10. Slavonic Dances Op.72 No.5

这张专辑收录了大提琴家皮亚蒂戈尔斯基演奏的三部大提琴协奏曲：1、与奥曼迪指挥的费城管弦乐团合作，演奏德沃夏克《大提琴协奏曲》（1946.1.17录制）、布鲁赫《科尔尼德莱》按希伯莱曲调为大提琴与乐队而作的慢板（1947.12.28录制）；2、与施托克指挥的芝加哥交响乐团合作，演奏圣-桑《第一大提琴协奏曲》（1940.3.6录制）。 格里高利·皮亚蒂戈尔斯基（Gregor Piatigorsky，1903-1976）美籍俄罗斯大提琴家。他的演奏风格既严格地忠实于原作，又富于俄罗斯民族的浪漫气质。他主张在感情、理智和技巧这三大演奏要素中，不应偏向于任何一个方面，而要力求完美、精确地反映作品的全部风貌和全部精神内涵。 德沃夏克《b小调大提琴协奏曲》作品104，作于1894-1895年，是德沃夏克为他的一位好朋友，大提琴家哈努斯维汉而作的。此曲不但是德沃夏克的代表作之一，而且也是少数几部广受世人喜爱的大提琴协奏曲杰作之一。这部协奏曲，其内容的深度、鲜明的形象以及交响发展的规模等方面，更接近于他的最后两部交响曲，无疑都是它的成功所在。此曲可以说是德沃夏克停留美国期间的最后巨构，曲中旋律优美，更由于写作于美国，把美国的地方色彩和波希米亚民谣曲调巧妙地融合起来，产生独特的魅力。表达了德沃夏克对祖国和人民命运的思念，还有他对初恋女友的哀悼，这些复杂的感情交织在一起，可以给人巨大的感动。 布鲁赫《科尔尼德莱》按希伯莱曲调为大提琴与乐队而作的慢板，作品47，作于1881年。这部作品以犹太人的希伯莱祷歌曲调为主题，所以又名《晚祷》。犹太人在赎罪节（9月末或10月初）开始之日，群聚于一堂，彻夜祷告，以赎一年之罪。“科尔尼德莱”是祷歌的第一句，意为“我辈都起誓”。作品由两大部分组成：第1部分，d小调，慢板，主题缓慢而沉重，在低音区吟诵，有一种沉郁悲伤的色彩；第2部分，D大调，主题舒展悠长，委婉如歌，明净而安宁，仿佛在歌颂神的恩泽与威力无比，充满对未来的希望。最后在幽寂的冥想气氛中结束。 圣-桑《a小调第一大提琴协奏曲》作品33，完成于1872年。此曲是圣-桑最著名的大提琴协奏曲。这部作品共分三部分，是采用整体合并成一个乐章，让各部分不间断地继续的形式。

维托德·马尔库津斯基这位钢琴家的名字，在今天的乐界，有多少人听过呢？马尔库津斯基的名气非但被时间冲刷而去，其LP录音也只有少数以CD再版过，而且大都已绝版。听完这两张CD，你不得不承认，这位钢琴家实在是一位被历史遗忘的大师。 　　 马尔库津斯基1914年生于波兰，在华沙音乐学院师从约瑟夫·图尔契恩斯基，后来分别跟玛格丽特·隆、艾西多·菲利浦和帕德雷夫斯基几位大师学习过。CD文案将马尔库津斯基与布索尼相提并论，认为两人同属德国与意大利两大钢琴传统的传人。马尔库津斯基是处于浪漫与现代钢琴学派之间的，风格不像帕德雷夫斯基那样放任，但也绝非波利尼之流的现代钢琴家。撇开流派问题不论，马尔库津斯基有自己性格鲜明的特色：从他强硬厚实的触键、粒颗凝聚感极强的琴音可以听出，比起帕德雷夫斯基倚赖踏板营造音色，他更重视指力的控制。马尔库津斯基仔细经营音与音之间的轻重联繫，同时保持着像上一代钢琴家举重若轻的从容风范，弹性速度广泛而高品味，而且键盘功夫干净利落。 　　 两张CD都是肖邦的作品：14首圆舞曲、15首玛祖卡、还有第三奏鸣曲、第二协奏曲。马尔库津斯基演奏的舞曲都有令人不由得随着摆动的舞蹈感，柔软灵活的自由节奏是这位波兰人掌握肖邦语言的明证。玛祖卡触键敏感但强音仍血肉丰沛，圆舞曲尤其有种罕闻的力度，彷佛是舞者腰板挺直一般，胜过不知多少矫揉做作的演译。第二协奏曲这个录音已经把我迷住了：马尔库津斯基徐缓的抒情方式不但有天然的贵族气息，而且将乐曲情感上的暗涌表现得格外有力。这些曲子均足以跻身最耐听的肖邦演绎之列。

这张专辑是柏林钢琴四重奏演奏福雷、施尼特凯、勃拉姆斯的《钢琴四重奏》。 福雷《c小调第一钢琴四重奏》作品15，作于1876-1879年间。关于这部晦暗的作品，福雷曾解释说：“以最诚挚的心来述说内心的情感，以清晰完美的形式来表达，就是艺术的最高境界。”福雷在本质上是抒情的幻象淡彩作曲家，不具有贝多芬或瓦格纳的戏剧性格，整部作品像是浮光掠影似地轻易地划过了时空。其中第三乐章是福雷慢板乐章中最精彩的一段，每一个音符都是那么高贵而收敛，丝毫没有放纵的感觉。 勃拉姆斯《g小调第一钢琴四重奏》作品25，1854年完成初稿后，反复几易其稿，又虚心接受了女钢琴家克拉拉·舒曼和小提琴家约阿希姆的审评，最终修改完成并于1861年11月首演。这是一部带有交响性创作思维的室内乐作品，选材丰富、布局严谨、形式广阔，包含丰富的个人情感。

这张专辑收录了指挥家斯托科夫斯基指挥几个著名交响乐团的演奏录音。曲目包括巴赫、贝多芬、李斯特、瓦格纳、斯美塔纳、勃拉姆斯、里姆斯基-柯萨科夫、拉赫玛尼诺夫、埃奈斯库、维拉-罗伯斯、普罗科菲耶夫、肖斯塔科维奇的作品，涵盖巴洛克、古典、浪漫、现代的风格。 列奥波德·斯托科夫斯基（Leopold Stokowski，1882-1977）美国波兰裔指挥家、古典音乐改编家。他的指挥富于激情，以音响丰满、色彩鲜艳而引人入胜，被誉为“音响魔法师”。斯托科夫斯基对新鲜事物很敏感，并且酷爱音响学，他经常和一些音响专家在贝尔实验室进行音响试验，斯托科夫斯基也是第一个从事电影工作的指挥家，他和美国动画片大王迪斯尼合作的动画片《幻想曲》，首次运用卡通和真人相结合的手法，并配以宏大的管弦乐演奏获得了意外的效果，在这部影片中，斯托科夫斯基充分发挥了他的管弦乐天才，改编了许多古典音乐名作，并配以迪斯尼奇幻莫测的精美画面，构成了一幅幅迷人的多彩图景，当时使用的是18个不同声道录音，这实际上就是早期立体声的先驱，但值得注意的是，早在1939年就运用这些手法。 斯托科夫斯基在指挥艺术方面是不拘一格的，他在年轻时，在一次指挥音乐会演出时，因动作猛烈不慎折断了指挥棒，从此以后，他就干脆徒手指挥。斯托科夫斯基在指挥艺术发展史上有着卓绝的贡献。他敢于打破传统的束缚，热心于各种革新与试验，热衷于介绍新作品，培养新生力量，他塑造了独一无二的管弦乐音色，他具有极富想象力的作品诠释能力。他不是死守原谱派，他认为音乐必须透过指挥家和演奏家的心灵作用才能显现出它的内在美感，换句话说，指挥家是无法客观地置身于音乐之外的。为了体会各种乐器的特性和难度，斯托科夫斯基还利用每年假期的时间专程前往巴黎去学一样新乐器。斯托科夫斯基艺术最突出的一点就是他那独一无二的音色，坚实、浑厚、富有光泽以及独树一帜的句法。 斯托科夫斯基永远在追求最好的声响，不断地冒险创新，对于他而言，没有什么一成不变的必须恪守的规则。“声响”不仅仅意味着听觉效果，更意味着将音乐的各个层面展示出来。乐章的存在，并不是由写在纸上的音符所决定，而只能由音乐家所作出的再创作甚至全新创作的演出所决定。这就是斯托科夫斯基对于指挥的见解，他拒绝做乐谱中规中矩的仆人。

这张专辑是日本钢琴家辻井伸行演奏肖邦的钢琴独奏作品，包括《自然的行板与辉煌波兰舞曲》、《第一叙事曲》、四首《马祖卡舞曲》、两首《夜曲》、《f小调幻想曲》。辻井伸行不只拥有高超的琴艺，他用溢满光彩的音乐赞颂生命，也让听者的心感受到积极。正是人性的光明与情感，让技艺高于表现形式，超脱苦难，成就了艺术。

这套合辑收录了钢琴家基辛演奏的肖邦作品，包括演奏会的现场录音。 CD1是基辛1993年2月在卡内基音乐厅独奏会的实况录音。在这场独奏会中，基辛演奏了肖邦的三首夜曲、三首圆舞曲以及幻想曲、波洛奈兹和谐谑曲各一首，这些作品都是肖邦众多创作体裁中最杰出的代表作。肖邦的曲目向来被看作是钢琴演奏的试金石，绝对是钢琴家的终极挑战，而年轻的基辛却早已跃过凭栏，通过自己迥异的气质和独到的见解将肖邦浪漫、热情以及超人的自然乐感浑然一体，充满了青春魅力。 基辛在这场音乐会中保持了一贯的高水准，既富于诗意又荡气回肠，他灵动的琴声经由录音师的妙手，不仅使卡内基音乐厅焕发出新的活力，更拉进了肖邦和听众的距离，这种心与心的互动和共鸣让所有人都为之疯狂，令人叫绝。这张专辑是钢琴独奏会现场录音的完美典范，演奏、录音水平一流，是RCA红印100最佳唱片，获得《日本唱片艺术》推荐。 CD2是基辛1993年2月在卡内基音乐厅独奏会的实况录音。他演奏了《第三钢琴奏鸣曲》、12首玛祖卡。 CD3是基辛1998年8月5-7日在德国弗莱堡的SWF录音室录制的，包括全套四首《叙事曲》、一首《摇篮曲》、一首《船歌》、一首《谐谑曲》。 CD4是基辛1999年7月30日-8月1日在德国弗莱堡的SWF录音室录制的，包括全套24首《前奏曲》、《第二钢琴奏鸣曲》、一首《波兰舞曲》。 CD5是基辛2004年7月26日在瑞士韦比尔耶音乐节的独奏会实况录音。基辛演奏了四首《波兰舞曲》与四首《即兴曲》。《波兰舞曲》是波兰古时候每小节有三拍子的民族舞蹈，也是从以前波兰上流社会开始流传的舞曲。许多作曲家都写过波兰舞曲，肖邦则以这曲式来表达他对祖国的热爱。作品二十六的两首《波兰舞曲》是肖邦早期的创作，在传统的形式中，展现出非常强烈的肖邦独特之美以及激动不安的感觉。作品40第二号的《波兰舞曲》具有深刻的悲剧性，正好与接下来以曲中战斗性与坚毅不屈精神闻名的《英雄波兰舞曲》形成对比。

这张专辑是钢琴家爱丽索·博尔科瓦茨演奏普罗科菲耶夫《第二钢琴奏鸣曲》、舒伯特四首《即兴曲》。 普罗科菲耶夫《d小调第二钢琴奏鸣曲》作品14，作于1912年。此曲第三乐章的旋律使人联想到俄罗斯保姆的小声哼唱，由弱拍起，自然的句子段落，建筑在均匀的轻轻摇晃的摇篮曲节奏基础上的调式交替。左手的次中声部是伴奏的和声支柱，固定音型贯穿始终，造成规律的运动感。右手中声部的模进陈述同样具有独立的以两小节为单位的固定音型结构。主题突出于厚重的和声基础之上，委婉动听、独立存在。 “即兴曲”一词的含义是“随性而作的小曲”，在钢琴领域中它演变成为一种形式精致、体裁短小的抒情曲，带有自由发挥的特点。舒伯特在生命晚期的1827年创作了两集钢琴《即兴曲》，每集四首小曲，成为这一体裁的典范之作。这些小曲旋律如歌，意境唯美，结构简单，易于为听者所倾心接受。它们就像一首首浪漫又通俗的小诗，闪烁着特有的五彩缤纷的光辉。

《卡门》是法国歌剧历史上的一块里程碑。这部四幕的歌剧是由比才作曲，台本是由亨利·梅拉克和吕道维克·阿莱维据梅里美同名小说改编而成的。故事发生在1820年左右的西班牙塞维勒，情节很简单：烟草厂女工吉卜赛姑娘卡门使龙骑兵伍长唐·霍塞神魂颠倒。在卡门的诱惑下，霍塞逃离兵营，加入了走私贩的队伍。但不久卡门就厌倦了霍塞，并迷上了斗牛士埃斯卡米罗。霍塞恳求卡门回心转意，几番遭到拒绝。在极度痛苦、愤怒和绝望之中，霍塞杀死了卡门。

这张专辑是乌克兰指挥家伊戈尔·马克维奇的录音精选辑。参与演奏的乐团、合唱团：贝尔格莱德歌剧院合唱团、北德广播合唱团、法国国家广播交响乐团、拉慕鲁管弦乐团、伦敦交响乐团、新爱乐管弦乐团、北德广播交响乐团、西班牙广播电视交响乐团。 伊戈尔·马克维奇（Igor Markevitch，1912-1983）乌克兰指挥家、作曲家。他的音乐作品受斯特拉文斯基和普罗科菲耶夫的影响较大，有丰富的节奏和音色。在指挥方面，他特别擅长诠释斯特拉文斯基和柴科夫斯基、柏辽兹的作品。 这张专辑除了第四交响曲的演绎略有争议外，完全可列居最出色的柴科夫斯基交响曲全集之一，至少能与著名的穆拉文斯基版本相媲美.另一项发现是马凯维奇指挥爱乐管弦乐团的《春之祭》，其粗犷的野性使这一录音成为同一曲目的最优秀版本之一。马凯维奇指挥的柴科夫斯基给我印象最深的一点就是他棒下的伦敦交响乐团完全是像一个俄罗斯乐团在演奏。伦敦交响乐团平时那种温和、醇厚的声音在这里不再出现，有的却是弦乐声部锉磨声般的重音和铜管声部几乎达到极限的音响。《曼弗雷德》交响曲的演奏充满了一种使人着魔的张力，即使在慢乐章中也未中断。这一慢乐章的演绎表达得极其强烈、紧凑，没有任何松懈之处；而末乐章更使人体会到一种野性的释放。 第二张CD中所有曲目的演绎都充满了一种狂热的张力，我发现我得不时地休息，听听别的指挥家的演奏来放松一下自己。马尔凯维奇的演绎有一个共性，那就是他似乎不是将管弦乐队中每件乐器的音色融合在一起，而是使它们对立起来互争高低。如他指挥的《大海》，这是一片永无宁静的狂怒之海，录音时麦克风与乐队很近，故音质有时达到失真的边缘。夏布里埃天真无暇的小曲《西班牙》在马凯维奇的棒下充满火热激情和光辉，虽迷人但有时让人喘不过气来，与西班牙指挥家阿塔乌尔弗·阿根塔微笑般的演绎大相径庭。很难令人相信马凯维奇的《达芙尼与克洛埃》比博尔特从容不迫的版本只短了30秒钟，但速度代表不了什么。在指挥《达芙尼与克洛埃》中的“日出”时，博尔特似乎是在赞叹这一奇观，并在这一美景中迷途不返，而马凯维奇则给人这样的感觉，那就是太阳仿佛是被他一手托起的！这个录音同样既迷人又累人。在这儿，德彪西、拉威尔同斯特拉文斯基的早期风格之相近再明显不过了。

这张专辑是钢琴家艾克斯、小提琴家卡瓦科斯、大提琴家马友友合作，演奏勃拉姆斯的三部《钢琴三重奏》。专辑是三位演奏大师首次录制勃拉姆斯的钢琴三重奏作品，堪称当今钢琴三重奏的黄金组合。 横跨丝路计划、跨界流行、纯粹古典之三面向演奏才华的马友友，回归私心最爱的室内乐形式，是乐迷们不容错过的极致典藏版本。 勃拉姆斯钢琴重奏体裁有3首钢琴三重奏(Op.8、87、101）、3首钢琴四重奏（Op.25、26、60）以及1首钢琴五重奏（Op.34），在这几首重奏作品中，三重奏的创作应是勃拉姆斯最精彩的创作历程，这一体裁也为他后来的钢琴音乐作品奠定了无可厚非的基础。