这套5CD合辑收录了柯尔托演奏的肖邦钢琴作品。最让人满意的是选择曲目都是最佳版本，很多录音都是首次出现，直到现在很多录音仍然都是其独占录音。不论在选曲上、音效上还是制作上都属世界顶级水平，至今都难以超越，是柯尔托演奏录音收藏的首选。这套录音的转制、制作极为精细，不但选曲尽善尽美、音效也极为完美。
阿尔弗雷德·柯尔托(Alfred Cortot，1877-1962) 法国钢琴家、指挥家。他演奏的肖邦作品享有盛誉，虽是以性格和智慧取胜，而不是以准确见长。他的演奏追求高贵的气质、抒情性与迷人的音色的结合，他演奏的舒曼与肖邦的作品，突出了其亮丽和细腻，强调了他们丰富的表情。
许多乐迷喜欢柯尔托的重要原因是他弹琴相当“有趣”。虽然经常有人诟病他的技术，把他当作技术精准的波利尼、布伦德尔的“对立面”来谈论，在柯尔托晚年演奏肖邦《练习曲》的录音中，弹错、碰错的琴键不在少数。而弹错音或者技术退化并不影响他是个“有趣”的人，也不影响他是个有想法的钢琴家。钢琴是乐器、音乐是内心的声音，就像没有遗憾的生命是不通人情并且非常可怕的。
很多钢琴家都录制过肖邦《练习曲》，但柯尔托的演奏还是让人惊叹，虽然他的唱片没有立体声录音给人带来的那种感官满足，但是其中包含的内容简直可以用丰盛来形容，每听一次，几乎都有新的发现，很多小细节就像遗落在草地里的露珠，轻轻拨开草叶，才能看到它闪闪发光，但即使你不去费心思索，它们也默默发光，为一片草地增添青翠。
因为他的音乐太与众不同,很多旋律线的勾勒出人意料，但是又在情理之中。柯尔托的演奏严格尊重乐谱，只不过他有一双透视的眼睛，能看到乐谱中隐藏着的音乐；他有一双灵敏的耳朵，能够捕捉众多音符中，有关联的其中几个，将他们穿成一串闪闪发光；他有冷静而充满想象力的大脑，让他不知疲惫地寻找音乐中的各种趣味，并想尽一切办法呈现出来。
柯尔托演奏中所营造的诗意和舒适的氛围，有时也带着一些忧郁的色调。他是有史以来最善于沟通的音乐家之一，从把听众深深地带入他的音乐世界这方面来讲，他从未失败过。他的音乐打动听者，总能给人一种期许中的美好境界。
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109这张专辑是瓦茨拉夫·纽曼指挥捷克爱乐乐团，演奏德沃夏克《第七、八、九交响曲》。
瓦茨拉夫·纽曼（Vaclav Neumann，1920-1995）捷克指挥家，1920年出生于捷克首都布拉格。纽曼最擅长是捷克音乐，特别是德沃夏克的交响乐作品。纽曼的指挥强调抒情性与弦乐的歌唱性，他是指挥捷克及东欧作品的权威，他率领的捷克爱乐乐团在演奏东欧作品时有一种原汁原味的韵味。虽力度与幅度都不如西欧的重量级乐团，但弦乐之美、层次之细腻也令人刮目相看。纽曼在指挥捷克爱乐乐团时，不但完美地保留了它原有的雄厚实力，而且在这一基础上又使它得到了很大的发展，在纽曼的训练指挥下，捷克爱乐乐团的演奏显得音色更加明亮、色彩更加绚丽、音响更加丰满，而其中又尤以弦乐的合奏显得细致、准确、协调和充满韵味，这也难怪，因为纽曼本人就是一位出色的弦乐演奏家，而这种直接的感觉所带来的影响，的确是非常独到和富有效果的。
纽曼是一位风格非常细腻的指挥家，也许是他身上所固有的斯拉夫民族气质的关系所至吧，他指挥的音乐非常富有抒情性，在对乐曲的表达处理上，他给人的感觉是层次分明、条理清楚，对感情的处理与控制恰到好处，而对待声音的处理则显得十分清晰和干净。纽曼是一位很好地掌握和表现斯拉夫民族精神与气质的指挥家，他对于这类风格的作曲家的作品的演释是非常出色的，当然，要说最为出色的还是要数捷克作曲家的作品，他对于斯美塔那、德沃夏克、雅那切克和苏克等人的作品，可以说是最为擅长和具有权威性的了，这种特征无论如何是与他和祖国之间的民族血脉关系紧密相联的，这里面既有着文化和社会背景的直接影响，又有着生活习俗和精神因素的间接关系，因此无论从思维上还是从气质上都能够达到一种自然的协调一致，这些方面应该说是纽曼能够极其成功地指挥本民族作曲家的作品的一个重要原因。
纽曼是20世纪中优秀的指挥大师，他在国内外所享有的名誉是十分突出的，在捷克，他曾于1977年获得了象征着最高荣誉的“捷克人民演员的称号”，而在国外，他是被人们称为是一位极富才华的、为他的祖国赢来巨大声望的一流指挥大师。
345这套合辑收录了罗纳德·布劳提甘以古钢琴演奏的海顿全部键盘独奏作品。也许初听上去似乎不如现代钢琴温婉，也可能不如现代钢琴余音绕梁，但细细听下去，相信会感受到乐器之王的纯粹魅力。
罗纳德·布劳提甘（Ronald Brautigam，1954-）荷兰著名钢琴家，出身于荷兰最著名的史威林克音乐学院，师从荷兰钢琴大师Jan Wijn。之后前往伦敦和美国继续深造，并曾追随鲁道夫·塞尔金学艺。Ronald Brautigam在1984年获得了荷兰音乐大奖。他特别擅长演奏古钢琴，之后逐渐成为古钢琴界权威，更是当今倡导莫扎特时代钢琴艺术的名家。
海顿一生共写有62首钢琴奏鸣曲，主要用古钢琴为教学和个人演奏。早期的钢琴奏鸣曲通常用“嬉游曲”和“奏鸣曲”作为标题，多半保留三个乐章的形式，并且三个乐章统一在同一调性上。其后海顿又较多模仿北德乐派大师C.P.E.巴赫的奏鸣曲。1771年海顿受到“狂飙运动”影响，18世纪80年代后海顿的创作在旋律风格与结构上受到莫扎特影响。经历了一生与音符为伴的时光，海顿开始在晚期的作品中显现出不同于其他时期的气象。这时的海顿已经不再需要功绩、名利，而老来受到尊崇的他也逐渐在作品中显示出自己的偏好，除了保持乐观、真诚、爽朗、幽默的性格以外，他开始追求新的乐思与立意。
44这张专辑是瓦茨拉夫·纽曼指挥捷克爱乐乐团，演奏德沃夏克《第一、二、三交响曲》。
捷克爱乐乐团是一个有着近百年历史的老资格交响乐团，它曾入选过世界十大交响乐团的阵容中。这个乐团在历史上曾经与许多伟大的作曲家和指挥家合作过，比如捷克伟大的作曲家德沃夏克就曾在这个乐队中担任过中提琴演奏员，另外著名的捷克指挥家塔里希、库贝利克和安切尔等人，都曾担任过这个乐团的常任指挥，特别是塔里希，他曾领导这个乐团达20年之久，为这个乐团赢来世界声誉做出过巨大的贡献，凑巧的是这位老一辈大师正好是纽曼的指挥老师。
在欧洲地理上，捷克和斯洛伐克是斯拉夫民族大家庭中的重要成员，而它们的音乐艺术在世界上也具有着十分重要的地位，特别是捷克，它的音乐艺术曾在欧洲音乐发展史上起到过推波助澜的显著作用。早在18 世纪初，曼海姆乐派中活跃的作曲家卡·斯塔术兹和里希特等人，就为欧洲交响乐的诞生做出了重大的贡献，到了19 世纪，卓越的捷克民族乐派的作曲家斯美塔那、德沃夏克、雅那切克、苏克和诺瓦克等人，又以他们特有的天才，为世界音乐宝库中增添了一笔满载斯拉夫民族精神与气质的优秀作品，因此可以说，捷克这个国家是一个对世界音乐艺术有着特殊贡献的国家，它的历代作曲大师都是最富民族特色和天才能力的突出人物。
然而这个国家的音乐表演艺术家也同样在世界上拥有着显著的地位，19 世纪著名的小提琴家塞夫契克和扬·库贝利克，曾对世界小提琴艺术的发展起到过带有阶段性标志的重大作用，而作为指挥艺术来说，这个国家也可以说是一个指挥大师层出不穷的地方，从早期的塔里希、斯美塔契克、安切尔到稍后的拉·库贝利克、斯洛瓦克和纽曼等人，无不给世人留下深刻的印象，而在这些知名的大指挥家中，纽曼是一位有着特殊影响的人物，在捷克指挥艺术中，他既是一个很好的继承者，又是一个很好的发扬传播者，因此用承上启下这个词来形容他是十分恰当的。
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米凯兰杰利《演奏录音精选辑（2）》
这套10CD合辑是意大利钢琴家米凯兰杰利的演奏录音精选辑（第二辑），收录了他演奏的贝多芬、肖邦、格里格、加卢皮、莫扎特、舒曼、雷斯庇基、斯卡拉蒂、德彪西、勃拉姆斯、李斯特、巴赫、舒伯特、拉威尔的钢琴作品。录音涵盖的时间很长，从1949年至1988年近40年。
米凯兰杰利一生虽然留下了近40年的录音，但因为选择曲目挑剔，对演奏的要求又近乎苛刻地高，所以演奏曲目并不广泛，录音数量相对其他同时代的演奏家来也少的可怜。正因为这样，虽然他的唱片很少，但只要有的都是极品。米凯兰杰利也正是因为对自己的演奏质量要求甚高，决不轻易举办独奏会。他演绎的贝多芬作品，摆脱了任何一种巴洛克风味的弹奏方式，将自己的音乐个性隐藏在乐曲自身的内涵下，完美地表达出作品的深情和精髓。他演绎的德彪西作品，以全然柔软圆滑的线条歌唱，丝毫不带钢铁的森冷，已达”无槌之音”的佳境，因而获得“音乐哲学家”的美誉。此外，他还是一位卓有贡献的钢琴教育家，指导和培养出了一批钢琴家，其中不少已名扬世界，如意大利钢琴家波利尼、阿根廷钢琴家阿格丽奇以及捷克钢琴家伊万·莫拉维茨。
同时，和神奇的演奏一样著名的，就是米凯兰杰利那古怪的脾气和性格。他对钢琴的音色出奇地挑剔，挑剔到了让人无法理解的程度。他经常不顾观众的感受临时取消音乐会，任意改变甚至中断演出的日程安排，中途停止录音等。因此在音乐评论界和广大乐迷中留下了“古怪孤僻，反常乖戾”的名声，甚至他的高徒波利尼、阿格丽奇都与他格格不入。“对我们这些被消费时尚宠坏了的听众来说，米凯兰杰利的存在显得像是一个冒犯。”实际上，米凯兰杰利一切的反常举止都来源于他近乎苛刻的严格要求和对艺术极端负责的态度：每一次演出结束，即使观众为之迷醉倾倒，好评如潮，他仍要自己和自己较劲一般地挑出自己演奏中一大堆的毛病。尽管这些毛病在别人看来完全可以忽略不计，他却固执己见，闭门思过、苦思冥想。正是因为这种原因，他才出现了前面所说的种种“反常”的举动。
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92期
米凯兰杰利《精选集（第二辑）》
这套合辑是意大利钢琴家米凯兰杰利的精选集（第二辑），收录了他演奏的贝多芬、肖邦、格里格、加卢皮、莫扎特、舒曼、雷斯庇基、斯卡拉蒂、德彪西、勃拉姆斯、李斯特、巴赫、舒伯特、拉威尔的钢琴作品。录音涵盖的时间很长，从1949年至1988年近40年。
米凯兰杰利一生虽然留下了近40年的录音，但因为选择曲目挑剔，对演奏的要求又近乎苛刻地高，所以演奏曲目并不广泛，录音数量相对其他同时代的演奏家来也少的可怜。正因为这样，虽然他的唱片很少，但只要有的都是极品。米凯兰杰利也正是因为对自己的演奏质量要求甚高，决不轻易举办独奏会。他演绎的贝多芬作品，摆脱了任何一种巴洛克风味的弹奏方式，将自己的音乐个性隐藏在乐曲自身的内涵下，完美地表达出作品的深情和精髓。他演绎的德彪西作品，以全然柔软圆滑的线条歌唱，丝毫不带钢铁的森冷，已达”无槌之音”的佳境，因而获得“音乐哲学家”的美誉。此外，他还是一位卓有贡献的钢琴教育家，指导和培养出了一批钢琴家，其中不少已名扬世界，如意大利钢琴家波利尼、阿根廷钢琴家阿格丽奇以及捷克钢琴家伊万·莫拉维茨。
同时，和神奇的演奏一样著名的，就是米凯兰杰利那古怪的脾气和性格。他对钢琴的音色出奇地挑剔，挑剔到了让人无法理解的程度。他经常不顾观众的感受临时取消音乐会，任意改变甚至中断演出的日程安排，中途停止录音等。因此在音乐评论界和广大乐迷中留下了“古怪孤僻，反常乖戾”的名声，甚至他的高徒波利尼、阿格丽奇都与他格格不入。“对我们这些被消费时尚宠坏了的听众来说，米凯兰杰利的存在显得像是一个冒犯。”实际上，米凯兰杰利一切的反常举止都来源于他近乎苛刻的严格要求和对艺术极端负责的态度：每一次演出结束，即使观众为之迷醉倾倒，好评如潮，他仍要自己和自己较劲一般地挑出自己演奏中一大堆的毛病。尽管这些毛病在别人看来完全可以忽略不计，他却固执己见，闭门思过、苦思冥想。正是因为这种原因，他才出现了前面所说的种种“反常”的举动。
10292期
米凯兰杰利《钢琴演奏录音辑》
这套合辑是钢琴家米凯兰杰利1939-1975年的演奏录音，从中可以领略到这位杰出音乐家的高超演奏技巧和强烈艺术魅力。
阿尔图罗·贝内代托·米凯兰杰利（Arturo Benedetti Michelangeli，1920年1月5日-1995年6月12日）意大利钢琴家。米凯兰杰利的演奏技术无懈可击，善于恰到好处地把握音色和多声部层次的控制，有条理地处理整体与细节的关系，追求音色清澄、干净的演奏灵魂。他的演奏既保持了古典乐派的内在与平衡，又注入了浪漫乐派的热情与感染力，极具强烈的艺术魅力。
米凯兰杰利一生虽然留下了近40年的录音，但因为选择曲目挑剔，对演奏的要求又近乎苛刻地高，所以演奏曲目并不广泛，录音数量相对其他同时代的演奏家来也少的可怜。正因为这样，虽然他的唱片很少，但只要有的都是极品。米凯兰杰利也正是因为对自己的演奏质量要求甚高，决不轻易举办独奏会。他演绎的贝多芬作品，摆脱了任何一种巴洛克风味的弹奏方式，将自己的音乐个性隐藏在乐曲自身的内涵下，完美地表达出作品的深情和精髓。他演绎的德彪西作品，以全然柔软圆滑的线条歌唱，丝毫不带钢铁的森冷，已达”无槌之音”的佳境，因而获得“音乐哲学家”的美誉。此外，他还是一位卓有贡献的钢琴教育家，指导和培养出了一批钢琴家，其中不少已名扬世界，如意大利钢琴家波利尼、阿根廷钢琴家阿格丽奇以及捷克钢琴家伊万·莫拉维茨。
同时，和神奇的演奏一样著名的，就是米凯兰杰利那古怪的脾气和性格。他对钢琴的音色出奇地挑剔，挑剔到了让人无法理解的程度。他经常不顾观众的感受临时取消音乐会，任意改变甚至中断演出的日程安排，中途停止录音等。因此在音乐评论界和广大乐迷中留下了“古怪孤僻，反常乖戾”的名声，甚至他的高徒波利尼、阿格丽奇都与他格格不入。“对我们这些被消费时尚宠坏了的听众来说，米凯兰杰利的存在显得像是一个冒犯。”实际上，米凯兰杰利一切的反常举止都来源于他近乎苛刻的严格要求和对艺术极端负责的态度：每一次演出结束，即使观众为之迷醉倾倒，好评如潮，他仍要自己和自己较劲一般地挑出自己演奏中一大堆的毛病。尽管这些毛病在别人看来完全可以忽略不计，他却固执己见，闭门思过、苦思冥想。正是因为这种原因，他才出现了前面所说的种种“反常”的举动。
464161期
米凯兰杰利《钢琴演奏录音集》
这套6CD合辑收录了钢琴家米凯兰杰利1941-1975年间的演奏录音。包括巴赫、斯卡拉蒂、贝多芬、肖邦、勃拉姆斯、格里格、德彪西、莫扎特、拉威尔、拉赫玛尼诺夫、海顿、舒曼的作品。
阿尔图罗·贝内代托·米凯兰杰利（Arturo Benedetti Michelangeli，1920-1995）意大利钢琴大师。米凯兰杰利的演奏技术无懈可击，善于恰到好处地把握音色和多声部层次的控制，有条理地处理整体与细节的关系，追求音色清澄、干净的演奏灵魂。他的演奏既保持了古典乐派的内在与平衡，又注入了浪漫乐派的热情与感染力，极具强烈的艺术魅力。
米凯兰杰利一生虽然留下了近40年的录音，但因为选择曲目挑剔，对演奏的要求又近乎苛刻地高，所以演奏曲目并不广泛，录音数量相对其他同时代的演奏家来也少的可怜。正因为这样，虽然他的唱片很少，但只要有的都是极品。米凯兰杰利也正是因为对自己的演奏质量要求甚高，决不轻易举办独奏会。他演绎的贝多芬作品，摆脱了任何一种巴洛克风味的弹奏方式，将自己的音乐个性隐藏在乐曲自身的内涵下，完美地表达出作品的深情和精髓。他演绎的德彪西作品，以全然柔软圆滑的线条歌唱，丝毫不带钢铁的森冷，已达”无槌之音”的佳境，因而获得“音乐哲学家”的美誉。此外，他还是一位卓有贡献的钢琴教育家，指导和培养出了一批钢琴家，其中不少已名扬世界，如意大利钢琴家波利尼，阿根廷钢琴家阿格里奇以及捷克钢琴家伊万·莫拉维茨。
同时，和神奇的演奏一样著名的，就是米凯兰杰利那古怪的脾气和性格。他对钢琴的音色出奇地挑剔，挑剔到了让人无法理解的程度。他经常不顾观众的感受临时取消音乐会，任意改变甚至中断演出的日程安排，中途停止录音等。因此在音乐评论界和广大乐迷中留下了“古怪孤僻，反常乖戾”的名声，甚至他的高徒波利尼、阿格丽奇都与他格格不入。“对我们这些被消费时尚宠坏了的听众来说，米凯兰杰利的存在显得像是一个冒犯。”实际上，米凯兰杰利一切的反常举止都来源于他近乎苛刻的严格要求和对艺术极端负责的态度：每一次演出结束，即使观众为之迷醉倾倒，好评如潮，他仍要自己和自己较劲一般地挑出自己演奏中一大堆的毛病。尽管这些毛病在别人看来完全可以忽略不计，他却固执己见，闭门思过，苦思冥想。正是因为这种原因，他才出现了前面所说的种种“反常”的举动。
36271期
20世纪伟大钢琴家《柯尔托(2)》
这张专辑收录了阿尔弗雷德·柯尔托的演奏录音，包括法朗克、圣-桑、肖邦、拉威尔、德彪西的钢琴作品。这一套柯尔托专辑曲目有法朗克三部最重要的钢琴作品：前奏曲、《圣咏与赋格》(1929年录音)、《前奏曲、咏叹调与终曲》(1932年录音)，以及为钢琴与管弦乐团所的《交响变奏曲》(1934年录音)。期待欣赏这些录音的心情促使我去翻阅柯尔托谈论法国钢琴音乐书中关于法朗克的章节。这本书里也提到德彪西、福雷、夏布里耶与杜卡(可惜啊，柯尔托完全没有录过夏布里耶与杜卡的作品)。柯尔托广泛而且以极佳的理解力，明确的评论法朗克的钢琴音乐。柯尔托演奏这三部重要且动人的作品自然是热烈而有说服力的完美典范。要演奏法朗克并不容易，除了具备基本演奏技巧，还要能找出作曲家隐藏在作品中不易被发现的内涵。法朗克和许多管风琴家一般，都是杰出的即兴演奏家。当然，即兴的魅力是管风琴家演奏时引以为乐的，只有键盘的魔术师才有办法在作品的原始构思中找到头绪脉络，而法朗克在他结束写作生涯前，把这些难以捉摸而且极具有个人风格的要素带入这两部以三段写成，仿如三部管风琴赞美诗的大型钢琴曲。全盛时期的柯尔托从直觉出发，经由思考、每锐的听力与分析开启法朗克在音乐中所透露的讯息，这是诠释法朗克音乐非常完美的典范。柯尔托所演奏的法郎克有完美的清晰度，除了赋格尾声难以驾驭的乐段，柯尔托对法朗克结构复杂的作品理解力，确实能让它更为具有完整明确的形式，具有纯感官的华丽声音以及令人惊奇的音色变换与诱惑力。在文章里，柯尔托提到这两部三连作都各有其拥护者。《前奏曲、圣咏与赋格》比较常被拿出来演奏，但柯尔托认为这两部作品都有其价值，而我得说，我从没有听过其它钢琴家以同样横扫千军的方式演奏这部作品。
1.9万49期
20世纪伟大钢琴家《艾森巴赫》
这张专辑收录了克里斯托夫·艾森巴赫的演奏录音，包括舒曼、舒伯特、海顿、莫扎特、贝多芬的钢琴作品。对艾森巴赫来说，海顿或米凯兰杰利、李赫特风格，以其乐念和声响的大胆而讨人喜爱。他不讳言他认为奏鸣曲是真正的钢琴音乐：身为奥地利─波西米亚钢琴学派的先驱，其论点和音色是大胆创新的，其复式协奏曲风格的对话是动态而攻击的。按比例缩小的花拳绣腿并非他的风格，他偏好清晰光明额外的踏瓣，和纯净弹跃的十六分音符，赤裸裸的但有助于气氛的回响，演奏呈示部但不重复第二次。他钟爱海顿创意的光辉灿烂将《D大调奏鸣曲》的第一乐章转换成为，由崩毁的音符组成的狂暴酒宴、钻石精刻般的断奏和骑士风范般的圆滑线，以它们独特的、嬉游的管弦乐喧嚣地威胁着。在柔板中，他展现为莎士比亚悲剧性所破坏的豪华宏伟表情和狂喜随想曲；在休止和寂静的张力中，他呈现预言的语法规则。
当其它只看出悠闲的部分，艾森巴赫发掘莫扎特的严肃性，其演奏对时机的掌握分秒不差，并且能够做出绵延、优雅的歌唱，其语法如雕刻般明朗，其诗意和灿烂点缀以纯真但也带着都会生活的复杂度。《F大调奏鸣曲》第一乐章中，那怡人的法国号主题、那总奏和装饰乐段，终曲中，那狂喜的如纸风车般旋转的下行音阶、那自制的对比、那渴切的休止和渐柔渐缓，这些动态、振奋的演奏，展现绝对完美的诠释典范。同样地，《降B大调柔板》那痛苦的、持续的如歌曲调后半段是直截地，并没有最早印行的原谱中那些交替的装饰音。“我发现自己支持这样的理论：莫扎特那些巧工和装饰仅是为了覆盖那些长音之间的距离，他那个时代的钢琴实在没办法充分支撑这些长音。换言之，装饰音对他来说是实作层面的需求，它们并没有任何旋律上的目的，以现代钢琴的声音力度和持久度来看，将任何东西加入莫扎特的旋律线显然是多余的。”
莫扎特为钢琴创作的十二段变奏曲《小星星变奏曲》的那沉思的第十一段变奏，在情感上是如此的大异其趣于大众眼中的那位微笑萨尔兹堡天才；而贝多芬的广板，显示艾森巴赫对于这位巨人的悲伤面式多么地了解，这些令艾森巴赫成为一个有说服力的舒伯特诠释者，其“绵长的连奏”的能力为亨泽所钦佩。在《A大调奏鸣曲》中，他拒绝跟随既定的传统，决定要使其现代化以追随施纳贝尔的号召：“重新检视钢琴奏鸣曲，并发掘它们强烈的戏剧成分、冲突对立和慑人的故事性，在这里面的每个音符都有其心理上的目的。”
---24期
20世纪伟大钢琴家《鲁宾斯坦(3)》
这张专辑收录了阿图尔·鲁宾斯坦的演奏录音，包括贝多芬、法朗克、舒伯特、勃拉姆斯、舒曼的钢琴独奏作品。
除了肖邦的作品之外，贝多芬、舒曼和勃拉姆斯的键盘作品大量地出现在鲁宾斯坦的节目单上。鲁宾斯坦演奏为数众多的贝多芬的奏鸣曲，但是在他漫长的职业演奏生涯中，有两首特别地是他的最爱。其一为《热情》奏鸣曲（作品五十七）；另一为降E大调奏鸣曲作品三十一之三。阿图尔·鲁宾斯坦录制了三次的降E大调奏鸣曲，这里所收录的是第二次、于1964年的录音。这首生气蓬勃、热情洋溢的作品之所以强烈吸引阿图尔·鲁宾斯坦的原因是显而易见的，它需要如歌的音色、钢琴的优雅和旋律的激荡（特别是其第二和第四乐章）的独特结合一种阿图尔·鲁宾斯坦富有的特质。阿图尔·鲁宾斯坦诠释贝多芬的音乐风格是相当有说服力的，他演奏这位作曲家的方式也许曾受过已被遗忘的法国钢琴家艾杜瓦·里斯勒（Edouard Risler）的影响，年轻的阿图尔·鲁宾斯坦曾经听过他演奏全本的贝多芬奏鸣曲。“直到现在，”阿图尔·鲁宾斯坦在自传中回忆到：“我再也没有听过任何人能演奏这些奏鸣曲如同黎斯勒一般美丽而动人，他忠实的演奏它们，就好像它们对他说话一样，显现了这些钜作的高度浪漫本质。人们似乎忘记贝多芬是第一位可被称为“浪漫派”的作曲家，简而言之，他利用自己的创作天分，在他的音乐中刻画出他的绝望、他的欢乐、他对自然的感受、他的愤怒的爆发，最重要地，他的爱。他利用他那无与伦比的才华，完美地展现这些情绪。谈论贝多芬时，再也没有比“古典”这样的字眼更令我陌生的了。”
鲁宾斯坦对勃拉姆斯的音乐的终身奉献斑斑可考。事宾上，他在1971年表示：“勃拉姆斯的音乐和我关系紧密尤甚于我那伟大的同胞肖邦。早年我有幸成为约瑟夫·约阿希姆——传奇的勃拉姆斯的诠释者、建言者和友人的门生，经由他我一阅始就浸淫在勃拉姆斯的音乐中。记住，我十岁那年勃拉姆斯才离世，所以对我来说他是在世的作曲家，而非“老大师”。现在我仍然以这样的感觉来接近他的音乐，以我自己的方式，尝试演奏出早年成长时所喜爱的那位勃拉姆斯的本质。”
8727期
20世纪伟大钢琴家《桑松·弗朗索瓦》
这张专辑收录了桑松·弗朗索瓦的演奏录音，包括肖邦、莫扎特、巴赫、德彪西、拉威尔的钢琴独奏作品。弗朗索瓦所演奏的肖邦的不同作品风格迥异。《即兴曲》的演奏是那样的生动和鲜明，飘逸而富有表现力，staccato（断奏）的运用随心所欲。在Op.36中，他改变了leggiero（轻巧的）的速度；他的《幻想即兴曲》Op.66令人耳目一新，结尾部分完全是marcato（着重的），甚至不用踏板。他自作主张地删去了《第二钢琴奏鸣曲》第一乐章的重复段，八年后当他第二次录制这部作品时依然如此。这两个版本听起来惊人地相似，不过这个早先的录音在音色上圆润和丰满，流畅而清晰，技巧的表现也更为出色。他对于四首圆舞曲的演奏各有千秋，虽然听上去略显的老旧感，但就某种程度而言这正是那个时代法国学派的演奏风格。弗朗索瓦运用他非凡的技艺使《叙事曲》听上去是如此的令人不可思议，Op.23和Op.38他通过浓烈情感色彩来体现agitato（激动）和presto con fuoco（热情的急板）。相反，在后两曲中他表现得却是那样的平静和安祥。
在演奏他最擅长的德彪西的作品时，弗朗索瓦几乎难寻对手。他的老师Marquerite Long是德彪西的挚友，同时也是一位福雷作品的倡导者和诸多作品的首演者，手把手地将其演出的心得教给他。当提及德彪西时，他说：“我想没有人会比他更能制造梦幻，他能捕捉到镜子中一切虚幻的东西。”在他《L'isle joyeuse》或《Clair de Lune》的录音中，你能感到他的这种理解。弗朗索瓦对于Pour le piano中的托卡塔的演奏可谓登峰造极，技巧上无懈可击，乐曲的表达自始至终令人迷醉不已。他演奏的福雷作品同样色彩缤纷、优美且不缺乏力度。
当然，作为大师，舒曼的托卡塔应该在他的曲目范围内。然而，在本世纪五十年代，很少有法国演奏家去尝试普罗科菲耶夫的作品。除了浪漫主义的作品，拉威尔和普罗科菲耶夫也是弗朗索瓦的最爱。他在美国首演了的普罗科菲耶夫《第五钢琴协奏曲》，也许他想借此与他最敬仰的霍洛维兹比肩，他录制了这位俄罗斯作曲家的《托卡塔》和《第七钢琴奏鸣曲》。
42129期
20世纪伟大钢琴家《哈丝姬尔(2)》
这张专辑收录了克拉拉·哈丝姬尔的演奏录音，包括莫扎特、贝多芬、舒曼、舒伯特的钢琴独奏作品。
第一首莫扎特《C大调钢琴变奏曲》以简单、纯真的曲风展开，紧接是一个带有舞曲性质的2/4拍节奏以及全音和声，这段简朴的八小节乐段正是这首变奏曲的主题。一般人或许认定这只是一首童谣，因为在英国系国家，《小星星》就是根据这首德国童谣《妈妈听我说》填词而成（但是作曲者的姓名已经无从考证）。莫扎特以这段简单的旋律为基础，创作出这首纲琴十二段主题变奏做为教材（时间约在1781年到1782年间，地点是维也纳）。这里收录的是哈丝姬尔在1960年5月的录音，她的演奏无疑弹出这首作品的价值，低音声部清澈透明的声音似乎也成为简单主题的一部分。在接下来的变奏里，主题仍然一再出现，但是是以各种不同色彩的声音来表现。哈丝姬尔努力地让键盘唱歌以弥补钢琴天性的不足，重视手指圆滑弹奏的程度更甚于依赖踏板。
《九段主题与变奏》是莫扎特1789年4月29日在波茨坦完成的作品，主题选自迪波尔为大提琴所写的六首大提琴奏鸣曲中D大调小步舞曲。它对演奏者的要求比起《小星星变奏曲》更严苛。虽然每一段变奏都有不同的个性，哈丝姬尔却贴切地表达出这首乐曲的精髓，主题一直呈现优雅的美感。负责低音声部的左手（例如：第二段变奏的十六分音符、第三段变奏的琶音与第四段变奏的断奏）为主题的发展奠定基础，主题在小调的变奏乐段呈现出忧郁的色彩，抒情的慢板则有朴实率直的平静。最后一段变奏是以欢乐的2/4拍写成，哈丝姬尔的诠释恰如其份，忠实的呈现出乐曲的欢乐气氛，从中完全嗅不到她日常生活的悲哀。
接下来是两部钢琴奏鸣曲。《第二钢琴奏鸣曲》K.280是莫扎特十九岁的作品，《第十钢琴奏鸣曲》K.330约在1783年创作于萨尔兹堡。两部奏鸣曲中间的慢板乐章结构都比前后两个乐章紧密与精细。《第二钢琴奏鸣曲》第一乐章“甚快板”是根据低音主题进行转位发展，以3/8拍写成的终乐章滑稽且快速；在《第十钢琴奏鸣曲》稍快板乐章里，哈丝姬尔恰当而果断的弹奏出音乐里的活力。两部奏鸣曲的中乐章就像歌剧里的咏叹调场景。《第二钢琴奏鸣曲》慢板乐章是以f小调写成，风格正好与《第十钢琴奏鸣曲》的行板乐章形成对比，但是哈丝姬尔都浪漫地“唱”出这两个乐章，并且强调这两个乐章沉思的风格。这两部奏鸣曲都以三段体或两段体写成，哈丝姬尔的演奏不失其透明度，是非常有说服力的莫扎特诠释版本。
2.8万33期
大卫·奥伊斯特拉赫在布拉格（五）
这张专辑是小提琴家大卫·奥伊斯特拉赫在“布拉格之春”国际音乐节上的演出现场录音，收录了他与钢琴家弗里达·鲍尔、莫斯科交响乐团合作的普罗科菲耶夫三部作品。
普罗科菲耶夫《D大调第一小提琴协奏曲》作品19，作于1916-1917年。普罗科菲耶夫在此曲中作了颇多大胆的尝试，三个乐章不按快—慢—快结构，第一和第三乐章以柔和如歌的慢速主题为主，第二乐章不用惯常的慢板，而是快速度的怪诞式谐谑曲。同时，他更多方探索小提琴演奏技巧的种种可能性，发展出不少富有独创性的技法，得到异乎寻常的效果；令人头晕目眩的高速乐句与拨奏，从模糊的滑音到极度清晰，从靠近琴马的特殊奏法到无比通透的泛音，还有富有诗意的抒情咏唱，无比清新的色彩效果，都全用到这部作品中，为整部作品增添不少魅力。这些新颖技巧和音响效果，也就让这部乐曲充满各种对置对比，如美丽的幻想、大自然的崇高，与尖锐的怪诞形象对置，抒情与诙谐的对比。曲中虽有尖刻怪诞效果，但整体上，全曲仍是以抒情的音乐形象主导着发展，散发着深刻感情和乐观肯定精神。
普罗科菲耶夫《五首旋律》作品35b，作于1920年。
普罗科菲耶夫《f小调第一小提琴奏鸣曲》作品80，作于1938-1946年间。此曲极富戏剧性，充满了尖锐的对比，以及各种情绪化的感情。作品中既有新古典主义的元素，又有俄罗斯民族音乐元素。在创作方面可谓是既有继承又有创新。这是普罗科菲耶夫最阴暗艰涩的作品之一，他自己对其的描述是：“阵阵刮过墓园的风”。漫长的创作过程也让他目睹了战争的残酷性，这种撕裂感在第一乐章感觉最明显，尤其有小提琴特有的干涩感陪伴着。
310812期
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