档次车载震撼HOUSE 2

音乐分享类节目。红枫林下，聆听最美的声音。 WX：爱晚FM 投稿:aiwanfm@163.com

这张专辑是指挥大师切利比达奇率领瑞典广播交响乐团，演奏西贝柳斯《第二、五交响曲》。分别是1965年、1971年的现场录音。切利比达克以“慢、沉、厚”的指挥风格闻名，对西贝柳斯的演绎极具个人特色。 《D大调第二交响曲》作品43，作于1900年到1902年之间，是西贝柳斯交响曲作品中最流行的一部。此曲不但继承了先人的传统，也明显地体现出西贝柳斯的个性。这个版本虽然是单声道录音，但现场的张力与铜管段落的冲击力依然震撼。切利比达克弱化了西贝柳斯常被强调的 “民族浪漫主义” 激情，转而突出作品的史诗感与结构张力，终章的铜管段落被演绎得庄重而宏大。 《降E大调第五交响曲》作品82，作于西贝柳斯创作的成熟时期，完稿于1915年，1916年修改，1919年大部分重写，是受到充分重视并且经过精雕细琢的作品，能够很好地体现西贝柳斯在交响曲这一领域的创作特征。这个版本立体声录音的优势让乐团的层次更清晰。切利比达克以极缓的节奏铺陈作品的空间感，尤其是末乐章 “天鹅颂” 段落，被赋予了近乎冥想般的宁静与力量，弱化了传统演绎中的激昂，强化了北欧的冷峻与深邃。

这张专辑是米凯兰杰利分别与切利比达克指挥的慕尼黑爱乐乐团、法国国家交响乐团、斯图加特广播交响乐团合作，演奏贝多芬、拉威尔、舒曼、格里格的四部《钢琴协奏曲》。专辑中的四个录音都是米凯兰杰利与切利比达克的音乐会现场录音，两位当代的音乐大师在此闪耀出璀璨的光芒，让人叹为观止。 拉威尔《G大调钢琴协奏曲》（1992年4月现场）米凯兰杰利晚年诠释拉威尔的标杆现场，冷冽剔透的钢琴音色完美贴合拉威尔精致、带爵士风情的笔法；切利比达克放缓管弦线条，弱化炫技浮夸感，突出作品内敛诗意。 舒曼《a小调钢琴协奏曲》（1992年10月现场）舒曼协奏曲录音里罕见的慢速度版本，切利把乐队织体铺得极宽，米凯兰杰利弱化浪漫宣泄，以克制、纯净的音色呈现舒曼内敛温柔的抒情内核，是极具个人风格的演绎。 贝多芬《第五钢琴协奏曲》（1974年10月16日立体声现场）这套录音中最受乐迷推崇的版本。切利比达克大幅拉伸乐队篇幅，厚重肃穆的管弦铺垫史诗氛围；米凯兰杰利的钢琴音色如白银般清亮，平衡力量与典雅，摒弃常见的火爆炫技，偏向沉静、崇高的哲思气质。 格里格《a小调钢琴协奏曲》、小品《摇篮》（1972年10月28日单声道广播录音）专辑中唯一单声道录音，源自西德广播原始磁带。格里格协奏曲演绎充满北欧清冷氛围感，乐队层次柔和朦胧；末尾附加短小抒情小品，是此场音乐会的真实加演，还原完整现场流程，史料价值极高。 米凯兰杰利与切利比达克合作的协奏曲录音散落在各地广播档案，Memories是少数获得授权整合发行的厂牌；其中1992年慕尼黑两场是钢琴家晚年晚期音乐会，状态成熟稳定，市面流通极少。两位艺术家都以反主流速度、极致细腻闻名，米凯兰杰利的钢琴演奏音色克制、精准，拒绝过度煽情；切利比达克指挥下的管弦拉宽乐句，挖掘和声细微色彩；四部协奏曲全部跳出市面主流演绎的快节奏炫技路线，走沉静、内省、氛围感路线，风格辨识度极强。 这些录音跨度20年（1972-1992），覆盖米凯兰杰利中年到晚年的演奏变化，同时集齐德奥、法国、北欧浪漫主义四大代表性钢琴协奏曲，曲目编排完整均衡。无录音室后期修饰，保留音乐厅自然残响、细微现场气息；单声道格里格虽频宽不及立体声，但广播原始母带底噪控制良好，人声、乐器层次依然清晰。

这张专辑是艾拉·费兹杰拉德1971年欧洲巡演尼斯站的现场实况，当时她54岁，正处于演唱技艺、气息控制、即兴语感完全成熟的黄金阶段。法国歌迷向来极度追捧Ella，当晚剧场氛围热烈松弛，让她敢于做大量高难度即兴发挥，是业内公认Ella顶级现场录音代表作之一。制作人Norman Granz完整捕捉了整场演出无剪辑实录，没有后期修音，完整保留现场临场感、即兴互动与观众氛围。1990年Fantasy完整数字重制，修复现场声场，保留剧院自然混响，无降噪失真，是爵士现场收藏必入碟，被列为Ella五大现场专辑之一。 艾拉对声音的掌控力登峰造极，哪怕临时突发大跨度音程跳跃也稳如磐石；分句、换气、即兴加花极度大胆，却不破坏歌词情感；摇摆律动足以带动听众起舞，抒情段落又能催人落泪。Bing Crosby评价：“无论男女老少，Ella都是史上最伟大的歌者”，这句评语正是这张现场最贴切注解。 一张专辑集齐三类爵士核心曲目：1、美国经典音乐剧标准曲（Cole Porter、格什温）；2、艾灵顿公爵大乐队摇摆名作；3、巴萨诺瓦拉丁爵士+当代流行改编（披头士、卡朋特）完整展现Ella全能的演唱范围，没有风格短板。Tommy Flanagan三重奏伴奏克制且富有弹性，完全衬托人声，留白恰到好处；贝斯与鼓的律动给Ella充足即兴空间，人声与器乐互动浑然一体，是爵士人声三重奏的经典范本。 这是艾拉·费兹杰拉德中年巅峰期的现场缩影，既有教科书级的即兴scat、摇摆律动，又有细腻动人的抒情叙事，同时横跨传统爵士、拉丁、流行多元曲风，乐队配合炉火纯青，现场氛围鲜活真实。不管是入门歌迷了解Ella的全能实力，还是资深爵士爱好者收藏顶级现场录音，这张尼斯实况都是无可替代的经典。

这套合辑收录了钢琴家范·克莱本1958-1962年间的演奏录音，曲目包括贝多芬《热情奏鸣曲》、李斯特《b小调奏鸣曲》、莫扎特《C大调奏鸣曲》、普罗科菲耶夫《第六钢琴奏鸣曲》、李斯特《第12号匈牙利狂想曲》、肖邦《第三叙事曲》、《第三谐谑曲》和几首练习曲、幻想曲、波兰舞曲、夜曲、圆舞曲等；并与康德拉辛、莱纳等著名指挥家合作，演奏柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》、勃拉姆斯《第二钢琴协奏曲》、拉赫玛尼诺夫《第二、三钢琴协奏曲》、贝多芬《第五钢琴协奏曲》、舒曼《a小调钢琴协奏曲》、普罗科菲耶夫《第三钢琴协奏曲》、麦克道威尔《第二钢琴协奏曲》。 1958年，年仅24岁的范·克莱本参加原苏联莫斯科柴科夫斯基国际钢琴比赛，获一等奖，蜚声国际乐坛。因为他是在苏联发射第一颗人造卫星后，第一个美国人在苏联获得如此巨大的成就，因而成为美国的宠儿，在他回到纽约时，像凯旋归来的英雄一样，受到市民的夹道欢迎和总统接见。 范·克莱本在青年时期就掌握了扎实的演奏技巧，具有简朴热情的演奏风格，在他演奏的黄金时期，有着高妙无瑕的技术、如诉如歌的音色和出神入化的音乐表现力，擅长演奏浪漫派的作品。1962年，在德克萨斯州沃恩堡创立了以他名字命名的范·克莱本国际钢琴比赛。 遗憾的是，到1960年代中期，他的演奏没有进一步的发展和提高，失去了新鲜感，往往单凭直觉而又矫揉造作，声音也变得粗糙，他本人的演奏，似乎只是昙花一现，已成了历史陈迹。 这套合辑录制于范·克莱本获奖后的四年期间，正是他演奏生涯最辉煌的时期，与他合作的指挥大师和著名乐团，也非常出彩。

这张专辑是钢琴家李赫特1977年8月在萨尔茨堡音乐节演出的现场录音。曲目包括贝多芬《可爱的行板》、肖邦《圆舞曲》、《谐谑曲》、《船歌》、德彪西《贝加马斯克组曲》、《版画集》。 贝多芬《可爱的行板》WoO 57是他的得意之作，经常在社交性的音乐会中演奏，标题也是他亲自命名的。原准备当作《华伦斯坦奏鸣曲》的第二乐章，后因《华伦斯坦》先用了慢板，这首《可爱的行板》就成为独立乐曲。乐曲采用回旋曲式，结构为：A-B-A-C-A-尾奏。主题是用缓慢的F大调，以优美的、十分动人地奏出。 德彪西《贝加马斯克组曲》作于1890年。由《前奏曲》、《小步舞曲》、《月光》和采用法国传统曲音调注入崭新气息的《巴斯比舞曲》四个乐章组成，当中以《月光》最为出名，令德彪西名满天下，在宁静温柔的乐声中，仿佛能见到月光在湖面上荡漾，而那流动的瑟音，则带领着听众轻轻悠游。这个曼妙的乐音，至今还令无数的人们着迷不已，不但是印象音乐中精湛的作品，更是流行文化媒体的爱用配乐。 钢琴套曲《版画集》作于1903年，正是德彪西创作精力旺盛的时期，由《塔》、《格拉纳达之夜》和《雨中花园》三首以不同国家地区作为背景的乐曲组成。这部作品是被看作是印象主义流派中具有里程碑意义的代表作品，德彪西在作品中用很多之前从未有过的手法，进行了大胆的革新，使之具备了典型的印象主义特征，这种大胆的创新和独特思维呈现出的奇特的艺术效果，奠定了德彪西在印象派钢琴音乐中的地位，为后来的钢琴创作产生了深远的影响。

这张专辑是指挥大师多拉蒂率领伦敦交响乐团，演奏斯特拉文斯基的管弦乐曲《焰火》、芭蕾舞剧《火鸟》、交响诗《夜莺之歌》等名作。这是最为著名的发烧录音之一。《火鸟》虽然已是30年前的录音，但其音效仍会让现在的许多录音黯然失色，它不但曾是TAS榜上发烧片，演奏更是无懈可击。《夜莺之歌》录音同样杰出，演奏敏锐、扣人心弦，其他短曲也表现得生动活泼。这是一张不买必定终生遗憾的唱片。《企鹅唱片指南》评价三星带花。 《HiFi音响》多拉蒂的斯特拉文斯基芭蕾乐演译，固然够狠够劲；然而他指挥的这些音乐还有一个共通点，就是形象极鲜明，角色栩栩如生，呼之欲出。比较他在Mercury和Decca两个不同时期的《火鸟》录音，基本概念没变。壮年的多拉蒂更狂放，去得更尽；这样有个性的演出，恐怕今日的指挥家是畏于造次了。乐队准绳度方面，伦敦交响和底特律交响都表现优异；乐团表情变化幅度之大，不得不写个“服”字。个别乐器独奏乐句是另一位亚杜——Dutoit处理得精巧些，不过Dorati把故事的张力保持得更紧凑，布局更戏剧化。

这套专辑收录了传奇钢琴家布鲁斯·亨格福德的代表性演奏录音，包括贝多芬的“悲怆”、“月光”、“暴风雨”、“黎明”等8部钢琴奏鸣曲、第四钢琴协奏曲、舒伯特的奏鸣曲和幻想曲以及勃拉姆斯、肖邦的几首作品。 早逝的澳大利亚钢琴家Bruce Hungerford演奏的8首贝多芬钢琴奏鸣曲，我原本是提不起兴趣的，因为我完全不了解他，而且我也不相信澳大利亚能出什么大师，因为那里实在缺乏深厚的土壤。然而哥们提醒我说，他是Ignaz Friedman的弟子，这让我一震，因为我是知道大神弗里德曼确实很早就移居澳洲了，记得我当时点开这套录音，《悲怆》与《月光》实在是被演奏太多的曲目，我感觉Bruce Hungerford的演奏非常的快速而且精确，是德奥风格的演出，但是总觉得缺少了一些感情，过于冷峻了。 然而这一印象在《暴风雨》中完全打破了，他的音色开始变暖，开始充满感情。《华尔斯坦》里，他的开头依然弹的飞快而且结构清晰，与古尔达的风格完全一致，从第二乐章开始，音色又再次转暖，充满感情。我逐渐明白，他是一位技巧无懈可击，强调对比，而且非常注重乐曲架构的钢琴家。于是我开始听他的最后三首钢琴奏鸣曲，我知道这是真正的试金石。 当时听罢，我已知道，这是可以与鲁道夫塞尔金，威廉肯普夫，弗里德里希古尔达一个级别的贝多芬演奏大师，而且他的情感不是耽溺出来的，而是倾泻出来的，用一种完美的技巧来表达的。在贝多芬晚期最完美的几个慢板里，他缓缓弹出了深沉的意味，这是总结性的演出，这是晚期贝多芬想说的话，他竟都懂了。

这套10CD合辑是德国管风琴家赫尔姆特·瓦尔哈为了纪念巴赫离世200周年而录制的。在那个年代，要完成这样一个令人惊讶、雄心勃勃的计划需要很大的魄力。这一计划由于日新月异的录音技术发展而多次中断和延期（从早期的胶盘到寿命更长的单声道录音，以及立体声录音）。瓦尔哈对于传统乐器演奏方面具有很强的实力，完全胜任这个录音计划。 其实，第一批录音早在1947年8月份就已完成。那是在刚刚结束的世界大战之后以及货币政策改革之前那段非常艰难的时期进行的，所用的乐器是吕贝克城一架小小的圣－雅克比教堂的管风琴。别看雅克比那里的管风琴教堂建筑虽小，但却是早期德国最为著名的场所之一。这一批录音的成功使大家产生了录制巴赫管风琴作品全集的决定。当然，这并不是试图在吕贝克完成全部的录音，虽然吕贝克管风琴的原始音色非常优美，但年久月深的管风琴踏板会产生很不合谐的声音、短八度音节的表现大打折扣，况且越来越嘈杂的交通噪音干扰使在那里的录音变得更加困难。 后来，在德国北部寻找另外的早期乐器，期间瓦尔哈发现要演奏巴赫键盘练习曲第三部分“较小”的圣咏前奏曲，需要借助跨八度音阶与升C大调所有的半音，而这个任务似乎只有不来梅附近，卡佩尔市的Arp Schnitger管风琴可以胜任。这架管风琴本来是为汉堡的圣－约翰尼斯教堂所造，拿破仑时代（大约1816年）从汉堡调配到这里。经过保罗歌剧院的戈廷根工匠修复，管风琴终于调配到可以演奏的状态。后来，瓦尔哈的录音面世后，这架饱经风霜的管风琴又成为世界闻名的乐器，因此，在1950年6月和1952年9月陆续用卡佩尔的这架管风琴录制和完成了一系列巴赫管风琴作品，而且，原先用鲁贝克管风琴所录制的作品又重新在此录制。 瓦尔哈对巴赫作品的诠释始终如一。无容置疑，瓦尔哈拥有着非常人所能把握的超常音乐感知力，在炫技乐章，年轻的瓦尔哈时而演绎得无拘无束，时而又突出器乐过渡间的人声演绎。这些录音融合了巴赫作品所终生贯穿的艺术与精神精华。与此同时，它们也翻开了录音历史上新的一页，这些始终会与瓦尔哈的名字相连，即使是模拟录音，也无法掩盖瓦尔哈对巴赫的完美演绎。

这张专辑是古典吉他演奏家陈佳迎2017年7月录制的，由她的父亲、古典吉他教授陈志任录音监制。专辑是古典音乐录音师、音乐制作人刘达制作，联合制作人张春一强强联手，打造的古典吉他发烧专辑。专辑全部采用HIRES高清格式录制制作，审听硬件采用VIBRATO高清播放系统。专辑曲目包含古典吉他不朽之作《爱的罗曼史》、中国经典作品改编《梁祝》、《掀起你的盖头来》，以及意大利著名作曲家多明尼康尼献给陈志教授，象征中西文化交流之桥寓意的《鹊桥》等。将中西方音乐放在同一张专辑中，使专辑曲风更加丰富、更具欣赏性。初听时，一阵扑面而来的轮指奏法便如秋风一般拂过心间，你会体会到珠落玉盘的忧伤，偶尔的低婉后，吉他又会如歌般激烈铿锵，如万马奔腾，表现力之强让人惊叹。