这套专辑是“小提琴女神”穆特与“指挥皇帝”卡拉扬合作，1978-1988年录制的合辑。1976年，卡拉扬听到德国女孩慕特的演奏后，被这位14岁小女孩成熟的演出大感惊奇，称为“自梅纽因以来最杰出的音乐天才”，并且在1978年带着她录下了莫扎特的《第三、五号小提琴协奏曲》。
1988年至今的二十多年间，穆特在全世界不同国家的演出和在不同的专辑中，都有演奏以上贝多芬、勃拉姆斯、柴科夫斯基、门德尔松与莫扎特的小提琴协奏曲，穆特也有了自己强烈的主见与表现，并深受爱乐者的肯定与喜爱。但无法改变的是，穆特与卡拉扬的录音中，穆特那甜美的音色、不疾不徐的大将之风以及美丽清新、细腻而又充满光泽的琴音表现，使得此套唱片至今畅销不已。作为见证指挥大师卡拉扬与神童穆特的美好岁月，这套专辑在音乐史又有着上无可取代的地位。
穆特演奏风格十分严谨，这多半是受到了卡拉扬对于音乐节奏的严格控制，虽然穆特时常会按照自己的想法来改变演奏的节奏，但和卡拉扬一样的是，穆特从不会篡改乐曲本身的意图。
作为一名指挥，卡拉扬对穆特没有太多的技术上的要求。穆特早年的演奏技术还很不完善，但卡拉扬对于这一点的“纵容”体现了卡拉扬高超的艺术哲学，他从来不过分注重技巧，他对技巧的要求仅限于能够把自己对音乐的理解想法准确的表达出来的水平。事实上也证明，穆特在对乐曲非凡的的表现力及在技巧上的快速进步，与卡拉扬对穆特在艺术上的“纵容”是极富远见的。
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小喵陪你听古典
聆听美妙旋律、感受艺术真谛
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这张专辑是Naxos发行的一张精选辑，收录了28首早期音乐作品。
西方早期音乐主要指的是巴洛克时期以前出现在西方各国的音乐，在国内很多西方音乐史的著作中，都几乎是非常简单的一笔带过。而其非常重要的原因在于他们认为长达十个世纪之久的中世纪时期在欧洲历史上是“黑暗的一千年”，而造成这种“黑暗”的罪魁祸首则是当时的宗教——基督教。从客观的态度上来分析，基督教是一个音乐性极强的宗教，从产生到现在，其音乐活动与宗教生活比其他任何宗教都要密切，而正是这些源自于宗教的教会音乐对后世音乐的发展却有着重大的成就和意义。
西方早期音乐更多的表现在基督教音乐和之后产生的世俗音乐上，而基督教音乐几乎占据了整个中世纪时期。教会也将音乐作为了传播信仰的工具，也正是这种需要，音乐成为了宗教礼拜仪式中相当重要的部分，并且在此基础上得到了相当大的发展，这是宗教本身自己所始料未及的，因此宗教的教会对中世纪的音乐发展还是有着积极作用的，这也正是前面所提到的从客观的态度来看，既有消极的一面，也有积极的一面。
一方面，在中世纪时期，所有的音乐机构和音乐活动都是有教会垄断和控制，教会思想占据了主导思想，因此他们始终认为音乐必须为宗教服务，为增强教会宗教情感服务，旋律必须让位于歌词，而不是用音乐本身的美去打动教徒们的心。教会的统治者们十分强调音乐的功效性而排斥音乐的审美性，没有歌词的音乐不能传达和让人领悟到宗教教义和神的思想，因而，在教会的音乐中是排斥器乐音乐的。不仅如此，教会的统治者还强烈反对世俗音乐的形式和内容-以个人为中心的欣赏。由于这种态度，音乐遭到了阻碍，音乐的发展呈现出单一性，没有了应有的活力，也正是因此，中世纪整个事情音乐发展的速度非常缓慢。
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这张专辑是小提琴大师梅纽因与意大利指挥家埃雷德率领的皇家爱乐乐团合作，演奏帕格尼尼《第一、二小提琴协奏曲》。梅纽因演绎的帕格尼尼《小提琴协奏曲》在技巧上是登峰造极的，音粒饱满、节奏稳定适中、左手拨弦铿锵响亮，自然泛音和人工泛音平滑精准，一些难度很大的双音段落依然可以使用连顿弓来完成，八度跳音几乎没有过多的滑指连接，繁复高难而精湛纯熟得无可挑剔，情感转换细腻大方、音乐表现一气呵成、淋漓尽致。这个录音是梅纽因热情似火的技艺展现和雄浑辽阔的音乐处理，更重要的是意大利人骨子里透出的浪漫与热烈情感，引领乐迷进入帕格尼尼的音乐世界。
梅纽因这版录音属于“抒情人文派”，速度从容克制，不刻意飙速；重视旋律线条与情感叙事，慢板乐章处理尤为动人；技巧扎实但不炫耀，把帕格尼尼从“魔鬼炫技大师”还原为浪漫抒情作曲家。短板客观存在，部分超高难度快速段落清晰度不如当代专精帕格尼尼的演奏家，但音乐内涵、歌唱性是其无可替代的优势。埃雷德的伴奏非常克制、通透，乐团音量不抢独奏风头，弦乐声部柔和铺垫，让梅纽因的抒情音色充分凸显；皇家爱乐的木管、铜管点缀细腻，解决了很多帕格尼尼录音乐队粗糙嘈杂的通病。
梅纽因的琴音甜度高、泛音丰富，相比后世纯技术流演奏，录音音色更柔和、浪漫化，不追求极致锋利的爆发力。1960年代EMI金斯威大厅立体声录音标杆，声场宽阔、空间残响自然；乐队层次清晰，小提琴独奏不刺耳，中频温暖顺滑，无老式单声道的单薄感。ADD制式保留原始模拟温润底色，弱化黑胶底噪，动态范围完整保留，独奏与管弦平衡极佳，不会出现小提琴盖过乐队的问题。
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这张是唯一一张完全以“Buena Vista Social Club”集体名义发行的标准录音室专辑，获得1998年第40届格莱美“最佳传统热带拉丁”专辑，是世界音乐罕见拿下主流格莱美重磅奖项。登顶美国Billboard世界专辑榜、拉丁专辑榜，在拉丁榜单停留107周；在欧美各国专辑榜长期高位，打破世界音乐小众壁垒。2022年被美国国会图书馆列入《国家录音登记处》永久保存，认定为具有全球文化、历史美学价值的录音作品。《滚石》杂志列入“史上最伟大500张专辑”；各大媒体评为1990年代最佳唱片之一。
专辑发行前，古巴Son、Bolero仅在本地小众流传，年轻一代追捧欧美流行乐；这张专辑让中老年乐手一夜全球爆红，晚年开启世界巡演，古巴传统音乐重新被本国年轻人重视。第一次让小众拉丁传统音乐打入欧美主流唱片市场，带动全球“复古世界音乐”热潮，后续大量古巴、非洲、南美传统音乐人获得国际发行机会。成为古巴国家文化名片，海外游客去哈瓦那必寻访专辑相关街巷、老店；封面老哈瓦那街道、复古老轿车成为古巴复古美学标志性视觉。
英国制作人Nick Gold原本策划一场马里非洲吉他手+古巴乐手的跨国融合录音，邀请Ry Cooder前往哈瓦那制作；但马里音乐人签证受阻无法抵达古巴，项目濒临取消。Ry Cooder与古巴音乐向导Juan de Marcos临时决定，寻访哈瓦那被遗忘的中老年老牌乐手。这些人是1940-1950年代古巴“Son、Bolero、Danzón”黄金年代的大师，因时代变迁早已淡出乐坛，不少人转行做木匠、理发师、鞋匠。“Buena Vista Social Club”取自哈瓦那1940年代一间著名黑人音乐社交俱乐部，当年正是这些老艺人常年演出的场所，俱乐部早已停业，专辑以此命名致敬古巴逝去的音乐黄金岁月。
大家都在听
美艺三重奏《海顿钢琴三重奏全集》
这套9CD合辑是美艺三重奏演奏的海顿全部《钢琴三重奏》作品。当这套专辑最终完成时，获得了几乎全世界的赞誉，包括留声机1979年的“年度最佳唱片奖”。美艺三重奏的演奏自始至终都是出类拔萃的、充满活力的、精致的，对丰富多样的音乐有着敏锐的反应。九张唱片中的六张超过一个小时，包含了丰富而辉煌的音乐，大部分的演奏都是非常恰当的，录音也温暖和精致，这是一套可以一辈子聆听的曲目。
这是第一个和唯一的海顿钢琴三重奏全集，被《留声机》编辑认为是有史以来100个最伟大的录音之一。获得“企鹅三星带花”、“留声机唱片大奖”等殊荣。
《企鹅激光唱片指南》：我们通常不可能称赞一套唱片是“经典”的，但这套唱片可以用这些词语来描述，因为美艺三重奏的演奏，当之无愧享有音乐界最高的荣誉……这是一套海顿爱好者都不能错过的音乐，如果你一人流落荒岛，有这套音乐陪伴足矣。
海顿的钢琴三重奏值得更多的关注。正如音乐爱好者所知，这些作品与他的交响乐和弦乐四重奏一样令人满意，而且数量众多。然而，它们并不是我们现在所理解的真正的三位一体。从本质上讲，海顿将小提琴奏鸣曲的小提琴和钢琴部分加入了大提琴部分，增强了当代钢琴的低音。这并没有以任何方式抑制音乐的质量，但它阻止了现代钢琴三重奏的发展，因为大提琴家通常想做一些更令人兴奋的事情。所有人都称赞美艺三重奏，因为他们理解，音乐品质比器乐演奏更重要。
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121期
马舒尔《勃拉姆斯·第二、三交响曲》
这张专辑是马舒尔指挥莱比锡格万特豪斯管弦乐团，演奏勃拉姆斯《第二、三交响曲》。
《D大调第二交响曲》作品73，1877年夏天。此曲不再以表现悲剧性和英雄性为主，而是着力谱写一首纯朴感人的浪漫主义田园诗，有点像“日落时分的荷兰”风景画，或者说保持着古风的维也纳的诗意画页，整个作品沐浴在宁静、柔美、明朗的光辉之中，是一种欢乐的生活感受。
《F大调第三交响曲》作品90，作于1883年。此曲是在勃拉姆斯知天命之时诞生的，他那时“倚着威斯巴登的夏季，窗外可看到莱茵河与周围荡漾着黑森林的清新”。擅用木管，素描自己的矜持和细腻。第三交响曲，与第一和第四一样，总充满着“反省的怀疑”。纠缠的潜涌最终都自行寻取到光明的暖流。定音鼓轻轻在旁，潜涌捂住被暗礁划破的伤处若无其事向前奔去；高山在顶上。当尾声落入沉稳平和时，已是心灵澄澈，夕色透明。
勃拉姆斯的这部交响曲以意志坚强、富有毅力、梦想孤独、寂寞追求等形象描写，充分展现了勃拉姆斯自己，并且他的创作特点也随之展露出来：粗犷旋津；强有力节奏；柔和的乐队色彩；管乐器在较低音区与弦乐混用等等。这部作品还有另一称谓，舒曼的妻子克拉拉称之为“森林的牧歌”。
33
8期
鲁宾斯坦《拉赫玛尼诺夫·第二钢琴协奏曲》
这张专辑是鲁宾斯坦与莱纳指挥的芝加哥交响乐团合作，演奏拉赫玛尼诺夫《第二钢琴协奏曲》、《帕格尼尼主题狂想曲》，附带他独奏的一首《前奏曲》。其中《帕格尼尼主题狂想曲》在TAS的榜单上。（刘汉盛：）鲁宾斯坦的琴音一颗颗非常真实，具有木质的美好感觉。莱纳在此处也变得浪漫起来，深度感及空间感非常的好。
拉赫玛尼诺夫《第二钢琴协奏曲》，鲁宾斯坦与莱纳合作的这个1959年录音版本，感觉不如他1971年与奥曼迪合作的版本。开场就极为仓促，乐队的强势介入略显突兀，导致钢琴拼命想把主导权夺回来，琴声似乎还缺少一些活力。第二乐章的处理明显好于第一乐章，擅长肖邦的鲁宾斯坦，是不缺乏感情的。但第三乐章似乎又换了一种表情，给人的感觉很奇怪，仿佛不是同一人演奏的。
《帕格尼尼主题狂想曲》作品43，由钢琴独奏配以管弦乐团伴奏，类似钢琴协奏曲。音乐取材于帕格尼尼的第24首小提琴随想曲，在一个音乐主题上展开24个变奏，铺衍成一部气势辉煌的大型作品。这24个变奏前后分成三组，很像是不间断连续演奏的协奏曲的三个乐章，而且独奏钢琴与乐队展开炫技性的竞奏，又很符合协奏曲。但是从音乐狂热的激情和艰深的技巧看，还是应该按照作曲家自己的标题理解为狂想曲。
138
30期
富特文格勒《悼念》
这套合辑是为悼念伟大的指挥家富特文格勒而发行的，收录了他在1936-1953年间演奏的现场录音和谈话录音。
CD1收录了富特文格勒指挥维也纳爱乐乐团演奏的两部贝多芬交响曲：1、1953年9月4日在慕尼黑录制的《第四交响曲》；2、1950年10月1日在哥本哈根录制的《第五交响曲》。
CD2收录了富特文格勒指挥的四部管弦乐作品：1、1953年9月4日在慕尼黑指挥维也纳爱乐乐团演奏《爱格蒙特》序曲；2、1947年11月9日在汉堡指挥汉堡国家爱乐乐团演奏《莱奥诺拉第二序曲》；3、1936年12月19日在拜罗伊特音乐节演奏《罗恩格林》；4、 1952年5月31日在罗马指挥意大利广播电视公司罗马管弦乐团演奏《女武神》第一幕。
CD3收录了富特文格勒指挥维也纳爱乐乐团演奏布鲁克纳《第四交响曲》，1951年10月29日在慕尼黑录制。
CD4收录了富特文格勒的谈话录音。
58
48期
哈丝姬尔《莫扎特第13、20钢琴协奏曲》
这张专辑是钢琴大师克拉拉·哈丝姬尔演奏莫扎特《第13、20钢琴协奏曲》、《F大调钢琴奏鸣曲K.280》、《C大调变奏曲K.265》。
《d小调第二十钢琴协奏曲》K.466是莫扎特最具浪漫气质和悲剧气氛的作品，在这个1977年录音中，哈丝姬尔与指挥家弗里乔依率领的柏林RIAS交响乐团合作演奏, 表现出来的是一种清澄明澈的基调，如历尽苦厄的顿悟、雨后初晴的明媚。
《C大调第13钢琴协奏曲》K.415是1961年哈丝姬尔与指挥家鲍姆加特率领的瑞士琉森节日弦乐团合作的演奏，格调高贵端庄，有一种远离尘嚣的脱俗、晴雪满江的清奇。而同样在1961年录音的《F大调钢琴奏鸣曲K.280》、《C大调变奏曲K.265》则是工整中不失灵气。
40
10期
阿格丽奇、克莱默《柏林演奏会》
这张专辑是钢琴家阿格丽奇与小提琴家克莱默，2006年12月11日柏林演奏会的现场录音。这张激动人心的专辑见证了传奇钢琴家阿格丽奇与她那一代最具独创性和吸引力的小提琴家克雷默的合作。两位音乐家都是传奇的独奏家，他们都对室内乐有着深厚的奉献精神，并致力于推荐有才华的年轻艺术家。阿格丽奇每年都会举办卢加诺室内乐音乐节，克莱默则有波罗的海室内乐团，致力于培养来自波罗的海三国的优秀年轻音乐家。
这场独奏会上半场以舒曼精致的小提琴和钢琴奏鸣曲开始，然后克雷默以巴托克难度极高的《无伴奏小提琴奏鸣曲》成为焦点。阿格丽奇以舒曼心爱的《童年情景》开始了下半场，然后克莱默再次出场，以巴托克的杰作《第一小提琴奏鸣曲》结束音乐会。加演的曲目是克莱斯勒的两首小品，使这场非凡的独奏会更加圆满。
130
26期
莫扎特·经典的长笛作品
这张专辑收录莫扎特的长笛作品，包括：《第一、二号长笛协奏曲》、4首《长笛四重奏》、《长笛和竖琴协奏曲》、《为长笛和乐队而做到C大调行板》。奥雷尔·尼科莱演奏的《长笛协奏曲》和《长笛与乐队行版》很正规，贯穿全曲的独奏由大家风范。巴尔瓦塞和埃利斯的《长笛和竖琴协奏曲》流光溢彩，科林·戴维斯爵士的伴奏活跃而妥帖，如果他们还3个人还算不上最佳排档的话，那么威廉·贝内特和格鲁米欧三重奏组肯定是，他们好比装在一只核桃壳里小面人儿，精巧、紧凑、协作无间；录音也十分出色。在《交响协奏曲》中，单簧管和双簧管以及长笛和双簧管轮番交替出现。这段音乐与其说是莫扎特藏片集中之精品，还不如说是一次颇为引人入胜的探索性试验。录音的再处理平稳流畅，音质优良。
119
23期
布拉格四重奏团《德沃夏克弦乐四重奏》
这套9CD合辑收录了布拉格弦乐四重奏团演奏的德沃夏克《弦乐四重奏》作品。该团的演奏非常精彩，流淌的弦乐音流，音色优美，音场丰富饱满。《企鹅唱片指南》评价三星。室内乐在德沃夏克的作品中占有重要地位，但演录的频率大大低于他的交响曲、其他管弦乐曲甚至钢琴曲等。德沃夏克那充满灵感音符的大脑中不乏动人的旋律，而在室内乐作品中似乎更注重几种弦乐音色搭配与细腻的情绪交流。
布拉格弦乐四重奏团是当今乐坛最重要的室内乐组之一，在弦乐四重奏组合人才辈出的捷克，布拉格四重奏团是一支不容忽视的室内乐团，该团创建于1972年，成员来自布拉格音乐学院学生。自成立后，该团传承了捷克独特的四重奏传统，秉持着老派组合的和谐、完美、优雅，以精湛的音乐技艺为业界的瞩目。
德沃夏克（1841-1904）是捷克著名的作曲家，也是世界音乐发展史上不可或缺的大师，其幼年时期就表现出了惊人的作曲天赋。从其弦乐四重奏的创作历程来看，可以分为三个阶段，按照不同的地点进行划分，分为：捷克国内的探索阶段、德国的发展阶段和美国的成熟阶段。在捷克，年仅二十岁的德沃夏克在乐队中担任中提琴手，创作了一首弦乐五重奏作品，这也是其弦乐创造的开始，《A大调弦乐四重奏》、《降B大调第二弦乐四重奏》、《D大调第三弦乐四重奏》等作品的创作，让他在乐坛奠定了坚不可摧的地位，也掌握了弦乐四重奏的创作规律，为之后弦乐四重奏创作打下了基础；在德国定居以后，德沃夏克扩宽了视野，创作水平进一步提升，《E大调第八弦乐四重奏》、《d小调第九弦乐四重奏》等作品和之前的作品相比，形式和内容更加成熟；在美国担任纽约国家音乐学院院长期间，创作了《G大调第十三弦乐四重奏》等作品，尤其是其《F大调第十二弦乐四重奏》作品中融入了美国黑人和印第安人音乐元素，得到了广泛的认可。在德沃夏克的一生中，弦乐四重奏创作从来没有停止过，作品数量多、质量高，达到了同时期音乐家难以企及的高度。
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71期
闪亮的古典小品（第一辑）
这两张专辑《闪亮的古典小品》， 其中收录的都是大家耳熟能详的作品，录音的手法相当细腻，同时对于各种乐器的音色和音质，拿捏的十分准确，低频潜的很深。尤其是弦乐群的层次感和空间感，如同身临现场，可谓是十分考究的。这是因为他们都是由世界最著名的录音师威尔金森和他的录音小组录制的。
举世无双的威尔金森之音：
1、所有的威尔金森录音都展现出一个极为宽阔的舞台。威尔金森录音时习惯把法国号摆到左后方，小号、伸缩号放在右后方，某些录音你甚至会觉得舞台太宽了，甚而超出聆听室的范围；
2、深度感十分惊人。在国家音乐厅是绝对不可能听到这么又深又雄伟的场面，有时我会认为这是不是真的﹖很多录音拥有宽阔的音场，不过是平面的，而威尔金森却兼得两者之长；
3、有极佳的定位感与实体感。老一辈的发烧友闲话录音时常说Robert Fine 的细节（Detail），Lewis Layton的堂音（Ambience），威尔金森的实体感（Body）；
4、有非常大的空间感。不尽是整个录音地点的空间感与堂音非常清楚，就是乐器间的空气流动也一样历历在目；
5、有富丽堂皇的音色。弦乐听来都很有弹性，而且色彩瑰丽，铜管威力十足却仍保有适当的肉感，与EMI 的清丽、RCA 的浑厚刚好是几种不同的对比； 6、有惊人的动态比和最佳的平衡度。
上世纪90年代初，发烧友开始对数码时代的录音产生疑问，于是一些发烧唱片公司将模拟时代的优秀录音重新制作转录成CD，以满足大家对模拟时代的怀念。这两张《闪亮的古典小品》就是推荐专辑之一，据称可以让人听出黑胶唱片的感觉。
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15期
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