塘芽：寻找

《大峡谷》组曲是美国作曲家菲尔德·格罗菲的代表作，曲中描绘美国西南部科罗拉多大峡谷一天的景色。本组曲由 “日出”、“赤色沙漠”、“羊肠小道”、“日落”、“暴雨”五个乐章组成。大峡谷的景观仪态万千，一日数变。1920年，格罗菲想要把长久以来抓他心灵不放的大峡谷壮大景观写成一篇管弦乐作品。然而谱曲相当困难，再者乐团管弦乐编曲工作也繁忙，因此作曲工作一直被拖延。最后经过了10年的时间，直到1931年才完成了这部组曲。

草莓女主播nicole带你感受音乐里的心情。

这张专辑是基里尔·佩特伦科指挥柏林喜歌剧院管弦乐团，演奏约瑟夫·苏克《“死神阿兹拉伊尔”交响曲》。这是2004年现场演出的录音。 约瑟夫·苏克（Josef Suk，1874-1935）捷克作曲家、小提琴、中提琴演奏家。（捷克两个著名音乐家都叫这个名字，他们是祖孙，为了区分，一般把爷爷叫老苏克，孙子叫小苏克。）老苏克是安东·德沃夏克的学生和女婿。 1874年1月4日生于捷克的克来科维斯。早年从其父学习音乐。1885年入布拉格音乐学院学习小提琴和作曲。1892年夏毕业后又在学院停留多年，随德沃夏克学习室内乐和作曲，并成为其最得意的门生。同年他到德沃夏克在布拉格南部乡村维索加的别墅作客期间，与老师的女儿奥蒂丽娅深深相爱，并在1898年与她共结连理。 1891年苏克离开维索加后，即在无限思念和怀恋的心情下，创作了著名的小提琴独奏曲《小夜曲—爱之歌》，以寄托自己美好的回忆。因乐曲柔美而明朗，与他早前的一些情绪低沉、色彩黯淡的作品迥然不同。1894年12月25日他在布拉格音乐学院首次演奏这首曲子后，使他一举成名，奠定了他小提琴家和作曲家在捷克音乐史上的地位。 苏克的音乐生涯大致可分为3个部分，作为小提琴家，他是“捷克弦乐四重奏团”（初名为“波希米亚”）的创始人之一，并在1892-1933年间一直担任该乐队的第2小提琴手，演出了超过4,000场音乐会，曾到过许多国进行旅行访问和演出。他的演奏音色华美，表达含蓄、变化多端，演奏技巧极其丰富，以精湛的艺术表现力，将小提琴高贵典雅的气质发挥到了极致。1922年起任布拉格音乐学院作曲教授，后任院长。作为作曲家，他自《爱之歌》后就受到世人的注目。尽管他喜欢室内乐，但最受欢迎的还是他的管弦乐队作品。 苏克的第二交响曲《死神阿兹拉伊尔》是为悼念亡妻而作。1905年德沃夏克去世后不久，奥蒂丽娅也相继离去，这给他很大的打击。全曲情绪哀婉，富悲剧性。该部作品的创作几乎经过了30年，反映了他深刻的内心痛苦和斗争。而作为教育家，他曾培养了包括博胡斯拉夫·马蒂努在内的30多位著名作曲家。1935年5月29日，他在布拉格附近的贝内绍夫去世，享年61岁。

这张专辑是巴伦博伊姆指挥芝加哥交响乐团，演奏富特文格勒《第二交响曲》。巴伦博伊姆在指挥此曲时，展现了他对德奥音乐风格的深刻把握。富特文格勒作为20世纪最重要的指挥之一，以其内敛、深沉和富有表现力的指挥风格著称。巴伦博伊姆在演绎富特文格勒的《第二交响曲》时，继承并发展了这一风格，使作品在芝加哥交响乐团的演绎下焕发新的生命力。他在这个2001年指挥的版本中，通过细腻的节奏控制和情感表达，将作品的内在张力和哲学深度展现得淋漓尽致。这种指挥风格不仅体现了他对富特文格勒风格的深刻理解，也展现了他个人的艺术追求。 巴伦博伊姆的指挥风格深受富特文格勒的影响，但他也有自己的独特之处。他善于抓住作品的整体结构，忠实地再现作曲家的创作意图，同时在演奏中融入自己的艺术个性。在演奏富特文格勒的《第二交响曲》时，他通过缓慢的引子和第一主题的展开，营造出一种沉思冥想的氛围，使听众仿佛置身于一个充满哲思的世界。这种指挥风格不仅让作品更具表现力，也使芝加哥交响乐团在国际舞台上赢得了更高的声誉。 富特文格勒《e小调第二交响曲》作品36，于1944-1946年作于瑞士，是他创作生涯中最具代表性的作品之一。1948年2月22日在柏林由富特文格勒亲自指挥柏林爱乐乐团首演。此后，富特文格勒在1951年对这部作品进行了修订。 《第二交响曲》属于浪漫主义风格，使用标准的管弦乐队编制。富特文格勒在创作这部作品时，正处于第二次世界大战期间，这一时期对他的创作产生了深远的影响。他曾在多个场合表示，这部作品反映了他内心的挣扎与矛盾，同时也体现了他对音乐的深刻理解与表达。富特文格勒的诠释风格以情感丰富、结构严谨著称，他擅长通过音乐传达复杂的情感和思想。

一支充满人文关怀与烟火气息的音乐作品。 它，像是一针与内心和解的催化剂，一本“艾利之书”，是内心的巴比伦。 迷茫之际，每当音乐响起—— 就是世间最美好的时候，也是音乐载体藏在基因里的意义。 当音乐响起，时间驻足于片刻，徐徐道来的旋律结合悠扬宽广的声线唤醒耳膜，喷涌而来的炙热音符融化着冷寂。歌者仿佛落于市井街头，注视着来往路人的脸庞，拿出画笔清晰勾勒着众生画像和喜悲欢痛。致素昧平生的朋友、致路旁绽放的野花、致热泪盈眶的自己，句句唱白像平日里不经意流淌的暖风，贯彻心房。 音乐MV像一块“生肉”，以纪录片的形式呈现出一个个真实生活的视听影像，真实记录着城市中人们的生活——他们的喜怒哀乐，他们的所思所感所想。整支MV的情绪与情感在生活化场景的进行碰撞，温暖而治愈。 这首歌不是写给“一群人”，而是送给所有人。 当音乐响起，灵魂在诉说，孤独终相聚。

这张专辑是捷克著名指挥家卡雷尔·安切尔的录音精选辑。 卡雷尔·安切尔（Karel Ancerl，1908年4月11日-1973年7月3日）伟大的捷克浪漫主义指挥大师。安切尔以他对音乐的理解营造出了独特的音乐效果，并将这些效果应用到他所指挥的交响乐团中；他特别擅长利用戏剧的情节插入来增强大型作品的韵律，从而让人感受到音乐中永无止境的魅力。 专辑中的雅纳切克《塔拉斯·布鲁巴》，几乎没有任何杂音。从各种独奏乐器柔和甜美的音色中可得知这是一套杰出的立体声录音。听《奥斯塔普之死》（第7首）小提琴冰清玉洁的天音和竖琴不断重复的伴奏。 安切尔还录制了诺伐克的《斯拉夫舞曲》，制片人斯蒂芬·赖特和约翰·帕特里克选择了超凡脱俗的《在塔特拉山》。安切尔在选曲上大胆创新。诺伐克通常被视为是塔里赫的领地。尽管安切尔曾师从塔里赫，就象汉德雷向博尔特学习一样，但这仍然是勇敢的一步。 克雷吉的《小夜曲》是为乐队创作的。这部写于1950年的三乐章作品充满了细腻的独奏和外乐章嘲讽的动机，这使它成了米约（《房顶上的公牛》），肖斯塔科维奇（《第一钢琴协奏曲》），哈恰图良（《假面舞会》），改良后的罗西尼甚至伯恩斯坦的捷克同类。中乐章的行板是段宁静动人的间奏。安切尔还录制过克雷吉的《第二交响曲》。 安切尔的马替努《第五交响曲》是在1968年他迁往多伦多之后的两年录制的。前苏联对捷克斯洛伐克的入侵与杜布切克改革试验的结束坚定了他离开的决心。安切尔的前任是小泽征尔，继任是安德鲁·戴维斯。他于当年1月与多伦多交响乐团签约。他原打算在多伦多和布拉格同时任职，但前苏联8月份的入侵使他的计划泡汤了。能拥有安切尔的马替努第五立体声录音是件幸运的事，它具有其所有的优点——欢快热忱，节奏分秒不差。 《伏尔塔瓦河》的录音每一分钟都得到了优雅的润色或加强。安切尔的演奏速度不快，但充满耐心和诗情画意。在“乡村婚礼”的插曲中，你可以从维也纳乐队的演奏中听到斯特劳斯般的泛音。 安切尔的德沃夏克《第八交响曲》是与音乐厅管弦乐团的实况演出录音。欢快活泼，象勃拉姆斯《第三交响曲》一样充满秋天的气息。优美的快板中温暖的微笑与歌唱烘托出一种类似于斯拉夫舞曲的情调。

这张专辑是叶甫根尼·斯威特兰诺夫指挥苏联国家交响乐团，演奏米利·巴拉基列夫的两部《交响曲》、《交响诗》及《序曲》。 米利·巴拉基列夫（Mily Balakirev，1837.1.2-1910.5.29）俄国作曲家。青年时代与爱国主义作曲家格林卡相遇并深受其影响。他本人后来则成为居伊、穆索尔斯基的良师益友。1861～1862年他们的组合中又增加了两位成员，鲍罗丁和里姆斯基-柯萨科夫，形成了“五人团”（即“五人强力集团” ）。巴拉基列夫的音乐绚丽多彩且富想像力，采用了很多民间音乐的主题，或许可称之为最具影响力的俄国民族主义的推崇者。 俄罗斯“五人强力集团” 又称”五人团”、”新俄罗斯乐派”、”巴拉基列夫小组”。指由巴拉基列夫、穆索尔斯基、里姆斯基·科萨科夫、鲍罗丁、居伊等五位俄罗斯作曲家与艺术评论家斯塔索夫组成的作曲家社团。（所以严格来说应该是六人）形成于1856-1861年。以发扬和促进俄罗斯民族音乐为宗旨。强力集团成员的艺术思想受革命民主主义者车尔尼雪夫斯基等人影响较大。强力集团继格林卡之后，为俄罗斯民族音乐的进一步发展作出了贡献。 强力集团的作品多取材于俄国的历史、人民生活、民间传说或文学名著，并从民歌中汲取养料，在音乐语言和表现方法上进行了大胆的革新。穆索尔斯基的歌剧《鲍里斯·戈都诺夫》，交响诗《荒山之夜》、钢琴组曲《图画展览会》；里姆斯基·科萨科夫的交响组曲《天方夜谭》、管弦乐曲《西班牙随想曲》；鲍罗廷的歌剧《伊戈尔王子》、交响诗《在中亚细亚草原上》；巴拉基列夫的交响诗《塔玛拉》；居伊的器乐曲《东方曲》为强力集团的代表作。 里亚朵夫、格拉祖诺夫、伊波里托夫·伊凡诺夫、德彪西、拉威尔、斯特拉文斯基以及莱斯庇基等著名作曲家均受到强力集团的较大影响。强力集团为东欧及世界各国近现代民族乐派的开端，对俄国和世界各国的音乐创作产生了积极的推动作用。

《放不开》写的是一段感情结束后仍然爱着对方，以便说是过了多长时间还是放不开。但是在每一段感情结束之后，就算我们多么放不开对方，他／她总有一天还是会离开。希望这首歌能安慰每一个在感情中受伤的人，也希望你们会坚强渡过这一段时间，然后勇敢地放开前一段感情，向更好的另一段前进。

这张专辑收录了威尔海姆·肯普夫的演奏录音，包括舒伯特、贝多芬、莫扎特、勃拉姆斯、舒曼、福雷的钢琴作品。 莫扎特1776年完成的《第八钢琴协奏曲》K246。就像布伦德尔在评论《A大调第二十三钢琴协奏曲》所说的，1990年代已经听不到这样的莫扎特了；整部曲子听来就是那么简单、顺畅，完全不在谱面上添加任何东西，而可能是莫扎特拿来做为教材的《第八钢琴协奏曲》K.246，更不是一部要让人产生窥探他往后协奏曲创作风格用意的作品。肯普夫完美地以无忧、精力充沛的方式来诠释这部作品。与听众分享他所喜爱莫扎特作品中高贵、优雅与幽默。《第八钢琴协奏曲》与《第二十三钢琴协奏曲》同样与指挥莱特纳合作。 莫扎特改编自葛路克歌剧的主题与变奏录音有另一个故事。首先，1783的莫扎特已经进入创作成熟期阶段，他喜欢站在听众面前，喜欢为他们即兴演出。据说这首曲子是莫扎特是在音乐会上即兴演奏后立刻写下的作品。当时年近七十的葛路克是是歌剧界大佬，他在1783年参加莫扎特在维也纳的两场音乐会，莫札特于其中一场音乐会中即兴以这首作品做为这位贵客的颂歌。这是一首可爱且旋律匀称的作品，但是莫扎特让它的内容更丰富而且更适于以钢琴来演奏，音乐也传达出莫扎特当时的快乐。故事到此为止。肯普夫的确抓住莫扎特作品中兴奋与在群众面前演出的歌声，这是他在1956年的现场录音。对肯普夫来说，这首快乐的小曲与第八或第二十三钢琴协奏曲完全不同，或许肯普夫的表现稍微鲁莽了些，但是那种精力充沛而又带点冒险性的感觉却是在录音中听不到。 无论是在录音室或音乐厅里，贝多芬当然是肯普夫生命：他第一次录音的曲目就是贝多芬的钢琴小曲（现在似乎已经没有任何唱片存在），他在不同的时间陆续录制贝多芬钢琴奏鸣曲（两次）与五首钢琴协奏曲（也是两次），和傅尼叶、梅纽因也留下珍贵的室内乐录音。这里选出的两首钢琴奏鸣曲：第二号、第十一号表现出肯普夫最好的一面。肯普夫的演奏爽朗明快而且抒情，每个音符都恰如其份，有人赞美他不在音乐里加入过多个人情感或物质上的负荷，他从生活与个性上得到灵感，让经常被忽略的《第十一钢琴奏鸣曲》出现优美自然的音乐语言。

“愿你快乐、自由，当想起自己年龄的时候，会感谢岁月给你的一切。 无论何时，年华都盛开”---盛开的年华，你和文字、音乐的再次相遇。 很高兴在茫茫人海中，你，能听见我!