这张专辑是旺德指挥科隆广播交响乐团，演奏布鲁克纳的《第三交响曲》，1981年1月5-17日在德国科隆的录音。这是布鲁克纳《第三交响曲》的第三版，是布鲁克纳1889年进行重要修订而成的。
旺德的演绎注重对布鲁克纳音乐中复杂情感的表达。他通过精准的节奏控制和丰富的动态变化，将布鲁克纳作品中的神秘、庄严与激动的情感层次展现得淋漓尽致。在第一乐章中，他通过缓慢而庄严的节奏推进，营造出一种神秘而深邃的氛围；而在第二乐章中，他则通过轻快的旋律和生动的节奏变化，表现出一种轻松愉快的情绪。
旺德还特别注重对布鲁克纳音乐中复调技法的处理。在慢乐章中，他通过清晰的线条和层次分明的音响效果，展现了作品中复杂的复调结构和丰富的和声色彩。这种处理方式不仅突出了作品的戏剧性，也使其更加贴近布鲁克纳本人的艺术追求。
旺德的这个录音版本被认为是其艺术巅峰之作之一。他的演绎风格内敛质朴，但又不失激情与力量。这种独特的艺术魅力使他的录音成为许多布鲁克纳爱好者心中的经典。
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这张专辑是格鲁吉亚钢琴家妮诺·格维塔泽演奏李斯特的钢琴作品，包括《匈牙利狂想曲》、《叙事曲》、《舒曼、舒伯特艺术歌曲的改编曲》、《b小调钢琴奏鸣曲》。这是妮诺·格维塔泽的首张独奏专辑，是她在乌得勒支李斯特国际钢琴大赛获奖之后，依托博莱蒂-布伊托尼信托基金资助完成的录音项目。
妮诺·格维塔泽（Nino Gvetadze）1981年生于格鲁吉亚第比利斯，是当代极具辨识度的德奥浪漫派钢琴演奏家。2008乌得勒支国际李斯特钢琴大赛，她一举拿下亚军、媒体奖、观众奖；2010年获得Borletti-Buitoni Trust艺术家资助，这张唱片正是该资助项目成果之一，也是她职业生涯早期标志性录音，当年被《独立报》选为“本周唱片”，乐评人Norman Lebrecht给出好评：她在李斯特《b小调奏鸣曲》里挖掘出炽热张力，叙事细腻灵动。
妮诺·格维塔泽演绎的李斯特不属于极端狂暴、一味追求冲击力的路线。她的演奏线条清晰、主题层次分明，重视叙事与歌唱性，克制而有内在张力；厚重段落不会一味砸琴，柔板段落音色温润细腻，尤其适合《Widmung》和《Gretchen am Spinnrade》这类歌唱性改编曲。教堂录音带来充足自然混响，钢琴泛音饱满，动态范围很好，弱音层次丰富，不是那种现代录音室压缩感很强的声音。
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这张专辑了布鲁赫的五部作品：1、大提琴家马丁·奥斯特塔格与迈克尔·伯德指挥的德国西南交响乐团合作，演奏四首《大提琴与乐队协奏小品》；2、单簧管演奏家卡尔·施勒希塔、中提琴家艾卡特·施洛伊弗与迈克尔·伯德指挥的德国西南交响乐团合作，演奏《单簧管与中提琴、管弦乐团双重协奏曲》。专辑是1980年代后期德国数字录音，声场干净，独奏乐器定位清晰，厅堂混响适中，没有厚重的厅堂糊感；动态柔和，适合聆听这类抒情小品。
这张专辑不是主流大厂名版，属于小众优质录音，优势在于一次性集齐布鲁赫这一套大提琴协奏小品、冷门的单簧管中提琴双协奏曲，很多唱片只会单独收录《科尔·尼德雷》，很少把四首小品全部集齐。西南广播乐团是德国老牌广播乐团，风格正统德奥浪漫派，音色温润，不张扬；指挥迈克尔·伯德的处理偏向抒情克制，不刻意煽情，把重心留给独奏声部。Martin Ostertag的大提琴音色饱满醇厚，《科尔·尼德雷》处理内敛克制，不过度悲恸，非常贴合布鲁赫的浪漫审美；Karl Schlechta（单簧管）与Eckart Schloifer（中提琴）在Op.88里对话感自然，两件乐器平衡很好，没有谁压过谁。
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这张专辑是钢琴家古尔德与伯恩斯坦指挥的纽约爱乐乐团，演奏勃拉姆斯《第一钢琴协奏曲》。这是1962年4月6日在纽约卡内基音乐厅的现场演奏录音。这是古尔德为数不多留下官方发行的浪漫派协奏曲现场。他标志性的冷静、理性、高度重视对位线条的思维贯穿全曲；触音克制，拒绝华丽宣泄，和一般浪漫协奏曲演奏家的风格泾渭分明。第一乐章长达25分钟以上，就是他慢速度诠释最直观的体现。伯恩斯坦主动放下指挥主导权，乐团配合古尔德的速度、弹性，跟随钢琴的呼吸走。乐团依然保有纽约爱乐饱满热烈的底色，但整体克制，为古尔德的独特构想服务，形成一种奇妙的张力：浪漫派大乐团，服务于一个反浪漫的诠释。
专辑的原始音源是当年电台直播的模拟磁带，空间是卡内基音乐厅现场，带有广播录音时代的质感，动态不如后期录音室，但珍贵在于完整保留了现场的氛围、伯恩斯坦的讲话、观众的环境音，属于“历史文献级录音”，而不是追求HiFi精致度的发烧碟。末尾的采访片段，可以听到古尔德本人谈论自己的演奏观念，帮助理解他为什么要把勃拉姆斯弹成这个样子，是非常珍贵的一手资料。
大家都在听
旺德《布鲁克纳·第九交响曲》
这张专辑是德国指挥家君特·旺德与柏林爱乐乐团合作，演奏布鲁克纳《第九交响曲》。这是1993年在汉堡音乐厅的现场演奏录音，布鲁克纳权威诠释者君特·旺德80高龄的奇迹之作，采用布鲁克纳最原始创作版本演绎，极具收藏价值。
君特·旺德在去世前的14年里，一再地指挥上演这部作品，并先后进行了三次录音。作为现场版的《第九交响曲》的一个范本，被认为因契合了布鲁克纳成长、生活的自然环境的意蕴而赢得了乐迷的首肯。这个版本不仅录音出色，重要的是旺德将世间的种种骚动与不安，通过布鲁克纳的音乐很好地进行了抚慰与净化，与其说是对人生的自省，倒不如说是对上帝的一种告解，留给了人们无穷的回味。
《d小调第九交响曲》WAB109，从1891年4月开始，布鲁克纳集中精神在这部交响曲的创作上。而实际上，有些素材可追溯到1887年8月或9月以及1889年的草稿上。他于1893年12月23日完成第一乐章，于1894年2月15日完成谐谑曲，于同年11月30日完成柔板。他从1895年5月24日开始最后一个乐章的草稿。
布鲁克纳在写作时说：“我把我之前的作品献给了我所知道的最高的尘世君主，我们敬爱杰出的皇帝，现在我想把我最后的作品献给众神之主，哦，我亲爱的上帝，希望他能保证我有足够的时间来完成它，乐于收受我的这份微薄之礼，如果他不嫌弃的话。”这部作品的题献对象没有完全食言，在1896年深秋的一天，他接受了布鲁克纳最后的礼物，并把他本人也给带走了。
此曲是布鲁克纳的未完成作品，只有三个乐章，没有终曲乐章，他把这部作品题献给上帝，希望这是他最好的一部作品，于是他和时间赛跑尽力力求完成这部作品，但是由于布鲁克纳每况愈下的健康导致这部作品最后也没能完成。
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3期
陈燮阳《柴科夫斯基·曼弗雷德交响曲》
这张专辑是陈燮阳指挥上海交响乐团，演奏柴科夫斯基《曼弗雷德交响曲》、里姆斯基·柯萨科夫《流浪音乐家舞曲》。
柴科夫斯基《曼弗雷德交响曲》作品58，完成于1885年。此曲是根据拜伦(Lord Byron)的同名长诗谱写的。饱受痛苦和反叛的曼弗雷德形象是整个作品的中心主轴：曼弗雷德悲剧的主题在交响曲各个乐章贯穿发展着。
里姆斯基·柯萨科夫《流浪音乐家舞曲》，改编自四幕歌剧《雪姑娘》配乐《小丑之舞》。此剧是作曲家根据奥斯特洛夫斯基的戏剧改编并谱曲。歌剧讲述了一个民间传奇故事：雪姑娘美丽无双，她的内心原本是一片冰冷，而一旦懂得了爱情，她便会被阳光融化。一天，当她在林中撞见她暗中喜欢的、爱唱歌的小伙子列尔（女中音扮演）与一位姑娘在互诉衷肠时，心中突然产生了一种莫名其妙的感觉。这时，她的追求者米兹基尔出现了，于是，她从心底泛起了爱情。太阳放出的光芒将她融化了，米兹基尔痛不欲生，投湖自尽。
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5期
柴科夫斯基《第六交响曲、1812序曲》
收藏这张专辑首先是被封面深深吸引了，整个色调是纯净的蓝色，映衬着远处层叠的壮美雪山和如镜面般温柔的湖水、中间是剪影般的树林，似乎空中还飘散着淡淡的雾气，好一幅充满意境的画面，清净、梦幻、还有冷冽的感觉，让人心中不禁涌现一种说不清道不明的愁绪，这不正是柴科夫斯基的《第六交响曲"悲怆"》所要表达的思绪吗？搭配的柴科夫斯基《1812序曲》和斯美塔纳的《沃尔塔瓦河》被绝妙地编排在一起，感觉非常和谐。
重头戏柴6是吉布森指挥伦敦节日乐团，《1812序曲》《沃尔塔瓦河》是他指挥伦敦新交响乐团，虽然没有俄罗斯老牌乐团演奏的那么地道，但吉布森对于柴可夫斯基音乐的理解也非常深刻，把作曲家内心的情绪和痛苦表现得淋漓尽致。
亚历山大·吉布森爵士（Sir Alexander Gibson 1926.2.11－1995.1.14）苏格兰指挥家，1926年生于苏格兰的Motherwell，早年就读于位于格拉斯哥的苏格兰皇家音乐学院，后到英国伦敦、意大利的西耶纳等地进一步深造。1957年成为英格兰Saldlers Wells歌剧院的音乐总监。1959年他回到格拉斯哥，成为苏格兰皇家管弦乐团的第一位苏格兰出生的首席指挥和艺术总监，并一直工作到1984年。1981－1983年他还是休斯顿交响乐和管弦乐团的客座指挥。1962年，他发起成立了苏格兰歌剧院，并担任其音乐总监直到1986年。1987年，为了表彰他功绩，苏格兰歌剧院决定用其音乐总监的头衔用他的姓氏吉布森（Gibson）命名。1977年，他被英国皇家封为爵士。
最值得一提的是专辑的录音，这是确实奇公司将韦金森的传奇模拟录音用20位采样、128倍超取样的方式制成CD，在DSD还未普及前，可以说这是最牛的数模转换了，当然成就了这张超级天碟。听感基本保留了韦金森录音的优点，强横的动态、宽阔的音场、绝妙的乐器平衡、甜美的音色。听过的人绝对会被深深打动、甚至迷恋。
109
6期
奥曼迪《多彩的费城之声2》
著名指挥家尤金·奥曼迪所营造的“费城之声”有一种明亮、清澈的光影变化，细腻的颗粒和广阔的力度堪称在当今世界一流乐团中绝无仅有。奥曼迪使发轫于斯托科夫斯基的“费城之声”变成了名副其实的“费城-奥曼迪之声”。尽管奥曼迪曾经声称这种声音属于他自己，而不是乐团，但公平地讲，在奥曼迪指挥其他乐团时，他几乎无法再现这种音响，而当“费城”与其他指挥合作时，这种音响也变得不那么鲜明，所以，无论是“费城之声”也好，“奥曼迪之声”也好，它显然是指挥家与乐团在艺术上长年磨合、水乳交融的产物，缺了谁都不可能造就出这种奇迹般的华丽音响。
费城管弦乐团作为美国历史上著名的五大交响乐团之一，一直以瑰丽多彩的音色闻名于世。费城管弦乐团最具盛名的就是所有费城人引以为豪的“费城之声”。“费城之声”得名于费城管弦乐团与音乐总监之间保持长久而密切的互动，从而形成风格化的演奏艺术。“费城之声”音色甘甜无比、华丽丰富、音响宏大，呈现出一种难以言喻的美感。“费城之声”赢得了众多国际著名媒体报评的盛誉。
费城管弦乐团拥有所有正确的元素：有传统实力的高亮度的弦乐；越来越有教养的强劲而辉煌的铜管；极具抒情效果的出色的木管；不畏以最高速度演奏的打击乐。奢华瑰丽的弦乐、暗暗闪光的铜管、优雅融合的木管，费城管弦乐团举世闻名的演奏充斥了整张专辑，强劲有力，凝聚着如同火山爆发般的戏剧性。
24
17期
纽曼《德沃夏克·第七、八、九交响曲》
这张专辑是瓦茨拉夫·纽曼指挥捷克爱乐乐团，演奏德沃夏克《第七、八、九交响曲》。
瓦茨拉夫·纽曼（Vaclav Neumann，1920-1995）捷克指挥家，1920年出生于捷克首都布拉格。纽曼最擅长是捷克音乐，特别是德沃夏克的交响乐作品。纽曼的指挥强调抒情性与弦乐的歌唱性，他是指挥捷克及东欧作品的权威，他率领的捷克爱乐乐团在演奏东欧作品时有一种原汁原味的韵味。虽力度与幅度都不如西欧的重量级乐团，但弦乐之美、层次之细腻也令人刮目相看。纽曼在指挥捷克爱乐乐团时，不但完美地保留了它原有的雄厚实力，而且在这一基础上又使它得到了很大的发展，在纽曼的训练指挥下，捷克爱乐乐团的演奏显得音色更加明亮、色彩更加绚丽、音响更加丰满，而其中又尤以弦乐的合奏显得细致、准确、协调和充满韵味，这也难怪，因为纽曼本人就是一位出色的弦乐演奏家，而这种直接的感觉所带来的影响，的确是非常独到和富有效果的。
纽曼是一位风格非常细腻的指挥家，也许是他身上所固有的斯拉夫民族气质的关系所至吧，他指挥的音乐非常富有抒情性，在对乐曲的表达处理上，他给人的感觉是层次分明、条理清楚，对感情的处理与控制恰到好处，而对待声音的处理则显得十分清晰和干净。纽曼是一位很好地掌握和表现斯拉夫民族精神与气质的指挥家，他对于这类风格的作曲家的作品的演释是非常出色的，当然，要说最为出色的还是要数捷克作曲家的作品，他对于斯美塔那、德沃夏克、雅那切克和苏克等人的作品，可以说是最为擅长和具有权威性的了，这种特征无论如何是与他和祖国之间的民族血脉关系紧密相联的，这里面既有着文化和社会背景的直接影响，又有着生活习俗和精神因素的间接关系，因此无论从思维上还是从气质上都能够达到一种自然的协调一致，这些方面应该说是纽曼能够极其成功地指挥本民族作曲家的作品的一个重要原因。
纽曼是20世纪中优秀的指挥大师，他在国内外所享有的名誉是十分突出的，在捷克，他曾于1977年获得了象征着最高荣誉的“捷克人民演员的称号”，而在国外，他是被人们称为是一位极富才华的、为他的祖国赢来巨大声望的一流指挥大师。
181
12期
马蒂农《拉威尔·管弦乐作品》
这张专辑是法国指挥家马蒂农与芝加哥交响乐团合作，演奏拉威尔的五部管弦乐名作。马蒂农作为一名指挥家，他的特色是很显著的，在20世纪的指挥史上，他是继蒙特和明希之后，又一位具有鲜明风格和个性的法国指挥大师，如果要是从这样的角度来看待他的话，那么他的地位就有着非常典型的特殊性了，一般来说，法国的艺术家总是带有着一种细腻而冲动的情感和追求色彩变化的特点，这实际上是与法国这个国家的文化传统以及各方面的特色相联系的，在这一点上，对于法国指挥界代表人物之一的马蒂农来说也是不例外，马蒂农在指挥演奏时，十分强调和追求乐队织体层次的变化，用以达到一种具有高度透明性的色彩变化，此外，他对于乐曲的句法结构也掌握得十分细腻，常常能够非常清晰地理顺各个声部之间的关系及音响和音色的平衡感。他还有着异常灵巧和敏锐的节奏感。在这方面，他的控制能力是非常出色的，而以上的这一切，恐怕都与他是一位优秀的作曲家有着一定的关系，正因为他十分精通作曲法，因此他总是能够从一个音乐创作者的角度来看待、分析和解释一部作品。此外，有的评论家还认为马蒂农是一位训练乐队的优秀专家，称他在这方面有着“出色的本领”，认为他能够凭借自己的方法将乐队锻炼出深厚的功力，并使其合奏效果井然有序，充满着丰富的变化和强烈的艺术性。
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14期
巴伦博伊姆《富特文格勒·第二交响曲》
这张专辑是巴伦博伊姆指挥芝加哥交响乐团，演奏富特文格勒《第二交响曲》。巴伦博伊姆在指挥此曲时，展现了他对德奥音乐风格的深刻把握。富特文格勒作为20世纪最重要的指挥之一，以其内敛、深沉和富有表现力的指挥风格著称。巴伦博伊姆在演绎富特文格勒的《第二交响曲》时，继承并发展了这一风格，使作品在芝加哥交响乐团的演绎下焕发新的生命力。他在这个2001年指挥的版本中，通过细腻的节奏控制和情感表达，将作品的内在张力和哲学深度展现得淋漓尽致。这种指挥风格不仅体现了他对富特文格勒风格的深刻理解，也展现了他个人的艺术追求。
巴伦博伊姆的指挥风格深受富特文格勒的影响，但他也有自己的独特之处。他善于抓住作品的整体结构，忠实地再现作曲家的创作意图，同时在演奏中融入自己的艺术个性。在演奏富特文格勒的《第二交响曲》时，他通过缓慢的引子和第一主题的展开，营造出一种沉思冥想的氛围，使听众仿佛置身于一个充满哲思的世界。这种指挥风格不仅让作品更具表现力，也使芝加哥交响乐团在国际舞台上赢得了更高的声誉。
富特文格勒《e小调第二交响曲》作品36，于1944-1946年作于瑞士，是他创作生涯中最具代表性的作品之一。1948年2月22日在柏林由富特文格勒亲自指挥柏林爱乐乐团首演。此后，富特文格勒在1951年对这部作品进行了修订。
《第二交响曲》属于浪漫主义风格，使用标准的管弦乐队编制。富特文格勒在创作这部作品时，正处于第二次世界大战期间，这一时期对他的创作产生了深远的影响。他曾在多个场合表示，这部作品反映了他内心的挣扎与矛盾，同时也体现了他对音乐的深刻理解与表达。富特文格勒的诠释风格以情感丰富、结构严谨著称，他擅长通过音乐传达复杂的情感和思想。
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4期
王羽佳《拉威尔·钢琴协奏曲》
拉威尔的音乐，简单来说，是独特的——钢琴家王羽佳洞悉个中缘由：“我认为，它不但有着瑞士手表般的精准性，但升华到了更高层次，它在讲述快乐，简单与纯粹。”
融合爵士韵律，具有感性美与强烈的生命力，拉威尔这两部钢琴协奏曲很好地展现出羽佳所理解的“完美”， 在她10月发行的新专辑中可以听到，专辑同时收录福雷的一首原始版钢琴独奏作品《升F调叙事曲，Op.19》。羽佳于今年春天录制完成全部三首曲目——协奏曲是与苏黎世市政厅管弦合作演奏的，早在2000年，羽佳15岁的时候，正是与这支乐团一起完成了她在欧洲的首场演出，而在刚刚过去的乐季中，羽佳也是这支乐团的驻团艺术家。此次执棒的是指挥界新星，年轻的法国指挥家莱昂内尔•布林古伊尔。他在2005年第49届贝桑松国际青年指挥大赛中一举夺魁并拿下“最佳人气奖”。2012年，时年26岁的布林古伊尔成为苏黎世市政厅管弦乐团的首席指挥兼音乐总监。目前他与乐团着手录制拉威尔的全部管弦乐作品。
自2008年起，羽佳与布林古伊尔便合作不断，当年羽佳与瑞典广播交响乐团合作演奏《普罗科菲耶夫：第二钢琴协奏曲》时，担任指挥的正是布林古伊尔。在拉威尔计划后——羽佳首次以唱片形式探索法国作品——两人将于11月前往美国洛杉矶与洛杉矶爱乐乐团共同演绎《莫扎特：第九钢琴协奏曲“茱侬”》。
拉威尔这部著名的G大调钢琴协奏曲，以及大众相对陌生的D大调左手钢琴协奏曲，都深受爵士乐的影响——作曲家于1928年在北美地区展开了一场为期四个月的爵士乐巡演，这期间他加入哈莱姆(由乔治•格什温陪同)以及新奥尔良的爵士俱乐部。这之后的1929至1931年间，拉威尔同时谱写两部作品，他原本打算亲自在首演时弹奏G大调协奏曲，结果却是由玛格丽特•朗代劳，拉威尔担任指挥，一部分是因为他当时正在加紧为左手钢琴协奏曲收尾，这是受奥地利钢琴家保罗•维特根斯坦委托而作的作品，维特根斯坦在一战期间失去了右手。两部协奏曲在风格上极为不同，D大调协奏曲黑暗而深沉，G大调协奏曲则顽皮得多，有一种莫扎特式的清晰，并且吸收了圣桑音乐风格上的莹润剔透——无独有偶，福雷的叙事曲也有着异曲同工之妙。G大调协奏曲亦是羽佳本人的最爱的作品，这是她与管弦乐团合作演出的第一部作品。
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7期
旺德《布鲁克纳·第五交响曲》
这张专辑是旺德指挥科隆广播交响乐团，演奏布鲁克纳的《第五交响曲》，1974年7月7日在德国科隆的录音。这是布鲁克纳《第五交响曲》的初版，是布鲁克纳1875-1878年间创作的。
旺德的演绎，展现了他对作品深刻的理解和精湛的技艺。他特别注重音乐的层次感和空间感，使得演奏既具有力度又不失细腻。在第一乐章中，他通过精准的节奏控制和丰富的音色变化，成功地营造出一种庄严而深邃的氛围。第二乐章则以柔板的形式展开，弦乐与木管交织出如歌般的旋律，旺德通过细腻的处理让这一段充满情感张力。第三乐章的谐谑曲部分则展现了作品的活力与戏剧性，旺德通过强烈的对比和鲜明的节奏变化，使这一乐章既欢快又不失紧张感。末乐章的赋格形式终曲则以宏大的规模和复杂的复调结构结束全曲，旺德通过精确的指挥和乐团的高度配合，将布鲁克纳对宗教和理想的崇高追求完美呈现。
旺德的这个录音版本因其录音质量高、演奏水准卓越而广受好评。尽管有评论指出录音中某些细节处理不够完美，但整体而言，这一版本被认为是布鲁克纳《第五交响曲》的经典演绎之一。
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