这张专辑收录了悠扬宛若天籁的古典音乐。包括巴赫、马斯奈、福雷、萨蒂、德利布、圣-桑、普契尼、埃尔加、德流斯、法朗克、亨德尔、威廉姆斯、德彪西、舒伯特、莫扎特、贝多芬、德沃夏克、勃拉姆斯、拉赫玛尼诺夫等作曲家的27首著名慢板作品。专辑曲目由多位指挥大师与著名管弦乐团合作演绎，带来前所未有的感动。这些动人心弦的音乐将舒缓你紧张与焦虑的情绪，重新获得昂扬充沛的精神与活力。
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小喵陪你听古典
聆听美妙旋律、感受艺术真谛
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这张专辑是新世纪长笛大师尼古拉斯·冈恩1998年发行的，是他继成名作《大峡谷》之后的重磅新世纪专辑，跳出前作宏大壮阔的峡谷史诗感，转向内敛温柔、充满浪漫情愫的沙漠人文意境创作。封底官方文案精准概括专辑气质：长笛旋律如微风流云般飘荡，部落节奏似夏夜骤雨般浓烈；《Passion in My Heart》以迷人缱绻的声响包裹人心。这片辽阔神秘的土地藏着尼古拉斯心底的热忱，他的长笛捕捉远古呼吸，灵魂随永恒旋律起舞。
尼古拉斯·冈恩包揽了作曲、制作、长笛、吉他、键盘、邦戈鼓、雨棍、打击乐全核心乐器；他的妻子Cheryl Gunn负责演奏合成器、键盘、康加鼓，全程协奏编曲，是专辑和声层次的关键创作者。专辑在配器编曲上依然延续了吉他、长笛加电子合成器的组合，但却一改前作热情奔放、宽广大气的风格，音乐变得柔美而内敛。吉他的音色一如既往的晶莹剔透、长笛仍旧那样悠扬飘逸、极富现代感的电子乐更让整张专辑充满了神秘色彩。
专辑的音乐融合四大元素：1、印第安原住民世界音乐：部落打击乐、土著鼓组、雨棍（Rain Stick）、康加鼓，厚重原始律动；2、拉丁民谣色彩：西班牙吉他、拉丁节奏型，增添温暖炽热的情绪；3、古典长笛主旋律：他标志性的横笛演奏，旋律如云絮般轻盈漂浮；4、氛围合成器新世纪铺垫：柔和弦乐铺底，营造荒漠黄昏朦胧氛围感。
Real Music标志性的高保真录音，长笛泛音、打击乐低频、吉他弦音细节还原度极高，是当年音响发烧友热门试音碟，动态柔和不刺耳，兼具氛围感与乐器解析力。对比尼古拉斯其他峡谷、山林题材作品，这张专辑弱化自然风光的宏大史诗，强化人文浪漫情绪，适合放松、冥想、睡前聆听，受众覆盖纯新世纪音乐、世界音乐、轻音乐乐迷。
专辑发行后常年占据欧美新世纪音乐榜单，是尼古拉斯·冈恩职业生涯中期标志性作品；同名主打曲至今仍是他现场演出保留曲目，也是新世纪长笛音乐的经典代表作之一。很少有新世纪专辑能同时平衡“印第安原始部落节奏”、“拉丁浪漫吉他”、“古典长笛抒情”三大体系，这张专辑做到了风格统一不割裂，所有异域元素都服务于“荒漠炽热柔情”统一主题，没有杂乱堆砌感。
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这张专辑是小提琴家谢林与钢琴家鲁宾斯坦合作，演奏勃拉姆斯的三部小提琴奏鸣曲。波兰裔小提琴大师谢林，以温暖醇厚的音色、严谨的结构感和深刻的音乐理解力著称，与勃拉姆斯作品的浪漫气质高度契合。传奇钢琴家鲁宾斯坦，擅长演绎德奥与浪漫派作品，他的演奏温暖而富有弹性，与谢林的小提琴形成了完美的对话与平衡。这版录音被公认为勃拉姆斯小提琴奏鸣曲的经典演绎之一，两位大师的合作既尊重原作结构，又充满了细腻的情感表达，是古典乐迷的必藏版本。
勃拉姆斯为小提琴与钢琴而作的三首奏鸣曲是继贝多芬之后的小提琴奏鸣曲名作，也是勃拉姆斯室内乐创作的巅峰之作，其中尤以优雅浪漫的第一首和深邃内省的第三首评价更高。这些作品诞生于勃拉姆斯中年以后，创作技法娴熟，灵动美妙、柔美质朴，散发出温馨高雅的气息，始终广受喜爱。
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这张专辑是Naxos发行的一张精选辑，收录了28首早期音乐作品。
西方早期音乐主要指的是巴洛克时期以前出现在西方各国的音乐，在国内很多西方音乐史的著作中，都几乎是非常简单的一笔带过。而其非常重要的原因在于他们认为长达十个世纪之久的中世纪时期在欧洲历史上是“黑暗的一千年”，而造成这种“黑暗”的罪魁祸首则是当时的宗教——基督教。从客观的态度上来分析，基督教是一个音乐性极强的宗教，从产生到现在，其音乐活动与宗教生活比其他任何宗教都要密切，而正是这些源自于宗教的教会音乐对后世音乐的发展却有着重大的成就和意义。
西方早期音乐更多的表现在基督教音乐和之后产生的世俗音乐上，而基督教音乐几乎占据了整个中世纪时期。教会也将音乐作为了传播信仰的工具，也正是这种需要，音乐成为了宗教礼拜仪式中相当重要的部分，并且在此基础上得到了相当大的发展，这是宗教本身自己所始料未及的，因此宗教的教会对中世纪的音乐发展还是有着积极作用的，这也正是前面所提到的从客观的态度来看，既有消极的一面，也有积极的一面。
一方面，在中世纪时期，所有的音乐机构和音乐活动都是有教会垄断和控制，教会思想占据了主导思想，因此他们始终认为音乐必须为宗教服务，为增强教会宗教情感服务，旋律必须让位于歌词，而不是用音乐本身的美去打动教徒们的心。教会的统治者们十分强调音乐的功效性而排斥音乐的审美性，没有歌词的音乐不能传达和让人领悟到宗教教义和神的思想，因而，在教会的音乐中是排斥器乐音乐的。不仅如此，教会的统治者还强烈反对世俗音乐的形式和内容-以个人为中心的欣赏。由于这种态度，音乐遭到了阻碍，音乐的发展呈现出单一性，没有了应有的活力，也正是因此，中世纪整个事情音乐发展的速度非常缓慢。
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阿尔潘海姆《门德尔松·无词歌》
这张专辑是奥地利女钢琴家阿尔潘海姆演奏门德尔松《无词歌》的录音，在所有的演奏版本中，阿尔潘海姆的演绎被公认为最佳。她的演奏秀气而柔媚，搭配清晰饱满的录音，使得这张专辑成为了无词歌的经典之作。
伊尔斯·冯·阿尔潘海姆（Ilse von Alpenheim）是一位才华横溢的钢琴家，她的演奏以技术精湛、情感丰富和表现力强而著称。她出生于奥地利因斯布鲁克，并在九岁时首次登台演出，之后在萨尔茨堡的莫扎特音乐学院学习，师从Franz Ledwinka和Winfried Wolf。她不仅在欧洲范围内巡演，还远赴美国、日本、澳大利亚和新西兰等地进行演出，与多个著名交响乐团合作，包括底特律交响乐团、克利夫兰交响乐团和华盛顿国家交响乐团等。
从技术层面来看，阿尔潘海姆展现了极高的演奏技巧。在演奏门德尔松的《无词歌》时，她的演奏注重表达情感而非单纯的技术炫耀，这使得她的演绎更加贴近作品的情感核心。她的演奏充满大气感和流畅性，还特别注重音色的细腻处理和音乐的整体平衡。
无词歌是一种抒情性、歌唱性的小型器乐体裁，由门德尔松首创。它像浪漫歌曲一样配有简单的伴奏，经常以钢琴独奏形式演奏，在一定的节奏音型陪衬下奏出歌唱一般的旋律线条。无词歌的结构形式除少见的奏鸣曲式外，音乐形象都比较单一，通常采用二段体或三段体的歌曲形式。
门德尔松的钢琴作品不多，但他创作的《无词歌》系列可以说是浪漫时期钢琴作品的代表作，影响深远。门德尔松从1830-1835年间，共创作有四十八首无词歌，都是钢琴小品。浪漫主义时期是写作钢琴小品的最颠峰时期，舒伯特、舒曼、肖邦、李斯特等都写过很多钢琴小曲，门德尔松的无词歌也正是这一时期的产物。他的全部四十八首无词歌曾编为八集出版，每集都包括六首曲子。
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51期
20世纪伟大钢琴家《桑松·弗朗索瓦》
这张专辑收录了桑松·弗朗索瓦的演奏录音，包括肖邦、莫扎特、巴赫、德彪西、拉威尔的钢琴独奏作品。弗朗索瓦所演奏的肖邦的不同作品风格迥异。《即兴曲》的演奏是那样的生动和鲜明，飘逸而富有表现力，staccato（断奏）的运用随心所欲。在Op.36中，他改变了leggiero（轻巧的）的速度；他的《幻想即兴曲》Op.66令人耳目一新，结尾部分完全是marcato（着重的），甚至不用踏板。他自作主张地删去了《第二钢琴奏鸣曲》第一乐章的重复段，八年后当他第二次录制这部作品时依然如此。这两个版本听起来惊人地相似，不过这个早先的录音在音色上圆润和丰满，流畅而清晰，技巧的表现也更为出色。他对于四首圆舞曲的演奏各有千秋，虽然听上去略显的老旧感，但就某种程度而言这正是那个时代法国学派的演奏风格。弗朗索瓦运用他非凡的技艺使《叙事曲》听上去是如此的令人不可思议，Op.23和Op.38他通过浓烈情感色彩来体现agitato（激动）和presto con fuoco（热情的急板）。相反，在后两曲中他表现得却是那样的平静和安祥。
在演奏他最擅长的德彪西的作品时，弗朗索瓦几乎难寻对手。他的老师Marquerite Long是德彪西的挚友，同时也是一位福雷作品的倡导者和诸多作品的首演者，手把手地将其演出的心得教给他。当提及德彪西时，他说：“我想没有人会比他更能制造梦幻，他能捕捉到镜子中一切虚幻的东西。”在他《L'isle joyeuse》或《Clair de Lune》的录音中，你能感到他的这种理解。弗朗索瓦对于Pour le piano中的托卡塔的演奏可谓登峰造极，技巧上无懈可击，乐曲的表达自始至终令人迷醉不已。他演奏的福雷作品同样色彩缤纷、优美且不缺乏力度。
当然，作为大师，舒曼的托卡塔应该在他的曲目范围内。然而，在本世纪五十年代，很少有法国演奏家去尝试普罗科菲耶夫的作品。除了浪漫主义的作品，拉威尔和普罗科菲耶夫也是弗朗索瓦的最爱。他在美国首演了的普罗科菲耶夫《第五钢琴协奏曲》，也许他想借此与他最敬仰的霍洛维兹比肩，他录制了这位俄罗斯作曲家的《托卡塔》和《第七钢琴奏鸣曲》。
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29期
20世纪伟大指挥家《赫伯特·冯·卡拉扬》
这张专辑是奥地利著名指挥家赫伯特·冯·卡拉扬的录音精选辑。参与演奏的乐团：维也纳爱乐乐团、 罗马RAI(意大利广播公司)交响乐团、爱乐管弦乐团、柏林爱乐乐团。
赫伯特·冯·卡拉扬（Herbert von Karajan，1908年4月5日-1989年7月16日）奥地利著名指挥家、键盘乐器演奏家和导演。卡拉扬在音乐界享有盛誉，甚至在华人圈被尊称为“指挥皇帝”。卡拉扬力图将托斯卡尼尼的忠于原谱和富特文格勒的即兴发挥融为一体。他的指挥动作洒脱大方，时而充满激情、时而又细腻精致。在指挥台上他经常闭目深思，使得乐队各声部之间达到了演奏室内乐般的默契。在他的领导下，柏林爱乐乐团展现出了一种有如金属般的亮色，被誉为卡拉扬“音响”。
卡拉扬最擅长的是浪漫主义时期的德国、奥地利作曲家的作品，如：贝多芬、勃拉姆斯、门德尔松、舒曼、瓦格纳、布鲁克纳、马勒、理查·施特劳斯。另外，对于近现代作曲家，如：德彪西、拉威尔、西贝柳斯、尼尔森、肖斯塔科维奇，他都有着非常精彩的演绎。卡拉扬对意大利那种直率而又有生气的艺术特别感兴趣，特别是意大利歌剧中那种一往无阻的演唱风格，优美的旋律，使得卡拉扬终身不断地制作和录制威尔第和普契尼的歌剧名作。
卡拉扬是西贝柳斯音乐的积极推广者，他曾指挥过西贝柳斯除了第三号以外的6首交响曲和音诗。卡拉扬也很喜欢录制民族乐派中挪威作曲家格里格和两位捷克作曲家德沃夏克以及斯美塔纳的作品。在俄罗斯音乐里面，卡拉扬花了很多心思在柴科夫斯基的音乐上面，将这位作曲家的全部交响曲（《曼弗雷德交响曲》除外）、三大芭蕾舞组曲、《1812序曲》、《意大利随想曲》、《罗密欧与朱丽叶幻想序曲》还有《斯拉夫进行曲》都录制过一遍以上。强力集团里面穆索尔斯基和里姆斯基-科萨科夫的管弦乐作品也很得他的青睐。
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30期
穆特、卡拉扬《1978-1988录音集》
这套专辑是“小提琴女神”穆特与“指挥皇帝”卡拉扬合作，1978-1988年录制的合辑。1976年，卡拉扬听到德国女孩慕特的演奏后，被这位14岁小女孩成熟的演出大感惊奇，称为“自梅纽因以来最杰出的音乐天才”，并且在1978年带着她录下了莫扎特的《第三、五号小提琴协奏曲》。
1988年至今的二十多年间，穆特在全世界不同国家的演出和在不同的专辑中，都有演奏以上贝多芬、勃拉姆斯、柴科夫斯基、门德尔松与莫扎特的小提琴协奏曲，穆特也有了自己强烈的主见与表现，并深受爱乐者的肯定与喜爱。但无法改变的是，穆特与卡拉扬的录音中，穆特那甜美的音色、不疾不徐的大将之风以及美丽清新、细腻而又充满光泽的琴音表现，使得此套唱片至今畅销不已。作为见证指挥大师卡拉扬与神童穆特的美好岁月，这套专辑在音乐史又有着上无可取代的地位。
穆特演奏风格十分严谨，这多半是受到了卡拉扬对于音乐节奏的严格控制，虽然穆特时常会按照自己的想法来改变演奏的节奏，但和卡拉扬一样的是，穆特从不会篡改乐曲本身的意图。
作为一名指挥，卡拉扬对穆特没有太多的技术上的要求。穆特早年的演奏技术还很不完善，但卡拉扬对于这一点的“纵容”体现了卡拉扬高超的艺术哲学，他从来不过分注重技巧，他对技巧的要求仅限于能够把自己对音乐的理解想法准确的表达出来的水平。事实上也证明，穆特在对乐曲非凡的的表现力及在技巧上的快速进步，与卡拉扬对穆特在艺术上的“纵容”是极富远见的。
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27期
富特文格勒《悼念》
这套合辑是为悼念伟大的指挥家富特文格勒而发行的，收录了他在1936-1953年间演奏的现场录音和谈话录音。
CD1收录了富特文格勒指挥维也纳爱乐乐团演奏的两部贝多芬交响曲：1、1953年9月4日在慕尼黑录制的《第四交响曲》；2、1950年10月1日在哥本哈根录制的《第五交响曲》。
CD2收录了富特文格勒指挥的四部管弦乐作品：1、1953年9月4日在慕尼黑指挥维也纳爱乐乐团演奏《爱格蒙特》序曲；2、1947年11月9日在汉堡指挥汉堡国家爱乐乐团演奏《莱奥诺拉第二序曲》；3、1936年12月19日在拜罗伊特音乐节演奏《罗恩格林》；4、 1952年5月31日在罗马指挥意大利广播电视公司罗马管弦乐团演奏《女武神》第一幕。
CD3收录了富特文格勒指挥维也纳爱乐乐团演奏布鲁克纳《第四交响曲》，1951年10月29日在慕尼黑录制。
CD4收录了富特文格勒的谈话录音。
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48期
勒纳·莱博维茨《贝多芬·第六、八交响曲》
这张专辑是莱博维茨指挥皇家爱乐乐团，演奏贝多芬《第六、八交响曲》。由著名录音师韦尔金森（K.Wilkinson）1961年录制。专辑演奏、录音都极为出色，是古典音乐的天碟级作品。
《F大调第六交响曲》作品68，大约完成于1808年，又名“田园”交响曲。此曲是贝多芬少数的各乐章均有标题的作品之一，也是他九首交响乐作品中标题性最为明确的一部。此时的贝多芬双耳已经完全失聪，这部作品正表现了他在这种情况下对大自然的依恋之情，是一部体现回忆的作品。这部作品1808年在维也纳首演，由贝多芬亲自指挥，在首演节目单上，他写到：“乡村生活的回忆，写情多于写景”。整部作品细腻动人，朴实无华，宁静而安逸，与贝多芬的《c小调第五交响曲》同为世界上最受欢迎的交响曲之一。
《F大调第八交响曲》作品93，完成于1812年10月。此曲是贝多芬闻名于世的九部交响曲中最为短小的一部，有时受到忽视。但贝多芬自己对它十分喜爱，甚至称它比第七交响曲“强得多”。虽然写作时贝多芬生活并不顺利，但该作品依然有着轻松愉快的风格。其规模虽然短小，但精悍紧凑，充分体现了贝多芬的作曲技艺。与贝多芬的一些其它作品（如著名的《月光奏鸣曲》）类似，该交响曲的末乐章分量最重。值得注意的是，在第二乐章中，木管乐器演奏出固定的音型，被认为是模仿当时刚刚得到改进的节拍器的声音，并且在乐章最后还有一个玩笑般的“节拍器出故障”的乐段。除此之外，也有其它部分被认为是音乐玩笑。
119
9期
哈登伯格《四部著名小号协奏曲》
这张专辑是瑞典小号名家哈肯·哈登伯格(Hakan Hardenberger)与马里纳爵士率领的圣马丁室内乐团合作，演奏历史上最著名的四部小号协奏曲，包括胡梅尔、黑特尔、约翰·斯塔米茨、海顿的作品，其中对海顿协奏曲的演绎，获得企鹅三星带花最高评价。
小号在诸多铜管乐器中具有非凡的表现力，在巴洛克时期以及古典主义时期，有许多著名的作曲家以小号为主角谱写了不少优秀作品。由胡梅尔、海顿作曲的两首协奏曲，被公认为古典音乐历史上最伟大的两部小号与乐队作品。尤其是胡梅尔的《E大调协奏曲》，与大名鼎鼎的海顿《小号协奏曲》相比丝毫不显逊色，充满着古典主义时期特有的明朗、幽默以及优美气质。胡梅尔是与海顿、莫扎特同时期的奥地利作曲家，同时也是出色的钢琴演奏家、指挥家以及音乐教授。正是因为出于对海顿《小号协奏曲》的喜爱，从而在其影响下，胡梅尔于1803年12月8日在莱比锡完成了自己《降E大调小号协奏曲》。不过这首协奏曲后来被人们演奏时，都习惯于提高半个音，由此而变成了E大调。因为这样的话音色可以更明亮，演奏起来也更方便，容易产生好的演出效果。海顿是以当时改进的活塞型小号为基础，写下了自己传世的小号协奏曲。实际上胡梅尔也是这样，因此两部相继问世的作品在篇幅、风格等方面都有着许多相似的地方，被誉为古典小号作品中的一对姐妹花。不过胡梅尔的名声显然不如海顿那样显赫，所以他的这部协奏曲并没有取得应有的成功，作品沉寂了一百多年后直到1958年才由上世纪另一位优秀的小号独奏家Armando Ghitala进行了首演，并一举以作品本身出色的表现力获得了在古典音乐界应有的重要地位。
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12期
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