今天给大家简单介绍和古典音乐相关的小知识，现在习惯于把这种带知识点的内容叫做“硬知识”，听起来似乎更解渴，更有用。
古典音乐的历史从巴洛克时期开始进入繁荣期和爆发期，最伟大的音乐家的谱系也从这个时期开始建立，所以我们的音乐史暂时省略了古代、中世纪、文艺复兴这几个时期，直接从巴洛克开始。
提起巴洛克音乐。这几位巨匠的名字便要被牢记——巴赫、亨德尔、斯卡拉蒂、维瓦尔第、科莱利、普赛尔、拉摩等。所谓的巴洛克，它是代表欧洲文化的一种典型艺术风格。
“巴洛克”这个词最早来源于葡萄牙语，意思是“不圆的或者边缘不规则的”，最初特指那种形状怪异的珍珠。到了意大利语里，这个词指的就是“奇特，古怪，变形”等。在法语中，“巴洛克”成为形容词，有“俗丽凌乱”的意思。
后来，有学者便用“巴洛克”指代西方艺术史上的一个时代，大致为17世纪。它最早的表现，是在意大利16世纪晚期，而在某些地区，比如日耳曼地区和南美洲的殖民地，直到18世纪上半叶，巴洛克艺术仍处于鼎盛期。
巴洛克音乐的特点就是节奏激烈、富于跳跃性，而且采用多旋律、复音音乐的复调法，强调旋律的起伏，在演奏过程中非常注重力度和速度的变化。
巴赫
《C大调前奏曲》是巴洛克时期最伟大的作曲家巴赫的一首键盘作品，它选自巴赫的《平均律曲集》第一卷。整首曲子主要表现的是平静、神圣与和谐的感觉。后来十九世纪的法国作曲家古诺把它改写成一曲带歌词的《圣母颂》后，被广泛传唱。
巴洛克音乐最早也是最伟大的成就在声乐方面，一方面，音乐的巴洛克时代起始于意大利歌剧，另一方面，巴洛克时代的音乐家大多数有教堂工作的经历，他们为教堂仪式谱写的音乐比如弥撒、经文歌、清唱剧、康塔塔、圣母悼歌、圣母颂歌等都带有很浓的宗教色彩，比如维瓦尔第、巴赫与亨德尔等都谱写了大量此类作品，特别是巴赫与亨德尔的清唱剧是戏剧结构与音乐风格截然不同的两种范式。
除了声乐之外，巴洛克时期的器乐作品也发展得非常迅速，尤其是弦乐方面的成就可以说是巴洛克音乐最重要的特色，换句话说，只有弦乐的音色才更能体现出巴洛克音乐的特色。这方面的代表人物是意大利的维瓦尔第和科莱利、德国的泰勒曼、法国的圣科隆贝和马莱斯等，维瓦尔第可以说是是巴洛克时期最知名也是最多产的作曲家，同时他还是一名神父和小提琴演奏家，比巴赫早出生7年。下面我们来欣赏他的一首为中提琴和琉特琴而写的协奏曲，我们来听第二乐章“广板”。
《奥菲欧》
巴洛克音乐还有一项伟大的成就是歌剧，音乐的巴洛克时期就是从歌剧在意大利诞生开始的。已知音乐史上第一部歌剧是由佩里作曲的《达芙妮》，首演于1597年，可惜已经今天失传，佩里的第二部歌剧《尤莉狄茜》首演于1600年，虽然现在偶有上演机会，但是歌剧史家还是把在曼图亚上演蒙特威尔第《奥菲欧》的1607年作为歌剧元年。这是因为《奥菲欧》第一部现存最完整的歌剧，即便以今天的标准来衡量它，已经是非常成熟非常完美了，特别是在最近的一百多年，它保持着极高的上演率，堪称巴洛克歌剧之最。
托卡塔是源起于意大利的一种器乐演奏形式，带有技巧性和即兴的特点。奥菲欧的故事大家可以自行搜索，之所以早期歌剧集中于奥菲欧的题材，是因为奥菲欧在希腊神话中是音乐的化身，他和爱人尤莉狄茜都是牧羊人的朋友，他的爱情故事为牧羊人所歌颂，而歌剧正是从牧羊人剧或田园剧脱胎而来的。
最重要的巴洛克歌剧作曲家在意大利有蒙特威尔第和维瓦尔第，在法国是吕利和拉摩，在德国是凯泽尔，在英国是普赛尔和亨德尔。
其实用“古典主义”这个词来限定一个时期的音乐风格，很可能会造成一些误解。从中文表达上来看，“古典主义音乐”与“古典音乐”是完全不同的意思，“古典音乐”是泛指，而“古典主义音乐”指的是大约1750年开始到1827年贝多芬逝世为止这一时期的音乐。
在古典主义时期，因为乐器的改良进步,器乐有了跨越式的发展，可以说是有史以来第一次比声乐更受听众欢迎。作曲家们也差不多从教会和宫廷的依附关系中解脱出来，并且开始尝试探索新的作曲方法，以创作出更大型和更复杂的作品来满足热心欣赏音乐的观众与日剧增的审美需求。
作曲家在考虑音乐结构的时候基本上都会遵循这样一个前提：调性间必须达到和谐平衡，音乐呈献给听众最明确的感觉是要搞清楚，这音乐该如何进行和发展；还有段落也就是乐章之间的平衡，听众在聆听一首乐曲的时候可以准确地知道接下来要出现的内容。
具体表现在创作技法上，就是不仅继承了欧洲传统的复调音乐形式，而且还继承并发扬光大了主调音乐的成就，从而最终确立了近代鸣奏曲的曲式结构以及把它运用体现在交响曲、协奏曲、各类室内乐以及键盘音乐的体裁和形式上。
贝多芬的一首钢琴奏鸣曲《瓦尔德斯坦》可作为古典主义奏鸣曲的典范具体分析一下。这首钢琴奏鸣曲创作于1804年，是贝多芬创作最为活跃时期的产物。此时贝多芬的个人风格越来越成熟，钢琴演奏技巧也朝着壮丽辉煌的方向发展。
《瓦尔德斯坦奏鸣曲》是贝多芬最精妙的奏鸣曲之一，有人认为它描绘了阳光下大自然的风景，音乐展现的是绚丽的诗意形象，就像仰望星空一样，心胸豁达，热血高蹈。后来出版商根据这种属于大自然的音乐形象，给这首奏鸣曲又起了一个标题叫《黎明》。
曾经做过贝多芬老师的奥地利作曲家海顿，他虽然出生于巴洛克时期，只是到了古典主义时期他不仅依然健在，而且见证了古典主义风格的重要演变，他为古典乐派所做的贡献，使他被誉为“交响曲之父”和“弦乐四重奏之父”，正是他使这两种器乐形式臻于完善，直接影响了莫扎特和贝多芬的创作。
莫扎特
莫扎特的《G小调第四十交响曲》第一乐章，可以说是莫扎特最通俗的旋律了。很多人认为这是莫扎特独有的乐天和欢快，其实正好相反，莫扎特的这首交响曲用小调写成，音乐中充满了哀怨之情，有人说它其实凝聚的是一个穷困作曲家的全部生活体验，是他一生中所有悲惨遭遇和挫折的集中体现。这个由小提琴声部涌动出来的主题是何等的激动和焦虑啊！它用愁苦压抑的音调，三次叩响命运的大门，悸动不安的节奏就这么断断续续轻轻地敲击下去。当音乐转向稍微舒展的时候，另一支沉浸于小调的忧郁色彩中的旋律，继续倾吐出作曲家更深的伤感。
第一乐章的主部主题，奠定了音乐的悲凉基调，它使交响曲的创作不仅在结构上更加严谨，同时也深入到前所未有的内心世界，刻画出人类情感领域深层的痛苦，也可以说是开启了浪漫主义的先声。
这节课就到这里，下次再见。
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