F01. Bartok Music for Strings - 1. Andante

出生于1969年的法国女钢琴家海伦·葛莉茉，是目前乐坛上炙手可热的新生代艺人。1985年以第一名的成绩毕业于巴黎音乐院，随即进入匈牙利钢琴大师桑德与佛莱雪的大师班继续钻研。1987年首度在法国唱片大展的音乐会上亮相，1988年在巴伦波因的安排下与巴黎管弦乐团合作演出，之后便展开一连串的世界巡迴，逐渐崭露头角。葛莉茉在十五岁时录下生平第一张专辑，到1992年共录制了五张专辑，之后即被华纳集团网罗，目前则是环球力捧的钢琴家。葛莉茉的触键果断有力，纤细的音乐感受性和独特的气质与魅力，一直受到亚洲乐迷，尤其是日本乐迷的特别喜爱。这些她年少时期的录音，技巧有着超乎年龄的成熟，音乐却质朴纯真、不假雕琢，值得爱乐者细细品尝，和现在的葛莉茉作一比较。

这张专辑是著名吉他演奏家大卫·罗素演奏巴赫的作品。对于专辑的选曲，大卫·罗素说：“巴赫作品中，有一些我非常喜欢的。我想根据我的爱好录制前奏曲、赋格以及快板、《恰空》、《第四鲁特组曲》。总是有我一直喜欢的作品，如果你喜欢的话，我想以我的方式和个人观点去演绎他们。” 大卫·罗素的音色可以说非常非常的干净，在这里使用再多几个“非常”可以说都不过份。在国内大卫·罗素的口碑相当好，不少吉他爱好者都很喜欢他的演奏，声音干净、技巧出众，在加上Telarc公司的发烧级录音，使得无论是在学习方面还是在资料收藏方面都很有价值。 但是不可否认，大卫·罗素的演奏在音乐性和乐曲的感觉上显得有些平淡，让人听起来没有什么激情，象喝白开水。在这张专辑中，大卫·罗素演奏的巴赫音色非常美妙，但似乎有点偏离了巴赫那种超脱凡尘的优雅。 从整体上来讲，大卫·罗素确实是一位非常优秀的吉他演奏家。

塞戈维亚是20世纪最具影响力的吉他大师。此前，吉他被认为是一种不登大雅之堂的民间乐器，充其量只能用作沙龙伴奏。塞戈维亚通过不懈努力，大大提升了吉他的地位，成为古典音乐大家庭中一个不可或缺的角色。塞戈维亚生于安达鲁西亚的哈因州，自幼被吉他美妙的音色所动，他不顾家人的反对，开始自学吉他。一开始他就显现出极高的艺术天分，以至于西班牙一位著名的小提琴大师力劝他改学小提琴，并保证他能一举成名。但是塞戈维亚说，小提琴在历史上也曾经为人漠视，正是通过一些小提琴大师的不懈努力小提琴才有了今天的地位，而我也要努力使吉他获得应有的地位。 这套录音共4张，既有小巧精致的舞曲、练习曲、小品，也有大部头的协奏曲，可以说覆盖了塞戈维亚演奏的大部分作品风格，正如专辑的标题《肖像》，听过这套专辑，你可以大体看到塞戈维亚的艺术面貌。1935-1958年的单声道录音，采用High-End级的混音，音质非常出色，琴箱的共鸣、手指擦弦的细微声音都纤毫毕现。演奏的位置离得不远不近，很合适；三频很均衡，声音柔美耐听。其实许多晚期的单声道录音，音质非常好，特别是对钢琴、吉他这些独奏乐器，对音场要求不高，而对于音质的细节，单声道录音反而能表现得更好。

这张3CD专辑是钢琴家埃德温·菲舍尔1933-1947年间的录音室录音全集，他与多支乐团合作，演奏莫扎特的五部《钢琴协奏曲》、《回旋曲》、《小步舞曲》、《幻想曲》、《浪漫曲》、《第10、11钢琴奏鸣曲》；海顿《D大调协奏曲》。埃德温·菲舍尔并不是一位手指技巧过硬、手指犹如机器般精确完美的钢琴家，也没有所罗门那种晶莹优美的音色。既不是技巧大师、也不是音色大师，那他的名望是建筑在什么之上的呢？我觉得是一种对音乐表情、气氛、情境的准确理解、表达，有一种类似人声叙说般的合理分句和生动“语气”——在富特文格勒的指挥艺术中，这也是很突出的一个特点。当我说到“类似人声”，并不是说类似人声歌唱的“优美歌唱性”（这也是一些演奏家的特长），而是指类似人声“宣叙”“朗诵”的语气。乐句的呼吸停顿、抑扬起伏，都有着合乎作品内容需要的语气，因此能借此塑造出作品的氛围、情境、艺术意境。所以聆听他的演奏（包括聆听施纳贝尔的演奏、富特文格勒的指挥等），要注意的是他如何塑造乐句。不要去特别关注那些技术细节，而要去注意大的乐句、大线条的语气和起伏。 埃德温·菲舍尔最好状态的录音，是1930年代。尽管他的硬技巧欠佳，但在某些情况下，他的发音之美几乎无人能及，展现了自由速度和音色变化的完美结合，演奏既表现出那种至深至高的探索，又完全不显得沉重。莫扎特的作品也是埃德温·菲舍尔所擅长的，他曾被描述为“为演奏莫扎特而生的钢琴家”，这3张CD中的精彩录音就证明了这一点。

这张专辑是米凯兰杰利分别与切利比达奇指挥的慕尼黑爱乐乐团、法国国家交响乐团、斯图加特广播交响乐团合作，演奏贝多芬、拉威尔、舒曼、格里格的四部《钢琴协奏曲》。专辑中的四个录音都是米凯兰杰利与切利比达奇的音乐会现场录音，两位当代的音乐大师在此闪耀出璀璨的光芒，让人叹为观止。

这套13CD合辑收录了钢琴家李赫特1960年在卡内基音乐厅演奏的现场录音。经过了半个世纪的等待，终于发行了李赫特于1960年在纽约卡内基音乐厅的全部六场独奏会录音，无疑是众多乐迷了解李赫特早期演奏艺术的绝佳机会。 坦白地说，称李赫特的访美音乐会为传奇的开端恐怕略有不妥，毕竟此时距离他的毕生首演已近二十年之久，而且李赫特的名声也已经传遍天下，在当时的社会主义国家中更是被奉若神明。然而，访美之行对于李赫特的演奏生涯而言是极大的转折点，正是凭借此行他成功被西方世界所接纳，不再是只闻其名不见其人。另一方面，从个人的演奏艺术来看，此时的李赫特尚未完全脱离其四五十年代的演奏风格，称其是开端也并不为过。故最终定下其题。

这套7CD专辑收录了钢琴家阿劳演奏的舒曼钢琴独奏作品。

这张专辑是小提琴家伊达·海恩德尔与芬兰指挥家贝尔格伦德率领的伯恩茅斯交响乐团合作，演奏西贝柳斯、沃尔顿的小提琴协奏曲。贝尔格伦德是诠释西贝柳斯作品的权威，他对北欧民族史诗的色彩感有最准确、最权威的把握，而他指挥伯恩茅斯交响乐团对西贝柳斯音乐的诠释，也能体现那种独特的较为冷峻的色彩感。 西贝柳斯《d小调小提琴协奏曲》作品47，是他的早期作品，完成于1903年。作曲家十分热爱芬兰的自然景色和古代诗人荷马的文学史诗，在这部协奏曲中，也自然而然地表露了这种感情。音乐主题热情奔放，富有浓厚的芬兰气息。乐曲充分发挥了独奏小提琴的演奏技巧和表现力，在乐队部分的写作上也发挥了交响特色。整个作品如一幅音画，栩栩如生。此曲民族风格浓郁、将诗意的抒情、宏伟的气魄和欢腾的舞蹈融为一体；同时由于西贝柳斯本人也是小提琴家，因此，此曲充分利用和发挥了小提琴的技巧和表现力。 威廉·沃尔顿《b小调小提琴协奏曲》完成于1939年。此曲在旋律上称得上是伟大的浪漫主义，以其绚丽多彩的弦乐使他成为真正大师的标志，其中第一乐章在结尾处，小提琴与长笛的交织部分堪称二十世纪最为优美的音乐之一。

这张专辑是指挥大师莱纳率领芝加哥交响乐团演绎法雅的作品。 如果说欧洲各国光彩夺目的西班牙作品让人感到炫目着迷，那么很多西班牙本国的音乐家肯定会觉得自己的文化遭到曲解。二十世纪之初的西班牙是一个多么落魄的国家：曾经称霸全球的殖民帝国，其海军舰队居然被年轻的美国在两天之内粉碎性摧毁；动荡的政局和贫穷落后的乡间，导致很多希望出人头地的艺术家和音乐家找不到自己的平台。法雅在成名之前不得不靠创作Zarzuela轻歌剧维持生计，其作品首演的时候管弦乐团居然只有一把小提琴，连单簧管都找不到，低音大提琴还是从隔壁酒馆里借回来的。要不是在法国巴黎结识了德彪西的话，他“永远都会湮灭在马德里酒吧里平庸的轻歌剧和钢琴私人家教课里，写出来的一堆Zarzuela轻歌剧只能塞在尘封的抽屉里”。不过，这位早年潦倒的作曲家后来取得的艺术成就远高于那些贩卖西班牙特色的音乐家。跟同时代的毕加索一样，法雅的艺术体现了当时西班牙这个国家的强烈矛盾：既处于欧洲最西端，却继承了厚重的东方文化；既是曾经最强盛发达的帝国，却沦为封闭荒蛮的偏远角落；既有虔诚内向的灵魂，内心深处却充满野性的澎湃。法雅文静内敛，是一个虔诚的天主教徒，但内心总要表达一种像斗牛士般野性的呐喊。 无论是《三角帽》还是《爱情魔发师》，法雅都避免过分滥情的浪漫主义风格，而是用一种类似于德彪西管弦乐素描的“轻描淡写”。他跟毕加索一起把西班牙的文化艺术推入欧洲现代主义的洪流，他的作品没有对过去的怀恋，也没有对未来的憧憬，而是客观地反映现在，用最原始粗狂的元素传达自己的声音。 莱纳的《西班牙》专辑是从西班牙本国作曲家的视觉审视西班牙自身。莱纳棒下的法雅作品黑沉、神秘、诡异，充满原始荒诞的色彩；担纲独唱的黑人女高音普莱斯不再是拥有金钻般声线的崇高戏剧女高音，而是略带嘶哑的神秘女人。此作品本来由钢琴独奏演绎，难度很大，但管弦乐版本比较难得稀有。如果说阿根塔的《西班牙》是一幅靓丽的风情画，那么莱纳的《西班牙》则是一幅具有张力的写实素描。

这套专辑是澳大利亚钢琴家乔伊斯1933年至1945年期间录制的独奏全集。专辑收录了三十几位作曲家的钢琴独奏作品和改编作品，涵盖巴洛克、古典派、浪漫派、印象派、现代派等风格，超过六个小时的录音。 乔伊斯是英国著名钢琴教育家托拜厄斯·马太（Tobias Matthay，1858-1945)的学生，她在1930-1933年跟随马太学习。马太1900年创办了自己的钢琴学校，实践和推广他的钢琴演奏技术理论和教学法。他在《触键的动作》一书中全面探讨了钢琴演奏与生理的关系，强调肌肉放松、前臂转动等理论。虽然引起各方面的争论，但他终究培养了不少著名钢琴家。他的教学法不仅在英国闻名，并传到欧洲和北美洲。