拉罗查《拉威尔、福雷的钢琴作品》

拉罗查《拉威尔、福雷的钢琴作品》

这张专辑收录了钢琴家拉罗查演奏的三部作品,包括:1、与福斯特指挥的伦敦爱乐乐团合作,演奏拉威尔的两部钢琴协奏曲,1973年6月的录音;2、与布果斯指挥的伦敦爱乐乐团合作,演奏福雷的《幻想曲》,1972年5月的录音。 拉威尔《G大调钢琴协奏曲》作于1931年。此曲是拉威尔晚期作品中的珠玉。擅长凝造管弦乐华丽色彩的拉威尔,将管弦乐的色彩想像转移至钢琴的作品中,因而钢琴于此不仅是主奏乐器的独白,也有缤纷亮丽的光泽、以及闪烁动人的乐想。然而,包括作曲家本身也不讳言,乐曲中也确实如同美丽的鸡尾酒,夹杂了诸多前辈的音乐典型。 拉威尔《D大调左手钢琴协奏曲》,完成于1931年。此曲是一部具有里程碑意义的作品,一部单乐章的协奏曲,晚年的拉威尔不但是营造美丽音乐色彩的高手、谱写精确曲式结构的名家,更是把时代气息注入李斯特的史诗式音乐的先驱;与此同时,他更在乐曲的一开始就强调了一股悲剧气氛,令人感到命运对人生的播弄。不惟宁此,在钢琴技术上拉威尔更尽量发挥了左手的特点,除了利用琶音和踏瓣之外,许多重音和旋律都由大拇指担任,使这首只用左手弹奏的乐曲,听起来比双手演奏的更为丰满和技术难度更高。 福雷《G大调幻想曲》作品111,作于1918-1919年,为钢琴与乐队而作。此曲是福雷的晚期作品,在浪漫主义风格的基础上,略带些现代元素。采用G大调,4/4拍,中庸的快板。单乐章,但可分成三个部分,中段转入e小调甚快板,最后回到第一部分上,在整体上看更像一部室内乐重奏曲。
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宋飞《清明上河图》
20
这张专辑是作曲家史志有创作的中国音画,取材于故宫博物院典藏的传世国宝《清明上河图》。此曲是以胡琴为主奏的协奏组曲,海内外享有“胡琴皇后”美誉的演奏家宋飞演奏了二胡、坠胡、高胡、中胡、板胡、二弦、京胡、低音胡等.多种民族乐器,交相辉映,形成鲜明的风格对比。描述着汴城两岸的劳动人民生活的百态写意。
德卢西亚、梅奥拉、麦克劳克林《吉他三重奏
28
这张专辑是世界三大吉他天皇(帕科·德卢西亚、阿尔·迪·梅奥拉、约翰·麦克劳克林)合作的演奏录音,是他们的第三次合作,无论是合奏或独奏,无论从音乐内容还是音响效果来说,都是无与伦比的天籁之音。专辑录音中巨星相撞、火花四溅、激情丛生,浓浓的音乐味和发烧的音效令人经历了难得的心灵震荡。聆听音乐时不禁想起白居易《琵琶行》中的诗句:嘈嘈切切错杂弹,大珠小珠落玉盘。Real World工作室的录音,尼龙吉他的琴体共鸣、手指触弦细节、泛音都捕捉非常清晰,被很多音响发烧友作为原声吉他试音碟。 与1980年代两张相比,1996年的这张专辑褪去年轻时狂飙炫技,演奏更内敛成熟,音色温暖通透,录音品质极高,是HiFi 发烧友知名试音碟。整张专辑没有任何外部伴奏,全部依靠三把尼龙弦吉他的交织对话,有三重奏,也有两两二重奏曲目。三位大师各自特质,帕科·德卢西亚的弗拉门戈律动、轮指、西班牙乡土色彩;阿尔·迪·梅奥拉有华丽旋律、精致和声、拉丁、地中海色彩;约翰·麦克劳克林那印度音乐、爵士和声、深邃的即兴思维。 佛拉门戈吉他大师帕科·德卢西亚用一把Hermanos Conde吉他,弹奏出来的音色丰满,低音非常有力;阿尔·迪·梅奥拉用一把Ovantion吉他奏出清脆响亮的高音,在合奏中往往使用电子合成器和手拍打吉他来掌控节奏,约翰·麦克劳克林参与了包括《Bitches Brew》在内共五张迈尔斯·戴维斯唱片的演出,为乐队加入了英国摇滚乐的风格。三星相聚交织出的音乐火花我们乐迷又岂容错过? 这张专辑的录音效果令人雀跃。在充分感受出色音效的同时,敞开心扉,能更多的感受音乐的韵味和乐手合作的默契与激情。这确实是一张音乐爱好者不容错过的经典唱片。
泰玛·休斯顿《我心中的音乐》
14
这张专辑是黑人蓝调歌后泰玛·休斯顿与十八人大阵容的“压力锅乐团”演出的录音,是喇叭花最成功的唱片之一。专辑发行后立即销售一空,长期供不应求。专辑融合灵魂乐Soul、Funk爵士放克、雷鬼Reggae、R&B,人声曲目与器乐曲目交替编排,既有充满力量的主唱,也有铜管大乐队精彩的器乐段落,热烈奔放、现场感极强。 这是非常具有个性的一张女声流行录音,女声强而有力、音域宽广,对系统都是严酷考验。 专辑中的演唱充满人性光辉,人声空间感辽阔、热情奔放。而精准的钢琴触键,以及冲击力强烈的低音旋律线,都形成绝佳的对比。泰玛·休斯顿充满真情的歌声,在乐团与合唱的陪衬下,散发出纤细感性的动态,真是令人难以忘怀。 整张专辑采用喇叭花标志性的Direct-to-Disc直接刻片技术,乐队与人声全部现场同期录音,录音信号直接刻到母盘,没有多轨录音、没有后期剪辑、没有叠加重录,一次完整录完一面,一旦出错整面作废,对乐手、歌手要求极高,是1970年代发烧录音的巅峰代表。录音在两天内完成,压力锅乐团并不是固定乐团,是临时集结的18位好莱坞顶级录音室乐手,包括Michael Omartian、Mike Melvoin等顶尖编曲键盘手,阵容豪华。歌手泰玛·休斯顿当时隶属于摩城唱片,借调过来完成这张录音,她浑厚爆发力十足的灵魂女声是专辑灵魂。 直刻录音带来极强现场感、宽阔声场,乐器定位清晰,动态范围巨大。泰玛·休斯顿的人声从低声区到高亢呐喊跨度极大,非常考验音响系统的解析力与承受功率,是很多发烧友用来测试音箱的标杆唱片。原版黑胶当年发行就迅速售罄,后来多次复刻;Sheffield的录音捕捉现场合奏的协同感,定制电子线路,获奖级工程录制。
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波利尼《舒曼钢琴作品录音全集》
波利尼《舒曼钢琴作品录音全集》
这套专辑收录了钢琴家波利尼演奏的舒曼钢琴作品录音。包括《a小调钢琴协奏曲》、两部《钢琴奏鸣曲》、《C大调幻想曲》、《交响练习曲》、《阿拉伯风格曲》、《大卫同盟舞曲》、《克莱斯勒偶记》、《拂晓之歌》等。波利尼的演奏极度专注,具有强化张力的特质,源于他的内在个性,精妙的解析、从单一整体的角度来注意其中细节,如此他抓住了舒曼语言里的幻影火花,将舒曼的恬美和细针密线舒展开来。 舒曼钢琴作品的主要特色,乃在于其深具个性化的诗意表现,而旋律是呈现其特色的主要媒介。舒曼钢琴作品在曲式上所表现的独特性,最主要乃源自其音乐诗化之理想。他曾说过:音乐是诗的最大潜能。舒曼认为,做为艺术家,道德应成为一个诗人,并且努力达到诗的悟性。这种铭刻于心的理念,使他的音乐如同富于幻想的诗,自由地从凝固的形式中解放出来,用以表达自己的理想世界。 舒曼的主要钢琴作品在多完成于一八三九年之前,也就是热情洋溢的青年时期。这个时期的舒曼习惯于在钢琴上倾诉自己的情感。一篇篇的钢琴作品,其实就是他一篇篇的生活日记。作品中所涌现旋律,也大都是可歌性的语法。而在诗学的影响下,其作品的旋律,也往往离不开方正的二小节、四小节、八小节的乐句组成。这使得他的旋律显示出极为热情内敛而不虚华外烁的线条。它在钢琴的中间音域以平和的音程进行,所表达的无限性内涵,必须像“朗诵诗”一般地反复寻味,才能得到深切的同情共感。 大致上,舒曼钢琴作品的旋律,有如下五种特征: 1、以相同的旋律语法,使用在不同的作品中,而成为特有的笔调。 2、偏爱以上拍开始的旋律。 3、绝少使用附加的装饰音。 4、常以对位手法卡农或赋格处理旋律。这是舒曼孜孜钻研巴赫作品所获得的理念。 5、常以模进手法处理旋律。进而达到转调、简化或扩展的目的。
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曼德林四重奏《舒伯特·弦乐四重奏(1)》
曼德林四重奏《舒伯特·弦乐四重奏(1)》
这张专辑是德国曼德林弦乐四重奏团演奏舒伯特两部《弦乐四重奏》的录音。曼德林弦乐四重奏团自从成立之后,先后在多个国际室内乐赛事上获得肯定,比如德国慕尼黑ARD国际音乐比赛。乐团的四位成员平时各自有属于自己的独奏家生活,是对室内乐怀有的热情和梦想使得他们走到了一起,这让曼德林弦乐四重奏团成为欧洲室内乐组合里非常高调的一支。 《d小调第十四弦乐四重奏“死神与少女”》D810,作于1824年。当时舒伯特病得很重,他认为那个与音符灵魂同化的少女就是他自己。此曲是他所有14部弦乐四重奏中最完美、最感动人的一首。乐曲中充满了黑暗压抑和悲伤痛苦,使人感到无法承受与摆脱。死是这首乐曲的主题,然而,死并不代表终结,而是轮回再生的起点,就像希腊神话,万物枯死,年复一年却又生机勃勃。舒伯特说:听这部四重奏的最佳时间是冬季,听这首歌曲最好在鲜花盛开的春天。 《降E大调第十弦乐四重奏》D87,作于1813年。此曲属于舒伯特早期四重奏作品,因编纂时年代确认失误而排列靠后。这部作品记录了十六岁少年舒伯特青春中短暂的美丽,光鲜纯朴、满怀梦想,洋溢着意气风发和踌躇满志。音乐铺陈精细雅致,旋律和谐美妙,娴熟的创作技巧得益于当时经常举办的家庭演奏会。
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