最后一部钢琴奏鸣曲,写于1844年,此时距离肖邦逝世只有5年的时间。这部包含四个乐章的奏鸣曲结构较为庞大,完整演奏需将近三十分钟,演奏需要的技巧也很艰深,但它不是单纯为炫技而作的钢琴作品(肖邦从不这么做,他的许多困难作品都被其赋予了或多或少的艺术性),复杂的演奏是为了编织出肖邦的内心情感,达成极致动人的情感传达体验。需要指出的是,这次录制并不是波利尼的第一次第三钢琴奏鸣曲录音,他在1984年录的版本已经是非常一流的演绎。新版的演奏与旧版自然有不同之处,总时长比旧版快了大约半分钟。聆听第一版,波利尼的演奏风格体现得更为明显,技巧咄人。新版的演奏则朝较内敛的方向发展,通过氛围、呼吸来营造效果,这其中除了波利尼的理解发生变化的原因,恐怕也有些许晚年琴技衰退、被迫转变方向的无奈。但他演奏的风格依然如故:外冷内热。 长久以来,波利尼这个名字都与肖邦联系在一起。从1960年夺得肖邦国际钢琴比赛冠军到1972年录制肖邦《练习曲》享誉世界再到2006年凭借肖邦《夜曲》捧回格莱美,在波利尼超过六十年的艺术生涯中这个波兰作曲家的作品永远是他的拿手好戏。波利尼指下的肖邦有着明显的声音特质,结构现代、前卫,音色光滑、干净、冷峻,呼吸自由、流畅,属于首先强调理性而兼顾歌唱性的风格。这一特质使得他的诠释备受推崇,与鲁宾斯坦的正宗高贵、齐默尔曼的优雅精致、基辛的俄罗斯学派风共同成为了肖邦最经典的演奏风格。
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