R08. Bach Choral O Mensch, Bewein' Dein' Sünde Gro

这套5CD合辑收录了指挥家埃里希·克莱伯与皇家音乐厅管弦乐团、维也纳爱乐乐团、科隆广播交响乐团、伦敦爱乐乐团合作，1949-1955年间的演奏录音。曲目包括贝多芬《第三、五、六、七、九交响曲》、韦伯《第一交响曲》、莫扎特《第39、40交响曲》、舒伯特《第九交响曲“伟大”》。 埃里希·克莱伯（Erich Kleiber，1890年8月5日-1956年1月27日）奥地利指挥家。有优异的节奏感，组织力强，是抒情风格的代表性指挥家，被认为是莫扎特、理查·斯特劳斯和贝尔格歌剧作品的杰出诠释者，他领导的柏林德国歌剧院在30年代达到了极高的世界声誉。同时，他指挥贝多芬、舒伯特等人的管弦乐也有极高的声誉，被称为“精巧细致的管弦乐指挥专家”。他指挥英国室内乐团演奏的蒙特威尔第与巴洛克作品，可堪称权威，而对巴洛克时期协奏曲的诠释尤其到位。埃里希·克莱伯之子卡洛斯·克莱伯也是20世纪一位卓有成就的指挥大师。 埃里希·克莱伯是20世纪为数不多可称得上伟大指挥家的人之一。他曾经说过一句话：音乐是给予每一个人的，就象太阳与空气一样。埃里希·克莱伯对于录音有着复杂的情感。一方面他认为演出者与听众之间存在着一种奇妙的关系。对他而言，录音只是一种贫乏的替代品：它让演出与独特的情绪僵化冻结，使得每一次聆听的感觉都一样，然而从来没有两个音乐演奏会是完全一样的。而另外一方面，他又颇有远见，他了解录音保存了音乐的演出，而且充满了娱乐性。 埃里希·克莱伯在演出前总是不厌其烦地钻研乐谱，演奏时严格遵循原谱指示，避免投入过多个人主观感情。他总能掌握住作品的整体性，以理性的态度寻求结构与情感要素的平衡，排斥错误的传统演奏方式。 在二战期间，埃里希·克莱伯曾经录制了许多78转的唱片，然而真正为他建立永久名声的录音却是他在战后为Decca唱片公司所录制的作品，也就是收录在这套合辑的录音。尽管这些录音还无法展现埃里希·克莱伯真正的音乐活力，却也让我们见证了他音乐生涯中所指挥作品的核心价值。

这张专辑是德国指挥家威尔海姆·富特文格勒的录音精选辑。参与演奏的乐团：维也纳爱乐乐团、柏林爱乐乐团及合唱团。 威尔海姆·富特文格勒（Wilhelm Furtwangler，1886年1月25日-1954年11月30日）德国指挥家、作曲家。在指挥上，富特文格勒受到浪漫的彪罗和精确的尼基什的影响很大，从而揉成自己内在的、抒情的指挥特点。 作为上世纪其中一位最伟大的指挥大师，富特文格勒的影响是极为深远的。以他作代表的德国酒神指挥风格，极富浪漫主义色彩的风格，与托斯卡尼尼那客观理性、忠于原意的阿波罗式风格大大影响了后世的指挥；他演奏往往并不僵死于音符和标记本身，而是在深入的考察作品本身之后，将音符背后的音乐真意呈现出来。所以这样的演绎在顾及及原作的风格及结构上却有著更加鲜活的生命和内在统一的平衡。虽然富特文格勒的指挥技术与今日的精确风格相去甚远，甚至被人描绘成为不停的颤抖，比如每次在重拍拍子上都是把几个动作连在一起，结果是一连串难以辨认的抖动，但他本身却有著一种难以说明的、磁石般的魔力及超人的音乐说服力，能凝聚、刺激乐团演奏出超过其本身水平的演奏。种种，均构成了他卓尔不凡、后人难以企及、模彷的独特风格。 正如许多老一辈大师一样，富特文格勒不太喜爱录音，认为录音不能确切表达音乐，但他留下的有声资料却恐怕是老一辈大师中最多的一位：仅贝多芬、勃拉姆斯的交响乐录音便能分别轻易凑成两套全集；还有其他留下的录音有:瓦格纳的《特里斯坦与伊索尔德》、《尼伯龙根的指环》，贝多芬的《费德里奥》，与小提琴家梅纽因合作的贝多芬、勃拉姆斯、门德尔松的小提琴协奏曲等。富特文格勒1951年在拜罗伊特节日剧院录制的贝多芬《第9交响曲》，演出时长74分钟，CD的长度正是由此而定的。另外，富特文格勒的贝多芬《第五交响曲》录音也被称为前无古人后无来者，可以说是贝多芬《第五交响曲》最好的版本之一。贝多芬《第九交响曲》也被誉为经典中的经典。

这套17CD合辑收录了乔治·普莱特指挥的交响作品录音，包括格什温、圣-桑、柴科夫斯基、鲍罗丁、肖斯塔科维奇、德沃夏克、柏辽兹、拉威尔等著名作曲家的交响作品。 乔治·普莱特（Georges Pretre，1924年8月14日-2017年1月4日）法国指挥家。1924年出生于法国北部一座小镇，在巴黎音乐学院完成了音乐训练，在杜埃和巴黎接受音乐教育，起初主学小号，后转向指挥，拜克路易坦为师，先在马赛与里昂等地任助理指挥，在马赛歌剧院首次登台。1946年在巴黎喜歌剧院正式登台。29岁时他便来到金色大厅毛遂自荐指挥维也纳爱乐乐团的联票音乐会。巧的是，当时的大指挥汉斯·克纳佩茨布什身体抱恙无法演出，于是送上门来的普莱特尔临危救场，一天内在维也纳完成了两场精彩绝伦的首演。多亏了他热烈的性格，交响乐听众享受了一场暴烈的贝多芬第五交响曲，歌剧爱好者则享受了一场激情洋溢的《浮士德》。 普莱特于1959年指挥普朗克的歌剧《人类之声》后成为闻名的现代音乐作品指挥家，担任过许多现代作品的首演，对歌剧也深有研究，成为法国代表性歌剧指挥。这位60年代斯卡拉歌剧院的音乐指导曾经是全球最知名的指挥家之一，他最富盛名的阶段是与玛利亚·卡拉斯的长期合作，这使得他们两人的名字在唱片和海报上成了经典组合。 1966年他成为巴黎歌剧院的音乐总监，1989年在巴士底指挥了巴士底歌剧院的开幕演出。他频频现身于世界歌剧院的旗舰——纽约大都会歌剧院和米兰斯卡拉剧院。除了指挥歌剧，他还是法国作品专家，特别擅长普朗克作品。他定期指挥欧美的一流乐队，带领他们在世界各地巡演。近年来他担任过斯图加特广播交响乐团、德累斯顿国立管弦乐团、维也纳爱乐乐团、柏林爱乐乐团的客座指挥，并同法国和意大利的多支室内乐队合作。

这套5CD合辑收录了指挥家斯托科夫斯基1965-1972年间的录音，包括柴科夫斯基、法朗克、埃尔加、柏辽兹、拉威尔、斯特拉文斯基、德彪西、梅西安的作品，其中有一张CD全部是斯托科夫斯基最有特色的改编曲集。 斯托科夫斯基的确是二十世纪的伟大指挥家之一，在对于古典音乐的普及，对于十九世纪及二十世纪的作曲家的推广方面做出了极大的贡献。在美国首演马勒的“千人”使斯托科夫斯基第一次为世界瞩目，而后，与拉赫玛尼诺夫所合作的《第三交响曲》、《第四钢琴协奏曲》以及《帕格尼尼狂想曲》的世界首演更是将斯托科夫斯基及他所打磨的费城交响乐团推向了世界顶级交响乐团的行列。厚重低沉、极富质感的弦乐声色，正是斯托科夫斯基用了四分之一个世纪所缔造的“费城之声”。 在演出生涯的早期，斯托科夫斯基便极其注重声响的效果。担任费城交响乐团的指挥期间，为了更好的演出效果，斯托科夫斯基选择了把小提琴手排列在舞台的右边，这种方式至今仍被许多交响乐团所采用。不同于早期的众多指挥家，斯托科夫斯基热衷于钻研，改造录音技术，也算技术狂人一枚了。 斯托科夫斯基的现场演出极具魅力，事实上，说他是指挥家中的第一位大众明星也不过分。在费城交响乐团期间，斯托科夫斯基的音乐会宣传单上甚至不用写演出曲目，只要写上”斯托科夫斯基“这个名字就足够了。在斯托科夫斯基的晚年，录音技术终于让他梦寐成真。而在欧洲期间的演出，斯托科夫斯基沿用了当年打磨费城交响乐团的方式，无论是怎样的乐团，经过斯托科夫斯基之手，总能呈现出他所一贯追求的富丽堂皇的辽阔声响，难怪有人说，斯托科夫斯基是有魔力的。

这张专辑是卡拉扬指挥柏林爱乐乐团，演奏舒曼的四部交响曲。卡拉扬的指挥充满着精致而细腻的手法，他的指挥动作洒脱、大方、气势磅礴，并以准确、客观的诠释著称。 《降B大调第一交响曲“春天”》作品38，作于1840-1841年间。此曲被称为“春之交响曲”，据说这是得自贝托嘉的《春之诗》的感触，而最初各乐章也分别冠有“初春”、“黄昏”、“欢乐的游伴”、“暮春”等标题。 《C大调第二交响曲》作品61，从1845年岁末开始起稿，但由于他的忧郁症和欠佳的身体状况，使得这部作品于1846年10月方完成。此曲表现了苦恼与斗争的人生及命运。舒曼提笔写作此曲时，正被深重的神经系统疾病缠身而极度痛苦，他的这种悲痛情绪，在这部规模最庞大的作品中充分显露出来。虽然有些评论家赞誉此曲是舒曼的最高杰作，而且器乐法也强有力地表现出浪漫主义的特征，但从音乐内容与主题的运用上看，则有“优劣参半”之嫌，因此在音乐会上较少听到此曲的演奏。 《降E大调第三交响曲“莱茵”》作品97，完成于1850年，是舒曼旅居莱茵河畔的杜塞尔多夫时所作，所以得名《莱茵》。这部作品是舒曼智慧的结晶，也是他思想的总结。这是一部描述性很强的作品，歌颂生活、歌颂莱茵河畔的美景：屹立于河岸的宏伟的科隆大教堂，神话般的罗列莱城堡…… 《d小调第四交响曲》作品120，完成于1841年，在妻子克拉拉·舒曼22生日的时候他将这部作品当做生日礼物献给了她，这部作品很大程度上来自于克拉拉的影响，而且在首演时这部作品得到的回应并不好，于是舒曼把这部作品收了回去，再在差不多10年后的1850年至1852年两年间重现修改了配器，并对作品结构进行了修改，比如对于一些分句的延长与缩短，这主要体现在首末乐章之中，他将首末乐章中音符的长度一分为二，从而将每一小节的长度延长为原来的两倍，这样使得演出时乐曲的节奏加快了不少。用作者自己的话说：“比修订前音响更好，更有效果”。

这套合辑收录了阿巴多指挥柏林爱乐乐团，演奏莫扎特作品的录音。包括进行曲、小夜曲、嬉游曲、交响曲、交响协奏曲、c小调弥撒等。克劳迪奥·阿巴多（Claudio Abbado，1933-2014）当代著名的意大利指挥家，位列“20世纪十大指挥家”之列。1989年，阿巴多接替卡拉扬出任柏林爱乐乐团首席指挥。在卡拉扬之后接手柏林爱乐乐团是一件出力不讨好的差事——至少在“明星效应”上，这是一个无可企及的高度，继任者稍有闪失，就将身败名裂。然而，阿巴多沉稳内敛的性格成就了他。他内涵深厚、思虑深潜，当许多人都借助媒体的力量行销包装、名利双收的时候，阿巴多却逆向而行，赢得了世人对他的专业的尊重。 阿巴多接过了指挥棒，但卡拉扬时代的阴影仍然笼罩在他的头顶。卡拉扬是柏林爱乐乐团的统治者，他君临天下，唯我独尊，他与乐团的交流方式是单向度的，乐手对于他的一切，只能照单全收。而阿巴多并不这样。他似乎深谙这个时代的潮流，他似乎明白沟通才是最好的管理，于是阿巴多行事圆融，同乐团之间的相处非常和睦，在乐团的12年里，柏林爱乐这个世界顶级乐团可谓政通人和。阿巴多认为：“指挥应该理解并尊重个性与自己有别的演奏家或歌唱家，尤其是参与歌剧演出时，这一点更加重要，因为每个人对于一部作品，都会有自己的理解，而理解每个人不同的想法，并和他们进行沟通，就是指挥应尽的责任。” 阿巴多的指挥，集众家之所长，集名师之大成，以此揉成自己的指挥特点。他的指挥，具有鲜明的意大利风格，热情、明快、如歌、流利、敏锐，双手极富有魅力，眼睛里有音乐。在这套录音中，阿巴多对于莫扎特音乐内在细节的掌握非常清晰而且一丝不苟，诠释重心明确，是非常难得体会到的莫扎特聆赏经验。柏林爱乐乐团的演奏精致洗练、技艺高超，对莫扎特作品的理解更是获得音乐界的一致赞扬。

这套5CD合辑收录了指挥家卡尔·舒里希特与维也纳爱乐乐团、巴黎音乐学院管弦乐团合作，1949-1956年间的演奏录音。曲目包括贝多芬《第一、二、五交响曲》、门德尔松四部序曲、勃拉姆斯《第二交响曲》、《第二钢琴协奏曲》、《小提琴协奏曲》、舒曼《第二、三交响曲》、舒伯特《第八交响曲“未完成”》、柴科夫斯基《意大利随想曲》。门德尔松的序曲中有一种清新的活力和细腻。舒里希特对舒伯特《“未完成”交响曲》第一乐章指挥了十一次后，约翰·库尔肖才终于完成了录音。这里舒里希特没有表现出怪异的速度，相反他和维也纳爱乐乐团的合作表达出了一种优雅的抒情风格。维也纳爱乐乐团的声响非常饱满，没有损害音乐和谐的构架，的确值得珍藏。 卡尔·舒里希特（Carl Schuricht，1880.7.3-1967.1.7）德国指挥家。舒里希特之所以被人们看作是具有重要意义的指挥大师，其艺术风格的独特性是最有说服力的筹码。在众多德奥指挥家中，他是个性突出的代表人物，其指挥风格尊重和继承传统，但却不死板地拘泥于传统。人们欣赏他的指挥，既能感觉到风格质朴，格调高雅的意境，又能体会到温暖亲切，自由流畅的特点。他能够赋予管弦乐团以庄重、神圣般的魄力，同时又能够带给它活泼、诙谐的情调。 舒里希特是一位沉稳、雅致的指挥大师，他在舞台上从不以大动作取胜，更没有音乐之外的嘘头。然而他指挥的音乐的内在张力却十分饱满，把握音乐层次变化的分寸感更是无懈可击。他本人富有贵族式的绅士气质，故在演释作品时，常常能够利用自己独特的优势和特点，给音乐带来富有韵味的情调。 舒里希特为人低调，总是避开那些以他的才华应得的声誉。这些都反映在他的音乐中。他是那种以服务于指挥台前的音乐为宗旨，强调忠实于原作的完整性。这意味着没有任何的夸张，没有追求表面的光辉，最重要的是不会在音乐中加入任何个人的色彩。这种做法远远不是毫无趣味的音乐表达方式 舒里希特是德国指挥学派中真正的元老指挥家，同时也是20世纪世界指挥艺术中的光荣前辈。他一生功名卓著、德高望重，是指挥艺术中伟大人物的杰出代表。

对于所有古典乐迷而言，这套一共30CD的套装将会是20世纪世界著名的小提琴家梅纽因精彩的录音回顾，当中，录音范围从30年代到90年代，是一份跨越60年的唱片，而且还是在大师诞辰100周年推出的大型套装，另外还收录有梅纽因晚年的指挥录音，其中大部分已绝版。收录曲目囊括巴赫，帕格尼尼，贝多芬，勃拉姆斯，门德尔松，巴托克等作曲家最喜欢的曲目杰出录音。加上优秀的合作者——维也纳爱乐乐团和柏林爱乐乐团，富特文格勒，巴比罗利，多拉蒂等，这些都是具有历史性的名品录音。从任何方面来看，这套唱片都极具意义。 在这些横跨了60年的经典录音中，梅纽因在经历过富特文格勒、乔治·埃奈斯库等一流大师给他的音乐洗礼，他早已成长为一位思考独立而又技巧成熟的小提琴家。他对这些知名的旋律，始终保持着无瑕的琴技、和无懈可击的弓法，处理充满高贵的气质，总是给听者新的启示，不会显得浮滥煽情。 特别值得注意的是，专辑中，囊括了梅纽因与富特文格勒的多部经典录音，例如贝多芬小提琴协奏曲、勃拉姆斯小提琴协奏曲、门德尔松小提琴协奏曲、巴托克小提琴协奏曲等，他们有着完美的合作关系，并发挥了彼此最好的一面。他们的诠释是极具权威性与独一无二的，他们以一种优雅的方式、适度的节奏演绎，而在缓慢的动作中，他们实现了感人的温柔。 此外，曲目还有一首埃尔加小提琴协奏曲，在埃尔加本人指挥下，虽然演奏这首协奏曲时，梅纽因才16岁，但在此，他依旧呈现出完美的演出，处理自然流畅。此份录音更被1976年《企鹅古典指南》评鉴为：“这是有史以来此曲最著名的录音之一。”作为一名音乐家，作为一个有理想的人，作为一位模范世界公民，梅纽因在他的时代留下了非凡的印记。《留声机》杂志曾称：“梅纽因是传奇小提琴家”；物理学家爱因斯坦说：“听了梅纽因的演奏，现在我相信了，天堂里一定有上帝”埃尔加称赞梅纽因：'是我见到的最了不起的音乐人才'

这套21CD合辑是为纪念伟大的指挥家富特文格勒诞辰125周年而发行的，收录了富特文格勒与柏林爱乐乐团、爱乐管弦乐团、维也纳爱乐乐团合作，演奏录制的杰作。选择的曲目大部分是富特文格勒最擅长的德奥系作曲家的作品。 富特文格勒的指挥特点是：一登上指挥台，就处于一种忘我状态，时而吟唱，时而面目动情，时而踏足，时而闭上双眼……奇怪的是，乐队成员会情不自禁地与他一同作出反映。他的指挥富有催眠术般的魔力，听他指挥演出时，听众好像看不到乐队，而会全神贯注到令人迷醉的音乐中。在指挥旋律时，他不赞成有棱有角地拍击，认为那样会破坏旋律的流畅性。在他的指挥中始终保留着瓦格纳浪漫主义指挥学派的主观因素，因此他属于典型的浪漫主义学派指挥家。他指挥的曲目广泛，气势雄厚，是德国优秀指挥家中具有代表性的一位。

这套合辑是德国管风琴家赫尔姆特·瓦尔哈，为了纪念巴赫（1685-1750）离世200周年而录制的。在那个年代，要完成这样一个令人惊讶、雄心勃勃的计划需要很大的魄力。这一计划由于日新月异的录音技术发展而多次中断和延期（从早期的胶盘到寿命更长的单声道录音，以及立体声录音）。瓦尔哈对于传统乐器演奏方面具有很强的实力，完全胜任这个录音计划。 其实，瓦尔哈的第一批录音早在1947年8月份就已完成。那是在刚刚结束的世界大战之后以及货币政策改革之前那段非常艰难的时期进行的，所用的乐器是吕贝克城一架小小的圣－雅克比教堂的管风琴。别看雅克比那里的管风琴教堂建筑虽小，但却是早期德国最为著名的场所之一。这一批录音的成功使大家产生了录制巴赫管风琴作品全集的决定。当然，这并不是试图在吕贝克完成全部的录音，虽然吕贝克管风琴的原始音色非常优美，但年久月深的管风琴踏板会产生很不合谐的声音、短八度音节的表现大打折扣，况且越来越嘈杂的交通噪音干扰使在那里的录音变得更加困难。 后来，在德国北部寻找另外的早期乐器，期间瓦尔哈发现要演奏巴赫键盘练习曲第三部分“较小”的圣咏前奏曲，需要借助跨八度音阶与升C大调所有的半音，而这个任务似乎只有不来梅附近，卡佩尔市的Arp Schnitger管风琴可以胜任。这架管风琴本来是为汉堡的圣－约翰尼斯教堂所造，拿破仑时代（大约1816年）从汉堡调配到这里。经过保罗歌剧院的戈廷根工匠修复，管风琴终于调配到可以演奏的状态。后来，瓦尔哈的录音面世后，这架饱经风霜的管风琴又成为世界闻名的乐器，因此，在1950年6月和1952年9月陆续用卡佩尔的这架管风琴录制和完成了一系列巴赫管风琴作品，而且，原先用鲁贝克管风琴所录制的作品又重新在此录制。 瓦尔哈对巴赫作品的诠释始终如一。无容置疑，瓦尔哈拥有着非常人所能把握的超常音乐感知力，在炫技乐章，年轻的瓦尔哈时而演绎得无拘无束，时而又突出器乐过渡间的人声演绎。这些录音融合了巴赫作品所终生贯穿的艺术与精神精华。与此同时，它们也翻开了录音历史上新的一页，这些始终会与瓦尔哈的名字相连，即使是模拟录音，也无法掩盖瓦尔哈对巴赫的完美演绎。