Instrumental 2020

斯卡拉蒂一生中共作有550余首键盘奏鸣曲，这些奏鸣曲大多是单一乐章，二段式，前后两半部都要反复，篇幅短小，但都有丰富的内涵。这些奏鸣曲旨在拓展链盘乐器的表现能力，其水准可与巴赫晚期作品媲美。斯卡拉蒂在音乐史上的贡献在于对键盘乐技巧的革新，他引入许多新技巧，在西班牙创作的550首单乐章奏鸣曲既是练习曲又是预示着奏鸣曲形式的革命性作品。

这张专辑是菲利普之友合奏团演奏弗朗切斯科·曼弗雷蒂尼的十二部大协奏曲。“菲利普之友合奏团”的名字反映了它的目的，即推广和演奏启蒙时代的音乐，尤其是巴赫那些伟大儿子的音乐。法语是弗雷德里克二世宫廷中使用的主要语言，国王更喜欢法语而不是德语。羽管键琴家、钢琴家卢德格尔·雷米（Ludger Remy）在1992年与他朋友圈的音乐家们一起建立了这个合奏团。成员们不定期地聚在一起进行研究，对巴赫、类似风格的作曲家和他同时代人的音乐进行长期而深入的学术和艺术准备。所有成员都是音乐家，来自许多国家（德国、苏格兰、瑞士、意大利、阿根廷等)。合奏团的规模从室内合奏团到更大的管弦乐团不等，这取决于演奏的音乐。 弗朗切斯科·奥诺弗利奥·曼弗雷蒂尼（Francesco Onofrio Manfredini，1684-1762）意大利作曲家，生于弗洛伦撒附近的皮斯托亚（Pistoia）。父亲是一位长号演奏家。他最初在博罗格纳师从朱塞佩·托雷利（Giuseppe Torelli）学习小提琴，而后者正是大协奏曲发展史中的一位重要人物，曼弗雷蒂尼的作品从这位良师那里获益匪浅。曼弗雷蒂尼还向加科莫·安东尼奥·佩尔蒂（Giacomo Antonio Perdi）学习作曲。 1700年之前，曼弗雷蒂尼在费拉拉的圣·斯皮利托教堂任小提琴手，1704年返回博罗格纳，并成为爱乐协会的成员，同年，他的室内乐作品开始出版。1711年，他曾在摩纳哥王储安图瓦纳（Antoine）处供职，后者后来成为曼弗雷蒂尼儿子的教父。曼弗雷蒂尼为两把小提琴与通奏低音所写的作品第3号十二部大协奏曲（这张专辑中的曲目），即为这位统治者而作。这些作品展示出他是一位出色的能工巧匠，是十八世纪意大利作曲学派主流作品中的佳作。1727年，曼弗雷蒂尼返回成为皮斯托亚，并成为大教堂的音乐指导直至逝世。曼弗雷蒂尼的许多作品在他逝世后遗失，目前只幸存有已出版的43部作品以及部分手稿。

这套6CD专辑收录了小提琴大师耶胡迪·梅纽因演奏的100首作品，包括巴洛克时期、古典时期、浪漫主义时期直至现代音乐的各种类型作品。 耶胡迪·梅纽因（Yehudi Menuhin，1916－1999），美国小提琴家，犹太人。在他漫长的演奏生涯中，梅纽因演奏几乎囊括从古典到现代的所有小提琴曲目，被称为小提琴音乐“权威的诠释者”。梅纽因1929年首次在德国担任音乐会指挥，著名物理学家爱因斯坦走到后台激动地拥抱他，发出了那句著名的感叹：“现在我知道天堂里有上帝了。”此后定期来到柏林交响乐团担任音乐会指挥。柏林交响乐团指挥埃尔马·魏因加滕今天说：“梅纽因是第二次世界大战结束以后第一位伸出和解之手的伟大的犹太艺术家。” 晚年的梅纽因主要是作为指挥家活跃在舞台上的，但他还同时致力于教育。60年代他在英格兰建立的耶胡迪·梅纽因学校成了天才音乐家的摇篮。

这张专辑是鲍罗丁四重奏团演奏肖斯塔科维奇的三部室内乐作品。

这套合辑是加拿大钢琴家安吉拉·休伊特2010年发行的巴赫全套键盘作品（其中的平均律是2008年录制的新版本）。安吉拉被称为“能决定巴赫钢琴演奏未来风格的”钢琴家，《立体声爱好者》杂志曾经说，她是定义巴赫的钢琴家。从1985年获得多伦多巴赫国际钢琴比赛以来，安吉拉就一直在演奏巴赫的键盘作品，2006年，她获得了“留声机年度艺术家”大奖。 安吉拉的父亲是著名管风琴家戈德弗雷·休伊特，他也是巴赫演奏专家。母亲是钢琴老师，也是安吉拉的启蒙老师。虽然4岁她就接到音乐会邀请，但父亲没有急于让她登台。到9岁时，她举行了第一场音乐会，10岁开始与乐团合作演出。在法国钢琴老师让-保罗·塞韦拉的指引下，安吉拉16岁便开始演奏《哥德堡变奏曲》。从17岁到26岁，安吉拉参加了许多比赛。1985年她获得多伦多巴赫比赛第一名，虽然奖金不多，但是她却能够获得25场音乐会演出，以及与DG公司录制一张唱片的机会。1986年《留声机》评论说：“如果所有钢琴家演奏巴赫都有这样的灵气、敏感、纯粹的音乐性，那么人们就无法找到挑剔的借口。”

这套5CD合辑收录了指挥家约瑟夫·克里普斯与伦敦交响乐团、维也纳爱乐乐团合作，1950-1958年间的演奏录音。包括莫扎特、勃拉姆斯、舒伯特、舒曼、柴科夫斯基、海顿、门德尔松的著名交响乐作品，以及德沃夏克的大提琴协奏曲。 约瑟夫·克里普斯（Josef Krips，1902-1974）奥地利指挥家。以擅长指挥贝多芬和莫扎特作品著称。在家乡维也纳学习音乐，1921年在维也纳民族歌剧院开始其职业生涯。1933-1938年和1945-1950年先后两次担任维也纳国家歌剧院指挥。1950-1953年和1954-1963年相继担任伦敦交响乐团和布法罗爱乐乐团指挥。1963-1970年担任旧金山交响乐团音乐总监。在他的职业生涯中，曾多次到欧美管弦乐团担任客座指挥。 由于受到早年技术条件的限制，约瑟夫·克里普斯留下的录音并不多。一般认为，他的指挥风格相对保守而典雅，其棒下的德奥作品显得原汁原味。

这张专辑是钢琴家古尔德演奏巴赫的《二部创意曲》、《三部创意曲》。古尔德的演奏一如他的风格，个性十足，有些篇章奇快无比的速度（二部第13首），然而他的声部无比的清晰、节奏完美平衡，结构美学显露无疑，混响很少，让我们感受到他的音色干净、简洁、纯朴，没有修饰，直达内心。

出生于1969年的法国女钢琴家海伦·葛莉茉，是目前乐坛上炙手可热的新生代艺人。1985年以第一名的成绩毕业于巴黎音乐院，随即进入匈牙利钢琴大师桑德与佛莱雪的大师班继续钻研。1987年首度在法国唱片大展的音乐会上亮相，1988年在巴伦波因的安排下与巴黎管弦乐团合作演出，之后便展开一连串的世界巡迴，逐渐崭露头角。葛莉茉在十五岁时录下生平第一张专辑，到1992年共录制了五张专辑，之后即被华纳集团网罗，目前则是环球力捧的钢琴家。葛莉茉的触键果断有力，纤细的音乐感受性和独特的气质与魅力，一直受到亚洲乐迷，尤其是日本乐迷的特别喜爱。这些她年少时期的录音，技巧有着超乎年龄的成熟，音乐却质朴纯真、不假雕琢，值得爱乐者细细品尝，和现在的葛莉茉作一比较。

这张专辑收录了内田光子的演奏录音，包括莫扎特、德彪西、勋伯格的钢琴作品。 内田光子（Mitsuko Uchida，1948年12月20日-）日裔英国钢琴家。她的演奏风格着重表达内心而非炫人的技巧，以诠释莫扎特作品闻名，被公认为“莫扎特专家”。从1980年开始，内田光子灌录的莫扎特钢琴奏鸣曲集便受到相当高度的瞩目，并且屡次赢得多项专业唱片评鉴的肯定。 内田光子的风格强烈但是又不曾矫枉过正，也没有忽略莫扎特乐里的浪漫精神，《狩猎》奏鸣曲就是最好的例子。在这部奏鸣曲中，内田光子重视主题发音清晰的程度远超过柔美的音色或技巧表现，《b小调慢板》也不会过份沉重与严肃。内田光子与晚年的阿劳一样，他们都在不减损丰富表情的前题下，让音乐平顺流畅而且单纯的歌唱着。不过，这套专辑最受瞩目的应该是莫扎特在1787年完成的《a小调回旋曲》。内田光子的演奏严谨清晰而且结构精确，甚至一开始稍嫌平庸的乐段都很有说服力。内田光子在每一小节都弹奏出适合钢琴的灿烂音色，让听过的人永远难以忘怀。这首回旋曲或许可说是从施纳贝尔1946年的录音以来最动人的演出。 《朱侬》钢琴协奏曲是莫扎特二十一岁(1777年1月)为法国女钢琴家拜访萨尔兹堡而写作品，也是内田光子1990年莫扎特系列最后几首协奏曲的录音。协奏曲的录音效果确实与独奏曲一样令人神魂颠倒而且具说服力。它的色彩与气氛相当丰富，独奏部份有如空气般的轻盈飘逸，演出精湛完美而且有一统性。在泰特充分配合内田光子演奏内涵的指挥陪衬下，这些特色都得以确实发挥。 其它作曲家方面，内田光子最辉煌的成果或许该算是1989年录制的德彪西十二首练习曲。这十二首练习曲平均分成上下两册，根据训练目的而冠上《为五只手指》、《为第三只手指》、《为和弦》等标题，曲风接近车尔尼、肖邦的练习曲。内田光子对乐曲的理解几乎是个奇迹。阿劳曾说，任何诠释最基本的是要赋予乐曲的结构意义，然后再根据这个架构来发挥。就我所感，这十二首练习曲从来没有被弹得像内田光子的诠释般高超精确而且易如反掌。随着表面上轻松自如的音乐，内田光子以她独一无二的见解，带出作品每一个主题、乐句的“内在价值”。这部德彪西成熟时期的作品常被弹得过度“抽象”、吃力与笨拙，甚至许多著名钢琴家的录音都是如此。在内田光子手中，她以自然雅致的变化为作品带来新生命。

这张专辑是指挥大师伯恩斯坦与哥伦比亚交响乐团、纽约爱乐乐团合作，演奏格什温的名作《蓝色狂想曲》、《一个美国人在巴黎》。这个版本是1959年录制的，当时伯恩斯坦正处于创造力的巅峰。50多年前的录音，现在仍然是好得出奇。伯恩斯坦的手法富有灵感，灵活奔放。《蓝色狂想曲》他是钢琴独奏兼指挥，而《一个美国人在巴黎》演奏得很有个性，显得短小精悍，具有浓烈的美国风格，大段蓝调旋律的节拍和分句把握得十分精彩，只有伟大的美国乐团才能做到这一点。这套录音已经成为一个标准，用来评价后来演奏者的标准。这张专辑被《企鹅唱片指南》评为三星，是一个演奏、录音具佳的版本。