C11. Friedrich Gulda Handel Suite for Harpsichord HWV429 - 3. Courante

这张专辑是钢琴家拉罗查演奏斯卡拉蒂、索勒的奏鸣曲、布索尼改编《恰空舞曲》、亨德尔《E大调第五组曲》。

这套专辑收录了钢琴家波利尼演奏的舒曼钢琴作品录音。包括《a小调钢琴协奏曲》、两部《钢琴奏鸣曲》、《C大调幻想曲》、《交响练习曲》、《阿拉伯风格曲》、《大卫同盟舞曲》、《克莱斯勒偶记》、《拂晓之歌》等。波利尼的演奏极度专注，具有强化张力的特质，源于他的内在个性，精妙的解析、从单一整体的角度来注意其中细节，如此他抓住了舒曼语言里的幻影火花，将舒曼的恬美和细针密线舒展开来。 舒曼钢琴作品的主要特色，乃在于其深具个性化的诗意表现，而旋律是呈现其特色的主要媒介。舒曼钢琴作品在曲式上所表现的独特性，最主要乃源自其音乐诗化之理想。他曾说过：音乐是诗的最大潜能。舒曼认为，做为艺术家，道德应成为一个诗人，并且努力达到诗的悟性。这种铭刻于心的理念，使他的音乐如同富于幻想的诗，自由地从凝固的形式中解放出来，用以表达自己的理想世界。 舒曼的主要钢琴作品在多完成于一八三九年之前，也就是热情洋溢的青年时期。这个时期的舒曼习惯于在钢琴上倾诉自己的情感。一篇篇的钢琴作品，其实就是他一篇篇的生活日记。作品中所涌现旋律，也大都是可歌性的语法。而在诗学的影响下，其作品的旋律，也往往离不开方正的二小节、四小节、八小节的乐句组成。这使得他的旋律显示出极为热情内敛而不虚华外烁的线条。它在钢琴的中间音域以平和的音程进行，所表达的无限性内涵，必须像“朗诵诗”一般地反复寻味，才能得到深切的同情共感。 大致上，舒曼钢琴作品的旋律，有如下五种特征： 1、以相同的旋律语法，使用在不同的作品中，而成为特有的笔调。 2、偏爱以上拍开始的旋律。 3、绝少使用附加的装饰音。 4、常以对位手法卡农或赋格处理旋律。这是舒曼孜孜钻研巴赫作品所获得的理念。 5、常以模进手法处理旋律。进而达到转调、简化或扩展的目的。

这张唱片是钢琴家范·克莱本与芝加哥交响乐团合作，演奏舒曼、普罗科菲耶夫的两部《钢琴协奏曲》。这张唱片录制于1960年，正是范·克莱本演奏事业的巅峰时期，惊人的技巧加上莱纳、亨德尔两位指挥大师的倾力配合，铸造出这张最具爆发力的黄金之作。这张唱片是RCA唱片公司采用“现场立体声”方式录制的，录音质量极为优异，声音通透、饱满，音场宽阔，音色真实，震撼人心。

这张专辑是钢琴家巴克豪斯1966年7月在萨尔茨堡音乐节演出的现场录音。曲目包括巴赫《平均律钢琴曲集》选曲、莫扎特两部《钢琴奏鸣曲》、贝多芬两部《钢琴奏鸣曲》。 萨尔兹堡音乐节是纪念天才作曲家莫扎特，每年夏季在他的出生地举行的盛会。从1877年首届莫扎特音乐节算起，至今已有百余年的历史。不少著名指挥家如马勒、理查·施特劳斯、托斯卡尼尼、福特文格勒、伯姆和卡拉扬等人都曾在音乐节上执棒。1960年新的音乐节大厅建成开放，它能容纳2000多名观众，并拥有世界上最大的舞台。除了歌剧，音乐节还包括管弦乐音乐会、室内乐音乐会和独奏、独唱音乐会。理查·施特劳斯、奥尔夫等著名现代作曲家的新作，都曾在音乐节上首演。由于有众多演艺名家竞相前往献艺，因此，萨尔兹堡音乐节成为当今最激动人心的音乐节。 威廉·巴克豪斯1953年开始在萨尔兹堡音乐节上演出。这张专辑收录的是他1966年7月30日在该音乐节的一场音乐会实况。曲目有巴赫《平均律钢琴曲集》中的两部前奏曲与赋格、莫扎特的两部钢琴奏鸣曲（KV283、KV331），还有贝多芬的第23、32钢琴奏鸣曲。当时巴克豪斯已是82岁的耄耋之年，从整体看，他已蜕尽往日“狮王”的威风，变得超然淡泊。 在这张专辑里，尽管我们无法再欣赏到他那重锤般的琴声，惊天地泣鬼神的皇者气派，但却能领略到他遍尝人生滋味的智者风采。巴赫《平均律钢琴曲集》中的两部前奏曲与赋格，在巴克豪斯的指下铺陈得错落有致、缜密精巧，梳理清晰的声部和精准的速度无不闪烁出理性的光辉。这份火候没有数十年功力而只靠手指头的灵敏，是难以达到的。 莫扎特的钢琴音乐大都在明快中略带忧郁，就像远方飘着一丝乌云的睛朗天空。《第11钢琴奏鸣曲》KV331就是这样一部作品，它更因第三乐章《土耳其进行曲》而妇孺皆知、耳熟能详。巴克豪斯在迪卡的录音以干净利落的指法，带给听众清澈澄明的体验，而在这个现场演奏中，他却降低弹奏中的颗粒性，突出乐句间的圆滑连接，使音乐更纯净。当然就像辛弃疾的那句“却道天凉好个秋”，是对天气的赞美，还是对人生的感悟，就只好由各人自己去品味了。

这张专辑是The Music Party演奏海顿8部夜曲作品。18世纪的夜曲常以意大利语notturno为名，是一种器乐合奏的小夜曲，也肖邦的夜曲完全不同。海顿的音乐幽默、悠闲、明亮、轻快，含有宗教式的超脱，他将奏鸣曲式从钢琴发展到弦乐重奏上，他是器乐主调的创始人，将传统对位法的独立声部完全同化了，将主题发展自行展开。后期他受到了亨德尔的影响，产生旋律优美抒情色彩，出现类似巴洛克的风格。他用弦乐四重奏代替钢琴，用管弦乐代替管风琴，创造了两种新型的和声演奏形式。

这套合辑是莱因斯多夫指挥皇家爱乐乐团，演奏莫扎特的41部交响曲。在这套莱因斯多夫演绎的作品中，音乐的神韵与声音的魅力是紧密相连的，而对节奏完美的无条件关注永远不会以牺牲自由的听觉为代价。在这方面，莱因斯多夫划时代的莫扎特交响曲录音仍然是新鲜的和永恒的，即使对今天的听众也是如此。 莱因斯多夫在指挥莫扎特时最关心的是清晰，换句话说，他费尽心思通过声音这一媒介把乐谱的内容传达给听众的理解。在表面上“毫无疑问”的早期交响乐中的主要路线，特别是在交响乐的开场乐章中。第29交响曲K201(186a)，从不主张独断的摇摆，而是在琴弦的纹理中占据首位，从而确保半透明的声音画面，反过来允许听众获得启发的见解，进入作曲家的形式结构、和声发展。与此同时，莱因斯多夫揭示了一个良好发展的乐句音乐特征的感觉。以《第一交响曲》的快板为例。第27交响曲K199(161b)，正如第一个主题是清晰而明确的，第二个主题是温柔、活泼甚至轻快的。每个短乐句都有自己的内在生命。 重复的乐段总是被省略，也许反映了当时的惯例，或许也因为LP唱片的时间限制，莱因斯多夫通常会缩减莫扎特的交响曲的时长，从《F大调第一部交响曲》中可以清楚地看到。《第18交响曲》K130，在早期的作品中，长笛具有色彩的功能，用它们自己的旋律线来填充背景而不是干扰音乐的行进。这种色彩缤纷的声音写在Andantino grazioso中有一种独特的美，在拨奏低音和柔和的小提琴背景下展开。与此同时，当莱因斯多夫想要制造出一种富丽堂皇的、近乎歌剧般的声音时，他也毫不犹豫，就像在《巴黎》第一号交响曲中那样。《第31交响曲》K297(300)，演奏使用了长笛、双簧管、单簧管、巴松管、小号和定音鼓，莫扎特自豪地指出，这是他第一次使用单簧管的交响曲。在莱因斯多夫的诠释中，作曲家的自豪感几乎是显而易见的，这种诠释的特点是对作品音调的纯粹喜悦。

这张专辑是小提琴家薇尔德·弗朗与詹姆斯·加菲根指挥的法兰克福广播交响乐团合作，演奏布里顿、康果尔德《小提琴协奏曲》。这是薇尔德·弗朗的第五张个人专辑，收录的两部二十世纪小提琴作品创作时间相仿，又同样以D大调写成，对比性极高，但是又有相似的迷人之处。薇尔德·弗朗说：“我梦想录下这两部作品很久了”。 本杰明·布里顿《D大调小提琴协奏曲》作品15，作于1939年。此曲富有时代特点，是一首承上启下的作品。它既有十九世纪或以前在作曲技巧上的严谨，也有新世代作品的感情多变和突破性的无调风格。一新一旧的两个极端在布里顿的协奏曲里得到极佳的平衡。其实他这过人特点贯彻于他所有的作品之中，也是他能在近代音乐史中占一席位的重要原因。 康果尔德《D大调小提琴协奏曲》作品35，作于1945年。当时这位奥地利犹太作曲家逃往美国定居十多年，已经是好莱坞著名电影音乐作曲家，在小提琴家胡伯曼的建议下谱写小提琴协奏曲。完成两年后由海飞兹首演，并且在海飞兹的推广下成为康果尔德最受欢迎的作品。康果尔德华丽的作品引用了一些电影配乐的元素，薇尔德·弗朗形容它就像是“香槟、烟花与情感的大海”，而这部充满后期浪漫主义美学的协奏曲，与布里顿兼具表现力与细腻情感的作品美学完全属于两个世界，但是，同样让人想深入了解。

这套专辑是小提琴家杨天娲与伊兹奎尔多指挥的西班牙纳瓦拉交响乐团合作，演奏萨拉萨蒂《小提琴与管弦乐团作品》。 巴勃罗·德·萨拉萨蒂（Pablo de Sarasate），流芳古今的西班牙著名小提琴家、作曲家。萨拉萨蒂不仅是完美的演奏家，还是完美的作曲家，同时还特别擅长演奏自己的炫技性作品。 萨拉萨蒂的演奏技巧纯熟，音色迷人。他的演奏既有法国学派典雅、优美的风格，又有热情奔放的西班牙民族民间色彩，音色优雅、飘逸和水晶般的纯净、明亮，听起来宛如优美高妙的花腔女高音。他那大幅度的颤指，使强烈的感情更加激动人心。他的同时代人称他为“本世纪末的帕格尼尼”和“花腔表演艺术之王”，他是在炫技表演艺术上使人入迷的、世界上独一无二的小提琴表演艺术家。

这张专辑收录了钢琴家拉罗查演奏的三部作品，包括：1、与福斯特指挥的伦敦爱乐乐团合作，演奏拉威尔的两部钢琴协奏曲，1973年6月的录音；2、与布果斯指挥的伦敦爱乐乐团合作，演奏福雷的《幻想曲》，1972年5月的录音。 拉威尔《G大调钢琴协奏曲》作于1931年。此曲是拉威尔晚期作品中的珠玉。擅长凝造管弦乐华丽色彩的拉威尔，将管弦乐的色彩想像转移至钢琴的作品中，因而钢琴于此不仅是主奏乐器的独白，也有缤纷亮丽的光泽、以及闪烁动人的乐想。然而，包括作曲家本身也不讳言，乐曲中也确实如同美丽的鸡尾酒，夹杂了诸多前辈的音乐典型。 拉威尔《D大调左手钢琴协奏曲》，完成于1931年。此曲是一部具有里程碑意义的作品，一部单乐章的协奏曲，晚年的拉威尔不但是营造美丽音乐色彩的高手、谱写精确曲式结构的名家，更是把时代气息注入李斯特的史诗式音乐的先驱;与此同时，他更在乐曲的一开始就强调了一股悲剧气氛，令人感到命运对人生的播弄。不惟宁此，在钢琴技术上拉威尔更尽量发挥了左手的特点，除了利用琶音和踏瓣之外，许多重音和旋律都由大拇指担任，使这首只用左手弹奏的乐曲，听起来比双手演奏的更为丰满和技术难度更高。 福雷《G大调幻想曲》作品111，作于1918-1919年，为钢琴与乐队而作。此曲是福雷的晚期作品，在浪漫主义风格的基础上，略带些现代元素。采用G大调，4/4拍，中庸的快板。单乐章，但可分成三个部分，中段转入e小调甚快板，最后回到第一部分上，在整体上看更像一部室内乐重奏曲。

这张专辑是钢琴家阿什肯纳齐的作品，包括：莫扎特、斯克里亚宾、贝多芬、舒伯特的《钢琴奏鸣曲》；肖邦《前奏曲》、《玛祖卡》、《谐谑曲》；柴科夫斯基《杜姆卡》、拉赫玛尼诺夫《音画练习曲》、普罗科菲耶夫《罗密欧与朱丽叶》组曲、塔涅耶夫《前奏曲与赋格》。 弗拉基米尔·阿什肯纳齐（Vladimir Ashkenazy，1937年7月6日-）英籍前苏联钢琴演奏家。阿什肯纳齐的演奏风格以诗意的情调和细腻的技巧为特点，在自己的风格里融入了很多伦敦派所特有的意识美。人们从他所弹奏的技巧绝伦的钢琴练习曲中可以发现他那惊人的技艺和高深的造诣之价值所在，他可称为能完满再现李斯特那绝顶技巧的权威。他演奏的曲目范围很广，弹奏普罗科菲耶夫《第三、第四钢琴协奏曲》不同凡响；演奏斯克里亚宾作品，可与名家霍洛维兹媲美。录制唱片之多在同代钢琴家中也是少见的。阿什肯纳齐演奏的浪漫主义时期和俄国作曲家的作品尤为出名。他录制了肖斯塔科维奇的24首《前奏曲与赋格》、斯克里亚宾的奏鸣曲、肖邦和舒曼的全部钢琴作品、贝多芬的钢琴奏鸣曲和莫扎特、贝多芬、巴托克、普罗科菲耶夫以及拉赫玛尼诺夫等人的钢琴协奏曲。