小儿子(阿甯咕)：听我说

这张专辑是美籍古巴钢琴家博列特演奏李斯特的11首著名钢琴作品。具有“钢琴魔术师”之称的李斯特，留下了很多足以体现出其精湛技巧的作品。从这超过100个乐曲之中，既选择了技巧性的《Etudesd'execution transcendante》两曲、也选择了对拉威尔等具有影响的《Les Jeux D'Eaux A La Villa D'Este》、还有瑰丽编曲的《Erkonig》和《La Campanella》、以及抒情小品《Un Sospiro》和《Liebestaume》No.3等。钢琴演奏由被称为浪漫乐派钢琴演奏家的最后代表、李斯特的最后传人之称的博列特演奏，他的演奏是抒情与狂想的很好结合，对于李斯特的作品演绎得恰到好处。

「结」以宜兰地区的传统艺术「本地歌仔」为出发点，结合台语与国语、时间与空间的变化以及种种文化议题，用时下年轻人的音乐语汇与当地传统乐器的融合，表达对台湾这片土地的丰富情感与跨越时代背景的爱与关怀。

阿南刻乐队 ANANKE是一支电子/流行音乐风格的独立乐队。由王若卉（主唱/作曲/作词/编曲/键盘）和Eric Lattanzio（制作人/作曲/编曲/贝斯/键盘）共同建立。2015年，在东京御茶水的一间乐器店里买下了一台Fender Rhodes，出于对音色的着迷成立乐队创作音乐的想法逐渐形成。"阿南刻"是古希腊神话中掌握时间和定数的神，是命运、时间和必然性的代表。 我们相信音乐的所有灵感都是自然而然的，不需要强迫，也不受限制。 这并不意味着被动地等待，但灵感永远会自然地在正确的（或意想不到的）时刻出现，是命中注定必会到来的。 Protogenoi是ANANKE阿南刻乐队的首张LP，主要使用模拟合成器及各类电子乐器，形成流行、迷幻电子为主的音乐风格，混合空灵的人声和独特的曲风，令他们的音乐充满感性且深度自我探索的气质，邀请听者加入一场心灵深处的旅行。

这张专辑是笛箫演奏家侯长青、琵琶演奏家曹杨，以深情的迷人演绎，融合前所未有的音乐理念、巧妙的音乐构思，打造的全新国乐经典。录音师李小沛以同期录音、录音室多声轨音乐录音的方式进行混录，再次突破了我们对聆听的认知。这对音乐伉俪在《马足龙沙》中不仅献上精彩演奏，同时也参与了作品的创作。专辑启用两名制作人，创造出无比丰富的音乐内容。音乐制作人丁豆豆的编曲大气磅礴，犹如电影大片般精彩；善于在音乐中运用传统音乐的音乐制作人尤景仰，为唱片亲自创作两首原创作品，动听无比同时又有出奇的心意。 这张专辑内容非常丰富，有古典、有地域特色，还有中国国粹京戏、昆曲，以及新编的和原创的曲目，丁豆豆和尤景仰作为这张专辑主要的编曲和作曲家，对这张专辑注入了非常多的心血。尤景仰为专辑原创了两首曲目，这是非常不容易的一件事情，因为琵琶和笛子这两件乐器在一起搭配如果没有很深的功底的话，是写不出来两个人的默契，但尤景仰从他自己的视角来诠释笛子和琵琶，重新诠释笛子和琵琶这两件乐器的搭配，这就是他非常独特的一面，给人意想不到的惊喜，让整张专辑的气质提升。主题作品《马足龙沙》加入各种乐器，声音太壮观了。形象非常壮大，感觉一下来到大漠，有海市蜃楼的画面，震撼人心。

这张专辑是钢琴家拉罗查演奏格拉纳多斯《西班牙舞曲》。 《西班牙舞曲》作于1892—1900年。其中第2、第5、第11、第12首以安布罗西亚民间舞曲为素材，其它八首以西班牙北部民间舞曲为素材。 1、快板，G大调，粗犷的三拍子节奏主题，有音阶式的经过句，中间部为G小调，指示为如歌似的行板。 2、东方，行板，c小调，女性柔和的主题，有东方式女妖的魅力，中间部分为慢板，小夜曲风格。此曲的东方风格，指对阿拉伯回教徒文化的追忆。 3、用力地，D大调，先是八度音的主题，随后是卡农风格及十度音的连续。中间部转为降b小调，速度转慢。 4、牧歌风格，G大调，指示为清淡如牧歌，其前奏犹如钟声，中间部为行板，g小调。 5、安布罗西亚风格，e小调，这是12首中最著名的一首。开始的前奏完全是吉它风格，接着旋律主题出现，中间部为行板，E大调。 6、速度逐渐加快的小快板，D大调，这是阿拉贡地方的约达舞曲，在热闹中有一丝哀愁，中间部为田园风格旋律。 7、瓦伦西亚，抒情的快板，以吉它形式的节奏为主，尾声为行板的咏叹调旋律。 8、中板，C大调，中间部为小夜曲，最后是快速的尾声乐句。 9、极快，降B大调，开始的和弦为节奏型，随后出现复旋律的第二主题，两个主题交替，一直保持原调。 10、小快板，G大调，从大调转向小调再回到大调，以复音手法处理。 11、任意的最慢板，g小调，即兴曲形式。导入部为最慢板，然后进入活泼的行板，中间部为和声型的旋律，有佛朗哥舞曲风格。 12、行板，a小调，导入部主题呈示后，有短暂的转调，中间部为行板，让人想起昔日科多巴宫中阿尔罕布拉故事中摩尔人哀愁的歌声，也为佛朗哥舞曲风格。

这套合辑是莱因斯多夫指挥皇家爱乐乐团，演奏莫扎特的41部交响曲。在这套莱因斯多夫演绎的作品中，音乐的神韵与声音的魅力是紧密相连的，而对节奏完美的无条件关注永远不会以牺牲自由的听觉为代价。在这方面，莱因斯多夫划时代的莫扎特交响曲录音仍然是新鲜的和永恒的，即使对今天的听众也是如此。 莱因斯多夫在指挥莫扎特时最关心的是清晰，换句话说，他费尽心思通过声音这一媒介把乐谱的内容传达给听众的理解。在表面上“毫无疑问”的早期交响乐中的主要路线，特别是在交响乐的开场乐章中。第29交响曲K201(186a)，从不主张独断的摇摆，而是在琴弦的纹理中占据首位，从而确保半透明的声音画面，反过来允许听众获得启发的见解，进入作曲家的形式结构、和声发展。与此同时，莱因斯多夫揭示了一个良好发展的乐句音乐特征的感觉。以《第一交响曲》的快板为例。第27交响曲K199(161b)，正如第一个主题是清晰而明确的，第二个主题是温柔、活泼甚至轻快的。每个短乐句都有自己的内在生命。 重复的乐段总是被省略，也许反映了当时的惯例，或许也因为LP唱片的时间限制，莱因斯多夫通常会缩减莫扎特的交响曲的时长，从《F大调第一部交响曲》中可以清楚地看到。《第18交响曲》K130，在早期的作品中，长笛具有色彩的功能，用它们自己的旋律线来填充背景而不是干扰音乐的行进。这种色彩缤纷的声音写在Andantino grazioso中有一种独特的美，在拨奏低音和柔和的小提琴背景下展开。与此同时，当莱因斯多夫想要制造出一种富丽堂皇的、近乎歌剧般的声音时，他也毫不犹豫，就像在《巴黎》第一号交响曲中那样。《第31交响曲》K297(300)，演奏使用了长笛、双簧管、单簧管、巴松管、小号和定音鼓，莫扎特自豪地指出，这是他第一次使用单簧管的交响曲。在莱因斯多夫的诠释中，作曲家的自豪感几乎是显而易见的，这种诠释的特点是对作品音调的纯粹喜悦。

这张专辑是小提琴家文薇的演奏录音。她的技术非常好，演奏这些作品游刃有余，音乐感觉也很到位。

传说中人鱼总会出没在黑夜的礁石，薄雾中唱着动听的歌， 迷惑路过的行船，直到船上的人们下来，便现出原型，把他们吃掉。 爱情也是这样，人鱼与人，人鱼想欺骗，人想掠夺，人心被撕碎， 人鱼也动了感情，两败俱伤。轻蔑的人鱼为自己造了牢笼， 将自己永远困在原地，不顾一切的人类前赴后继，为假像所不断牺牲。 人鱼再等着下一个人的到来。但重蹈覆辙时，他又真的能取代之前的那个人吗。

这套专辑收录了传奇钢琴家布鲁斯·亨格福德的代表性演奏录音，包括贝多芬的“悲怆”、“月光”、“暴风雨”、“黎明”等8部钢琴奏鸣曲、第四钢琴协奏曲、舒伯特的奏鸣曲和幻想曲以及勃拉姆斯、肖邦的几首作品。 早逝的澳大利亚钢琴家Bruce Hungerford演奏的8首贝多芬钢琴奏鸣曲，我原本是提不起兴趣的，因为我完全不了解他，而且我也不相信澳大利亚能出什么大师，因为那里实在缺乏深厚的土壤。然而哥们提醒我说，他是Ignaz Friedman的弟子，这让我一震，因为我是知道大神弗里德曼确实很早就移居澳洲了，记得我当时点开这套录音，《悲怆》与《月光》实在是被演奏太多的曲目，我感觉Bruce Hungerford的演奏非常的快速而且精确，是德奥风格的演出，但是总觉得缺少了一些感情，过于冷峻了。 然而这一印象在《暴风雨》中完全打破了，他的音色开始变暖，开始充满感情。《华尔斯坦》里，他的开头依然弹的飞快而且结构清晰，与古尔达的风格完全一致，从第二乐章开始，音色又再次转暖，充满感情。我逐渐明白，他是一位技巧无懈可击，强调对比，而且非常注重乐曲架构的钢琴家。于是我开始听他的最后三首钢琴奏鸣曲，我知道这是真正的试金石。 当时听罢，我已知道，这是可以与鲁道夫塞尔金，威廉肯普夫，弗里德里希古尔达一个级别的贝多芬演奏大师，而且他的情感不是耽溺出来的，而是倾泻出来的，用一种完美的技巧来表达的。在贝多芬晚期最完美的几个慢板里，他缓缓弹出了深沉的意味，这是总结性的演出，这是晚期贝多芬想说的话，他竟都懂了。

音乐是宣泄也是慰藉，是鸡汤也是鸡血，是回忆也是感悟。在每个孤单安静的夜晚，在舒塔尔尼亚的小世界里，陪你听听歌，聊聊触动心底的小故事……新浪微博@舒塔尔尼亚 每期节目都有歌单哦~