拉罗查《阿尔贝尼兹·伊贝利亚、西班牙之歌

拉罗查《阿尔贝尼兹·伊贝利亚、西班牙之歌

这张专辑是钢琴家拉罗查演奏阿尔贝尼兹的著名钢琴作品。附带她演奏的《著名西班牙安可曲》。 钢琴组曲《伊贝利亚》,此曲是阿尔贝尼兹晚年心血的结晶,体现着他的艺术颠峰。整部作品共由十二首曲子组成,分成四卷,每卷各含三首曲子。前三卷的九首完成于1906年,第十、十一首完成于1907年,而最后一曲则完成于他生命最后1909年的1月,该年5月他就病逝了。这部作品运用了西班牙的舞曲节奏并与钢琴技巧相结合。德彪西在评价阿尔贝尼兹时说:“他并没有实在引用民间音乐的主题,但是民间音乐却毫无痕迹地潜入了他的音乐。”当年德彪西最喜欢的是第七曲,他说世上只有极少数作品能与它比美。这套钢琴曲作于德彪西的《意象》与《版画》之后,与德彪西有相似味道,但感觉这套组曲的东方色彩比德彪西还要浓郁。 钢琴组曲《西班牙之歌》作品232,约作于1896-1897年,当时阿尔贝尼斯曾去安达卢西亚西部的古都科多巴与塞维利亚等地旅行,这部组曲的第四、第五曲就是对当时的回忆。 《纳瓦拉》作于1909年。此曲是阿尔贝尼兹的绝笔之作,在作品完成之前,作曲家就与世长辞了。这首被看作是《伊贝利亚》补曲的作品最终由塞维拉克续成。降A大调,3/8拍,不过分的快板。
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肖斯塔科维奇《小提琴、大提琴协奏曲》
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这张专辑收录了肖斯塔科维奇的两部杰作:1、大卫·奥伊斯特拉赫与米特罗普洛斯指挥的纽约爱乐乐团合作,演奏《第一小提琴协奏曲》;2、罗斯特洛波维奇与奥曼迪指挥的爱乐管弦乐团合作,演奏《第一大提琴协奏曲》。 1947年至1948年间,肖斯塔科维奇创作了《第一小提琴协奏曲》,但作品能够公演还是在斯大林离世后的事。1955年,奥伊斯特拉赫演奏了这部作品并获得成功,他展现出的精湛技艺给了肖斯塔科维奇深刻的触动。 1959年,肖斯塔科维奇创作了《第一大提琴协奏曲》并题献给罗斯特洛波维奇,罗斯特洛波维奇充满感染力的演绎,使这部作品成为大提琴经典曲目。肖斯塔科维奇这样评论罗斯特洛波维奇:“聆听他的演奏,总能从中感受到对于音乐的巨大满足。从他高超的技术中可以感受到他传递出的所演奏作品的音乐主旨。” 当我们聆听奥伊斯特拉赫演奏的《第一小提琴协奏曲》和罗斯特洛波维奇演奏的《第一大提琴协奏曲》,可以感到在思绪方面,后一作品似乎是前一作品的延续,都表现对新的思维及音乐语汇的追求。而两位演奏家对于这些追求,都予以权威的诠释,奠定了后人理解这些作品的基调。 罗斯特洛波维奇曾说过:“我的整个演奏生涯都和苏联作曲家的音乐联系在一起。”
李赫特在布拉格
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这套合辑收录了钢琴家李赫特在布拉格的现场录音。这套合辑的名气非常大,听钢琴的,几乎没有人不知道这套唱片。合辑里的CD1-CD4都是贝多芬奏鸣曲,布拉格公司曾经专门就这四张出过一个套装。这套15CD合辑所包含的录音年份跨度非常大,演奏的作品也包罗万象(这一向都是李赫特套装的特点),我们从中可以听到李赫特在不同时期为不同作品所作的精彩诠释。 纵观这套合辑,其中最出色、最精彩的演奏,当属拉威尔《高贵伤感的圆舞曲》与《镜子》,拉威尔的作品往往充满了法国式独特的高贵与浪漫气息,这些作品在李赫特的演绎下,每一个音符都恰到好处的表现了出来。听着李赫特细腻优美的琴音,我们仿佛置身于一个浪漫而又神秘的世界,葡萄酒与鲜花的醉人芳香交织在一起,让人如痴如醉。除了这两首作品,李赫特在美国卡耐基音乐厅还有《帕凡舞曲》的精彩录音,同样让人神魂颠倒。 除了拉威尔的作品,合辑中的李斯特《超技练习曲》也是摄魂的演奏,特别是第11首《夜之和谐》 ,那若隐若现的轻音,那恰到好处的音色与节奏控制以及强烈的对比,就算全曲结束,仍然是余音绕梁、三日不绝,让人流连忘返。另外肖邦的四首《叙事曲》,李赫特塑造的优美与遐想的意境,伤感的琴声与强烈的对比,让人印像深刻,久久不能忘怀。 第一张到第四张全部都是贝多芬奏鸣曲,其中《第12奏鸣曲》是最精彩的,《第29奏鸣曲》李赫特的演奏虽然无可挑剔,但钢琴的质量严重影响了他的发挥,钢琴在拖后退,完全是靠李赫特完美的技术在支撑整个演奏。这个曲日推荐同年李赫特在伦敦的现场录音。第五张是李赫特与指挥家Bakala合作的贝多芬《第l、3钢琴协奏曲》,这两部协奏曲李赫特有多个录音,合辑中的这版非常精彩,完全不亚于著名的DG米凯兰杰利与朱里尼的现场录音,李赫特的琴音控制得非常有特色,好像在使用一台贝多芬年代的钢琴在演奏,节奏处理上则恰如其分地展现了贝多芬早期协奏曲的特点。 莫扎特作品也是这套合辑的一大特色,李赫特在布拉格演奏的莫扎特奏鸣曲与幻想曲完全可以比肩任何一位莫扎特专家的演绎。
明希《舒伯特·第八交响曲、第九交响曲》
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这张专辑是指挥大师查尔斯·明希率领波士顿交响乐团演绎舒伯特第八、九交响曲。 《b小调第八交响曲“未完成”》,奥地利作曲家舒伯特作于1822年,作者时年25岁,但直到43年后乐谱才被发现,并于1865年首次公演。本交响曲唯有第一、第二两乐章拥有完整的曲谱,第三乐章只有九小节改编为管弦乐曲,其它部分仍停留在钢琴曲谱的形态,第四乐章则连草稿都没有。但第一、第二两个乐章无论在形式上或感情处理上,都能搭配得天衣无缝,整个内容至此已表达得十分完整,再加任何诙谐曲乐章或终乐章,均有画蛇添足的感觉。所以,此曲在形式上虽然未完成,但实际上是完整无缺的,并因此而显得结构新颖,这恐怕是作者始料不及的。 此曲不仅是舒伯特交响曲中最杰出的作品,也是浪漫音乐的一部绝世佳作。它抒发了作者内心世界的矛盾冲突,忧伤情绪充满了整个乐曲。透明清纯、优美丰富的旋律,不加装饰和声和音色,这种作曲手法非常新鲜,这是此曲成为世界上最受欢迎的交响曲之一的重要原因。本曲未完成而终,这为它增添了许多穿凿附会的谣言传说,甚至有人将它杜撰成故事,拍成电影。如此一来,此曲更是家喻户晓。 《C大调第九交响曲“伟大”》,一八二八年三月,舒伯特完成了这部历时三年多时间创作的作品,按照他原先的计划,他将把这部作品寄给维也纳音乐之友协会,但协会在排练这部作品的时候发现此曲难度过高,无法演奏!不得已,舒伯特只好将其收回,谁想这一收回,这首C大调“伟大”交响曲从此以后便不见踪影。直到舒伯特逝世十余年之后,一八三九年,著名作曲家舒曼在拜访舒伯特的兄长费迪南时,从其珍藏的的大量手稿中发现了这一伟大作品。在惊喜之余,他迅速将其送给远在德国莱比锡的门德尔松,门德尔松亲自指挥格万特豪斯(即布商大厦)交响乐团演奏了该曲的节录,而“乐团的每个成员都为此卓尔不凡的音乐作品感动不已!”演奏获得了巨大的成功。
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霍洛维兹《1930年-1951年的录音》
霍洛维兹《1930年-1951年的录音》
这套专辑是为纪念钢琴巨匠霍洛维兹逝世25周年而发行。特别收录了世界首度发行的1936年录制的肖邦第二号钢琴奏鸣曲第二乐章。 霍洛维兹1904年出生于乌克兰基辅,早年跟随母亲与塔尔诺夫斯基学习钢琴,在基辅音乐院师事传承自安东·鲁宾斯坦一系的布鲁门菲尔德。1925年以前,霍洛维兹都在苏联各地巡回,1926年首度赴国外(柏林)演出,1928年第一次在纽约与毕勤合作柴可夫斯基《第一钢琴协奏曲》前,他还只是个没没无名的小子。这天以后,霍洛维兹成了轰动乐坛的青年钢琴家。他在1939年定居美国,1942年成为美国公民。霍洛维兹无疑是二十世纪最杰出的钢琴家之一,他惊人的钢琴演奏技巧以及令人深深为之着迷的魅力与气质是其他钢琴家所无法相比的。 目前市面上有许多霍洛维兹的唱片,但是录音时间多半集中在他定居美国之后,以及上世纪八零年代霍洛维兹晚年的顶尖杰作。为了纪念霍洛维兹逝世二十五周年,发行了这一套三张,录制时间横跨1930年到1951年间,包括第一次发行,1936年录制的肖邦《第二钢琴奏鸣曲》第二乐章《送葬进行曲》。青年时期的霍洛维兹以精准、速度敏捷快速闻名。而他令人印象深刻的八度音与轻松自如弹奏和弦的技巧被当时的人认为根本不可能出现。从这套唱片的早年录音可以听出,狂热而且技巧精确的演出效果不只显示出这位年轻人已经站在艺术成熟的门坎上,他对自己的诠释手法也是信心十足。
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布鲁斯·亨格福德《传奇钢琴家》
布鲁斯·亨格福德《传奇钢琴家》
这套专辑收录了传奇钢琴家布鲁斯·亨格福德的代表性演奏录音,包括贝多芬的“悲怆”、“月光”、“暴风雨”、“黎明”等8部钢琴奏鸣曲、第四钢琴协奏曲、舒伯特的奏鸣曲和幻想曲以及勃拉姆斯、肖邦的几首作品。 早逝的澳大利亚钢琴家Bruce Hungerford演奏的8首贝多芬钢琴奏鸣曲,我原本是提不起兴趣的,因为我完全不了解他,而且我也不相信澳大利亚能出什么大师,因为那里实在缺乏深厚的土壤。然而哥们提醒我说,他是Ignaz Friedman的弟子,这让我一震,因为我是知道大神弗里德曼确实很早就移居澳洲了,记得我当时点开这套录音,《悲怆》与《月光》实在是被演奏太多的曲目,我感觉Bruce Hungerford的演奏非常的快速而且精确,是德奥风格的演出,但是总觉得缺少了一些感情,过于冷峻了。 然而这一印象在《暴风雨》中完全打破了,他的音色开始变暖,开始充满感情。《华尔斯坦》里,他的开头依然弹的飞快而且结构清晰,与古尔达的风格完全一致,从第二乐章开始,音色又再次转暖,充满感情。我逐渐明白,他是一位技巧无懈可击,强调对比,而且非常注重乐曲架构的钢琴家。于是我开始听他的最后三首钢琴奏鸣曲,我知道这是真正的试金石。 当时听罢,我已知道,这是可以与鲁道夫塞尔金,威廉肯普夫,弗里德里希古尔达一个级别的贝多芬演奏大师,而且他的情感不是耽溺出来的,而是倾泻出来的,用一种完美的技巧来表达的。在贝多芬晚期最完美的几个慢板里,他缓缓弹出了深沉的意味,这是总结性的演出,这是晚期贝多芬想说的话,他竟都懂了。
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鲍罗丁四重奏《施尼特凯室内乐作品》
鲍罗丁四重奏《施尼特凯室内乐作品》
这张专辑是鲍罗丁四重奏团演奏施尼特凯的三部室内乐作品。 施尼特凯《第三弦乐四重奏》作于1983年。此曲将来自拉索、贝多芬和肖斯塔科维奇的三个迥异的材料融汇成象征自己的核心主题,这三个材料尽管风格相异,却在音乐要素上有着很多相通之处,在施尼特凯的“有机拼贴”下已然融为一体,如果是“不顾原来的风格所蕴含的文化”,是不会有这种统一效果的。另外,这三个材料派生出了代表施尼特凯自身的主题,并作为全曲中心贯穿始终。此曲反映了施尼特凯对待音乐历史遗产的一种观念,即过去的音乐已然逝去,我们只能通过融合过去的音乐来发展新的风格。所以他没有像新古典主义者那样大量地以古老的风格语汇写作,而是以过去的风格为材料衍生出自己的东西。 马勒《a小调钢琴四重奏》(由施尼特凯整理改编),这原本是马勒少年时的习作,据说1876年他只完成了一个乐章,便把后面未完成的部分撂一边了。直到他去世后半个世纪,才被重新发现,施尼特凯整理改编了这部作品。这部作品虽然是马勒早期的未完成习作,聆听可以感觉得出马勒的“生命和死亡”主线条。阴晦、忧郁、沉重的旋律和音乐色彩营造了阴森压抑的气氛。偶尔闪烁出生命的希望,如同闪电一般。 施尼特凯《钢琴五重奏》作于1972-1976年。此曲是为纪念他的母亲而作,也是他唯一的钢琴五重奏。这部作品可以看成是施尼特凯创作风格突变的作品,这种从来都不做表面文章而影射的阴霾营造出了历史重现的压抑感,然而这种压抑的气氛几乎将他所有音乐作品风格模式统治了整整十五年之久。
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塞戈维亚《索尔、朱利安尼等的练习曲》
塞戈维亚《索尔、朱利安尼等的练习曲》
这张专辑是塞戈维亚演奏索尔、朱利安尼等几位作曲家的练习曲。 一直以来,费尔南多·索尔的吉他练习曲都是每个吉他手在学习过程中不可或缺的一部分。很多杰出的吉他演奏家都认为,自己的成就在很大程度上要归功于自己在索尔的练习曲上所下的苦功。 费尔南多·索尔(1778-1839)是“第一代”吉他演奏家中的领军人物,他们所用的吉他已经和现代吉他非常接近(只是小了一些)。索尔对吉他研究的深度是里程碑式的。他独立编写的练习曲无论从音乐主题方面还是技术方面来说,都已形成了令人叹为观止的体系,其中包含了左手指法、右手练习、音程及和弦体系、音阶、琶音、重复音、圆滑音、按弦手法、时值控制、旋律和伴奏的平衡、音调的对位,等等。若能对这些练习曲加以精心的学习,定能打下良好的吉他技术基础,而且有助于吉他手全面提升音乐上的理解能力和表达能力。 “现代古典吉他之父”塞戈维亚在其《索尔吉他练习曲20首》(Twenty Studies for the Guitar by Fernando Sor)的珍藏版中提到:“事实上,只有很少的大师能够编写出教育性和音乐性两全的练习曲,并以这样的方式来推动乐器水平的进步。” 索尔的练习曲就做到了技巧训练和音乐训练并重,并有着适合舞台演出的美感和内涵。哪怕是在最初级的练习曲上,索尔也很少满足于只是刻板地安排一些琶音或其他指法的重复练习。在他的入门级练习曲中,就传达了吉他学习者很少加以关注的一种严谨而典雅的音乐理念,如此高的音乐水准使得索尔的练习曲成为了创作音符、编写旋律、表达乐感等音乐基础课程的最佳素材。
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