这张专辑是钢琴家霍洛维兹的演奏精选辑，选自1962-1973年间的录音。曲目包括：舒伯特《即兴曲》、肖邦《圆舞曲》《前奏曲》《马祖卡》、斯卡拉蒂《奏鸣曲》、拉赫玛尼诺夫《前奏曲》《音乐瞬间》、贝多芬《月光奏鸣曲》第一乐章、李斯特《安慰曲》、德彪西《前奏曲》、斯克里亚宾《纪念册的一页》《练习曲》、舒曼《童年情景》等。
霍洛维兹的音乐演奏极其富有鲜明的个性，他的音乐是如此的独特，以至于只要聆听过其演奏的人，以后就可以轻易地将他的音乐与其他众多的钢琴演奏家区分开来。霍洛维兹是浪漫派钢琴演奏的最后一个巨人。很多人都会将“浪漫”同“柔美”等同。然而在霍洛维兹面前，他们才会发觉这个理解上的错误是多么的想当然。他的演奏会让你豁然明了，原来浪漫的本质是“激情”。霍洛维兹的激情与他的音乐浑然天成。这和很多钢琴演奏者用形体的夸张动作表现出的激动有着天壤之别。尤其是在大师的晚年，演奏时的动作幅度已经很小。你千万不要以为这是老人的迟缓，这时的霍洛维茨已经步入举重若轻，举轻如重的化境中去了。
霍洛维兹的琴音是灵动剔透的，但是同时，他有着使他获得“雷神”称号的左手。霍洛维兹一生自始至终都在强调左手的重要性。他不仅不认为左手是演奏中的附属，甚至称呼左手是钢琴演奏中的指挥。音色上，他左手在低音部的独特击键让他演奏的音乐丰满而又极富冲击力，具有很强的音响性。
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小喵陪你听古典
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这张专辑收录了肖斯塔科维奇的两部杰作：1、大卫·奥伊斯特拉赫与米特罗普洛斯指挥的纽约爱乐乐团合作，演奏《第一小提琴协奏曲》；2、罗斯特洛波维奇与奥曼迪指挥的爱乐管弦乐团合作，演奏《第一大提琴协奏曲》。
1947年至1948年间，肖斯塔科维奇创作了《第一小提琴协奏曲》，但作品能够公演还是在斯大林离世后的事。1955年，奥伊斯特拉赫演奏了这部作品并获得成功，他展现出的精湛技艺给了肖斯塔科维奇深刻的触动。
1959年，肖斯塔科维奇创作了《第一大提琴协奏曲》并题献给罗斯特洛波维奇，罗斯特洛波维奇充满感染力的演绎，使这部作品成为大提琴经典曲目。肖斯塔科维奇这样评论罗斯特洛波维奇：“聆听他的演奏，总能从中感受到对于音乐的巨大满足。从他高超的技术中可以感受到他传递出的所演奏作品的音乐主旨。”
当我们聆听奥伊斯特拉赫演奏的《第一小提琴协奏曲》和罗斯特洛波维奇演奏的《第一大提琴协奏曲》，可以感到在思绪方面，后一作品似乎是前一作品的延续，都表现对新的思维及音乐语汇的追求。而两位演奏家对于这些追求，都予以权威的诠释，奠定了后人理解这些作品的基调。
罗斯特洛波维奇曾说过：“我的整个演奏生涯都和苏联作曲家的音乐联系在一起。”
53
这套合辑收录了钢琴家李赫特在布拉格的现场录音。这套合辑的名气非常大，听钢琴的，几乎没有人不知道这套唱片。合辑里的CD1-CD4都是贝多芬奏鸣曲，布拉格公司曾经专门就这四张出过一个套装。这套15CD合辑所包含的录音年份跨度非常大，演奏的作品也包罗万象（这一向都是李赫特套装的特点），我们从中可以听到李赫特在不同时期为不同作品所作的精彩诠释。
纵观这套合辑，其中最出色、最精彩的演奏，当属拉威尔《高贵伤感的圆舞曲》与《镜子》，拉威尔的作品往往充满了法国式独特的高贵与浪漫气息，这些作品在李赫特的演绎下，每一个音符都恰到好处的表现了出来。听着李赫特细腻优美的琴音，我们仿佛置身于一个浪漫而又神秘的世界，葡萄酒与鲜花的醉人芳香交织在一起，让人如痴如醉。除了这两首作品，李赫特在美国卡耐基音乐厅还有《帕凡舞曲》的精彩录音，同样让人神魂颠倒。
除了拉威尔的作品，合辑中的李斯特《超技练习曲》也是摄魂的演奏，特别是第11首《夜之和谐》 ，那若隐若现的轻音，那恰到好处的音色与节奏控制以及强烈的对比，就算全曲结束，仍然是余音绕梁、三日不绝，让人流连忘返。另外肖邦的四首《叙事曲》，李赫特塑造的优美与遐想的意境，伤感的琴声与强烈的对比，让人印像深刻，久久不能忘怀。
第一张到第四张全部都是贝多芬奏鸣曲，其中《第12奏鸣曲》是最精彩的，《第29奏鸣曲》李赫特的演奏虽然无可挑剔，但钢琴的质量严重影响了他的发挥，钢琴在拖后退，完全是靠李赫特完美的技术在支撑整个演奏。这个曲日推荐同年李赫特在伦敦的现场录音。第五张是李赫特与指挥家Bakala合作的贝多芬《第l、3钢琴协奏曲》，这两部协奏曲李赫特有多个录音，合辑中的这版非常精彩，完全不亚于著名的DG米凯兰杰利与朱里尼的现场录音，李赫特的琴音控制得非常有特色，好像在使用一台贝多芬年代的钢琴在演奏，节奏处理上则恰如其分地展现了贝多芬早期协奏曲的特点。
莫扎特作品也是这套合辑的一大特色，李赫特在布拉格演奏的莫扎特奏鸣曲与幻想曲完全可以比肩任何一位莫扎特专家的演绎。
22
这张专辑是指挥大师查尔斯·明希率领波士顿交响乐团演绎舒伯特第八、九交响曲。
《b小调第八交响曲“未完成”》，奥地利作曲家舒伯特作于1822年，作者时年25岁，但直到43年后乐谱才被发现，并于1865年首次公演。本交响曲唯有第一、第二两乐章拥有完整的曲谱，第三乐章只有九小节改编为管弦乐曲，其它部分仍停留在钢琴曲谱的形态，第四乐章则连草稿都没有。但第一、第二两个乐章无论在形式上或感情处理上，都能搭配得天衣无缝，整个内容至此已表达得十分完整，再加任何诙谐曲乐章或终乐章，均有画蛇添足的感觉。所以，此曲在形式上虽然未完成，但实际上是完整无缺的，并因此而显得结构新颖，这恐怕是作者始料不及的。
此曲不仅是舒伯特交响曲中最杰出的作品，也是浪漫音乐的一部绝世佳作。它抒发了作者内心世界的矛盾冲突，忧伤情绪充满了整个乐曲。透明清纯、优美丰富的旋律，不加装饰和声和音色，这种作曲手法非常新鲜，这是此曲成为世界上最受欢迎的交响曲之一的重要原因。本曲未完成而终，这为它增添了许多穿凿附会的谣言传说，甚至有人将它杜撰成故事，拍成电影。如此一来，此曲更是家喻户晓。
《C大调第九交响曲“伟大”》，一八二八年三月，舒伯特完成了这部历时三年多时间创作的作品，按照他原先的计划，他将把这部作品寄给维也纳音乐之友协会，但协会在排练这部作品的时候发现此曲难度过高，无法演奏！不得已，舒伯特只好将其收回，谁想这一收回，这首C大调“伟大”交响曲从此以后便不见踪影。直到舒伯特逝世十余年之后，一八三九年，著名作曲家舒曼在拜访舒伯特的兄长费迪南时，从其珍藏的的大量手稿中发现了这一伟大作品。在惊喜之余，他迅速将其送给远在德国莱比锡的门德尔松，门德尔松亲自指挥格万特豪斯（即布商大厦）交响乐团演奏了该曲的节录，而“乐团的每个成员都为此卓尔不凡的音乐作品感动不已！”演奏获得了巨大的成功。
大家都在听
五亿琴王
在这张著名的试音天碟中，使用了十五把史上最珍贵的“斯特拉迪瓦里”及“瓜奈利·德·杰苏”名琴，分别演奏十五首经典小品名曲。包括：勃拉姆斯《第五及第二匈牙利舞曲》、克莱斯勒《爱之忧伤》、《吉卜赛人》、巴赫《无伴奏组曲》等等，琴音高贵，旋律迷人。原一手母带，录音师再经过反复试听得出来最佳试听版本后，再以当今最好的数字科技进行重刻及制版，把这一张专辑的音乐性及音响性提升到极限，可说是弦乐录音的终级之作。
斯特拉迪瓦里和瓜奈利·德·杰苏，两个与小提琴历史及艺术息息相关的名字，它们在这个世界上已经屈指可数，它们每一天都在提升自己的价值，它们永不可能再现，它们是真正的“奇迹制造者”。因为有了1985年成立于芝加哥的“斯特拉迪瓦里名琴协会”，因为有杰夫里·富什和玛丽·嘉尔文这样热心艺术、关爱年轻艺术家成长的慈善家们，一把接一把价值连城的名琴从蒙尘的民间、私人保险柜和博物馆的玻璃罩内陆续集中到一个组织，该组织把它们出借给才华横溢的演奏家，使它们重新获得生命，将它们华丽骄人的声音传递给广大的音乐爱好者。
这张专辑并不是为普通乐迷录制的，它的对象是图书馆、小提琴家、收藏家、学者等等。由于这个制作实在太吸引，任何音响发烧友或音乐爱好者都会为之而心动，希望有机会见识一下。演奏这些曲目的是小提琴家奥利维拉，担任钢琴伴奏的是柏杰德，这两位都是活跃在当今乐坛的演奏家。
负责这个专辑录音的是音响界鼎鼎有名的Eric Wen。但是唱片出来的效果并不是发烧友追求的那种要求堂音和空间感等发烧元素的做法，而是一种追求准确真实的录音手法，使每一把琴都反映出自身的声音特色，听起来给人一种非常实在的感觉。
11
15期
富特文格勒《指挥演奏精选辑》
这张专辑收录了富特文格勒指挥柏林爱乐乐团的演奏录音。曲目包括：莫扎特《弦乐小夜曲》、斯美塔那《伏尔塔瓦河》、莫扎特《第40交响曲》、李斯特《前奏曲》、海顿《惊愕交响曲》、贝多芬《第九交响曲》等著名作品。
威廉·富特文格勒（Wilhelm Furtwangler，1886年1月25日-1954年11月30日）20世纪最伟大的指挥家之一，以其独特的指挥风格和对音乐的深刻理解而闻名。他的指挥艺术不仅影响了同时代的音乐家，也对后世的指挥实践产生了深远的影响。
富特文格勒的指挥以主观即兴性著称，他不拘泥于乐谱上的记号和要求，而是凭借自己的艺术想象来诠释作品。他常常在指挥中加入个人的即兴元素，使音乐更具表现力和情感深度。这种风格与托斯卡尼尼的客观、理性风格形成鲜明对比。富特文格勒的指挥充满激情和创造力，能够激发乐团的潜能，使演奏更加生动。
富特文格勒的指挥强调对音乐内在精神的把握，他认为音乐不仅仅是音符的堆砌，而是作曲家情感和思想的表达。因此，他在指挥时注重作品的整体结构和情感流动，力求在演奏中传达出作品的深层含义。他在指挥贝多芬《第九交响曲》时，不仅关注音乐的结构，还通过指挥动作和节奏的变化，传达出作品的戏剧性和情感张力。
富特文格勒是德国浪漫主义指挥学派的代表人物之一。他的指挥风格深受瓦格纳、彪罗和尼基什的影响，具有浓厚的浪漫主义色彩。他善于运用夸张的肢体语言和情感表达，使音乐充满戏剧性和感染力。他的指挥风格强调音乐的主观性和情感表达，而非单纯的客观再现。富特文格勒的指挥风格不仅体现在音乐的诠释上，还体现在他对乐团的凝聚力和领导力上。他能够通过自己的指挥风格和人格魅力，激发乐团成员的演奏热情，使他们与自己产生共鸣。他的指挥充满磁性，能够吸引听众的注意力，使他们完全沉浸在音乐中。这种能力使他成为20世纪最伟大的指挥家之一。
富特文格勒对不同时期和风格的音乐作品都有深刻的理解。他不仅擅长指挥德奥体系的作曲家，如贝多芬、勃拉姆斯、布鲁克纳和瓦格纳，还对莫扎特、门德尔松等人的作品有独到的见解。他的指挥风格能够准确地把握作品的风格和结构，使演奏既忠实于原作，又富有个人特色。
77
15期
凡格洛夫《拉罗、圣-桑、拉威尔》
这张专辑是小提琴家凡格洛夫与帕帕诺指挥的爱乐管弦乐团，演奏拉罗《西班牙交响曲》、圣-桑《第三小提琴协奏曲》、拉威尔《茨冈》。
拉罗《d小调西班牙交响曲》作品21，作于1873年。这部作品特别引人注意的是它罕见的标题。实质上，此曲是一部小提琴协奏曲。在拉罗的作品中，经常可看到类似这样“名不副实”的现象。或许是由于曲中所出现的奇特节奏、旋律，以及这些所描绘出来的浓厚的西班牙风格，所以作者才有意加上这个标题的。这部乐曲不但在外表上有华丽的效果和迷人的情调，而且在内容上也颇具深度，不愧为拉罗的代表作。伟大的音乐家柴科夫斯基听了这部乐曲之后，曾评价道：“这是极为愉快、新鲜而又明朗的乐曲……他的期望并不在于深刻”。
圣-桑《b小调第三号小提琴协奏曲》作品61，作于1880年，是题献给萨拉沙萨蒂的。此曲以优美的旋律及近似古典协奏曲的牢固乐曲结构，成为他器乐曲的代表作之一。圣-桑自己对这部作品的介绍是“两山夹一湖”，第一、三乐章是激/情的高山，第二乐章是平静的湖泊。第二乐章非常优美，如歌的旋律宁静祥和。很多人喜欢把这个乐章称为“船歌”。
拉威尔《茨冈》，作于1924年。拉威尔第三期的创作，发挥了印象派的风格，一心想表现自己本来的个性，略有倾向于古典派之势。此曲始终保持了简洁的样式，明白地呈现给人们拉威尔第三期作品的样相。以匈牙利民俗音乐为素材的这首曲子，是献给匈牙利出身的小提琴大师约阿西姆·约瑟夫的孙女伊利亚·达兰妮。此曲于一九二四年四月在伦敦的拉威尔音乐节初演。它吸取了匈牙利的民俗舞曲的风格，由慢拍的拉散及快板的富力斯卡的两部分构成。曲中有许多小提琴高难度技巧的演奏，成为一首很热闹的独奏曲，在结构及演奏技巧的变化上造成了非常优异的效果。这首曲子由含有忧愁的花奏风格的“徐缓拉散”乐段，及次第激烈快速的富力斯卡乐段的两部分构成。
30
9期
克莱伯《1949-1955录音集》
这套5CD合辑收录了指挥家埃里希·克莱伯与皇家音乐厅管弦乐团、维也纳爱乐乐团、科隆广播交响乐团、伦敦爱乐乐团合作，1949-1955年间的演奏录音。曲目包括贝多芬《第三、五、六、七、九交响曲》、韦伯《第一交响曲》、莫扎特《第39、40交响曲》、舒伯特《第九交响曲“伟大”》。
埃里希·克莱伯（Erich Kleiber，1890年8月5日-1956年1月27日）奥地利指挥家。有优异的节奏感，组织力强，是抒情风格的代表性指挥家，被认为是莫扎特、理查·斯特劳斯和贝尔格歌剧作品的杰出诠释者，他领导的柏林德国歌剧院在30年代达到了极高的世界声誉。同时，他指挥贝多芬、舒伯特等人的管弦乐也有极高的声誉，被称为“精巧细致的管弦乐指挥专家”。他指挥英国室内乐团演奏的蒙特威尔第与巴洛克作品，可堪称权威，而对巴洛克时期协奏曲的诠释尤其到位。埃里希·克莱伯之子卡洛斯·克莱伯也是20世纪一位卓有成就的指挥大师。
埃里希·克莱伯是20世纪为数不多可称得上伟大指挥家的人之一。他曾经说过一句话：音乐是给予每一个人的，就象太阳与空气一样。埃里希·克莱伯对于录音有着复杂的情感。一方面他认为演出者与听众之间存在着一种奇妙的关系。对他而言，录音只是一种贫乏的替代品：它让演出与独特的情绪僵化冻结，使得每一次聆听的感觉都一样，然而从来没有两个音乐演奏会是完全一样的。而另外一方面，他又颇有远见，他了解录音保存了音乐的演出，而且充满了娱乐性。
埃里希·克莱伯在演出前总是不厌其烦地钻研乐谱，演奏时严格遵循原谱指示，避免投入过多个人主观感情。他总能掌握住作品的整体性，以理性的态度寻求结构与情感要素的平衡，排斥错误的传统演奏方式。
在二战期间，埃里希·克莱伯曾经录制了许多78转的唱片，然而真正为他建立永久名声的录音却是他在战后为Decca唱片公司所录制的作品，也就是收录在这套合辑的录音。尽管这些录音还无法展现埃里希·克莱伯真正的音乐活力，却也让我们见证了他音乐生涯中所指挥作品的核心价值。
69
50期
普莱斯、莱纳《西班牙》
这张专辑是指挥大师莱纳率领芝加哥交响乐团演绎法雅的作品。
如果说欧洲各国光彩夺目的西班牙作品让人感到炫目着迷，那么很多西班牙本国的音乐家肯定会觉得自己的文化遭到曲解。二十世纪之初的西班牙是一个多么落魄的国家：曾经称霸全球的殖民帝国，其海军舰队居然被年轻的美国在两天之内粉碎性摧毁；动荡的政局和贫穷落后的乡间，导致很多希望出人头地的艺术家和音乐家找不到自己的平台。法雅在成名之前不得不靠创作Zarzuela轻歌剧维持生计，其作品首演的时候管弦乐团居然只有一把小提琴，连单簧管都找不到，低音大提琴还是从隔壁酒馆里借回来的。要不是在法国巴黎结识了德彪西的话，他“永远都会湮灭在马德里酒吧里平庸的轻歌剧和钢琴私人家教课里，写出来的一堆Zarzuela轻歌剧只能塞在尘封的抽屉里”。不过，这位早年潦倒的作曲家后来取得的艺术成就远高于那些贩卖西班牙特色的音乐家。跟同时代的毕加索一样，法雅的艺术体现了当时西班牙这个国家的强烈矛盾：既处于欧洲最西端，却继承了厚重的东方文化；既是曾经最强盛发达的帝国，却沦为封闭荒蛮的偏远角落；既有虔诚内向的灵魂，内心深处却充满野性的澎湃。法雅文静内敛，是一个虔诚的天主教徒，但内心总要表达一种像斗牛士般野性的呐喊。
无论是《三角帽》还是《爱情魔发师》，法雅都避免过分滥情的浪漫主义风格，而是用一种类似于德彪西管弦乐素描的“轻描淡写”。他跟毕加索一起把西班牙的文化艺术推入欧洲现代主义的洪流，他的作品没有对过去的怀恋，也没有对未来的憧憬，而是客观地反映现在，用最原始粗狂的元素传达自己的声音。
莱纳的《西班牙》专辑是从西班牙本国作曲家的视觉审视西班牙自身。莱纳棒下的法雅作品黑沉、神秘、诡异，充满原始荒诞的色彩；担纲独唱的黑人女高音普莱斯不再是拥有金钻般声线的崇高戏剧女高音，而是略带嘶哑的神秘女人。此作品本来由钢琴独奏演绎，难度很大，但管弦乐版本比较难得稀有。如果说阿根塔的《西班牙》是一幅靓丽的风情画，那么莱纳的《西班牙》则是一幅具有张力的写实素描。
22
22期
村治佳织《充满感情的》
这张专辑是吉他演奏家村治佳织1993年发行的，是她的首张个人演奏录音。曲目包括帕格尼尼、索尔、朱利安尼、莱格那尼、默茨的作品和改编曲。
村治佳织（Kaori Muraji）日本古典吉他演奏家。1978年生于东京，3岁开始学吉他，10岁起师从福田进一。在日本，村治佳织的名字家喻户晓，她是新生代古典吉他演奏家中的领军人物，被誉为“吉他公主”，每年至少要在国内举办30 场音乐会。凭借偶像明星级的甜美容貌，村治佳织让远不如其他古典乐器普及的古典吉他受到了更广泛的关注。
村治佳织的手指非常纤细，对于演奏吉他而言，是先天的“不足”，但她的基本功相当扎实，赢在“持久力”。对于相当于用手指取代弓弦的吉他，手指一丁点的踉跄就会造成严重的错音，即便是经验丰富、贵为大师的罗梅罗兄弟都很难避免出错。村治的演奏风格正如稳定出色的轮指一般，几乎没有技术破绽，如其所言：“将音乐创作进行下去，对我来说是一件极为高兴的事情，与一个音符从容相对，直到把它完全领悟为止，这项工作也是很费时间的，但正因为它费时间，所以才有这么做的价值。而且，我会很好地、不断地使我的作品趋于完美。”
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15期
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