穆蒂《2021维也纳新年音乐会》
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穆蒂《2021维也纳新年音乐会》

这是一场史无前例的、闭门举行的音乐盛会,来自意大利的指挥家穆蒂说:“即使大厅没有观众,我们也要向世界各地观众传递和平与希望的信息。”这是79岁的穆蒂第六次指挥维也纳爱乐乐团新年音乐会。虽然没有现场观众,但负责音乐会电视直播的奥地利广播公司发起一个在线鼓掌项目。观众登录一个专门网站注册,会获得一个网络链接,收看音乐会直播时可鼓掌并经由这个链接上传鼓掌声。技术人员汇集所有鼓掌声,用音响系统在音乐会现场播出,营造座无虚席的氛围。 开场乐团就位,穆蒂缓步登台,显得老态了不少,脖子上的赘肉,都快垂到胸口,头发大半夹着灰丝,不过别着红色的胸针,风范依旧,一如1993年那个深情而才华横溢的男子。第一首进行曲结束,伴随着欢快的音乐飘落,穆蒂划出最后的终止符,顺势转过身去,本来迎接他的,应当是观众如鸣的掌声,金色的灯光,应当照耀着挥舞的手臂,可琴腔的振动结束之后,大厅内悄然无声,穆蒂呆了一秒,这一秒里有半秒的不知所措和半秒反应过来后的失落,他向看不见的观众稍作致意,转过身去开始下一首圆舞曲。这一秒让人心疼。穆蒂在半场的时候打趣说,没有观众的掌声,终于可以欣赏到纯粹的拉德茨基进行曲了。可没有掌声的拉德茨基进行曲还是拉德茨基进行曲吗?没有掌声的新年音乐会还是新年音乐会吗?我不知道答案,可没有掌声终究还是不热闹。没有了观众,使得音乐更加紧凑;没有了观众,使得音乐会没有一丝杂音;没有了观众,穆蒂得到了一次长篇讲话的机会。一曲奏毕,趁着圆号手转着圆号甩出水汽的档儿,提琴手用琴弓轻敲谱架以示掌声。想起年中听安德烈在大教堂空场独唱,想起一个人在空荡荡的上博的美妙经历,疫情让我对人存在的意义有了奇特的思考。返场的《蓝色多瑙河》与往年大不相同,急处更急、缓处更缓,如同这一整年,波涛汹涌,悲伤处更悲。除了有些狗血的芭蕾,其他都还不错,最爱诗人与农夫序曲,仿佛身处乡间,把2020年那个早早滚到上帝那儿去的田园诗风情,硬生生地给拽回来了。 每当新年的钟声敲响,对于广大古典音乐爱好者来说,维也纳新年音乐会,这是一场绝不能错过的精神文化大餐。面对不平凡的2020年,我们更需要一场温暖而美妙的音乐之旅,共同迎接并祝福即将到来的新一年。
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陈萨《肖邦·夜曲21首》
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这张专辑是陈萨演奏肖邦的21首夜曲。肖邦夜曲的创作贯穿了他的一生,多数钢琴家根据出版顺序录制《肖邦夜曲全集》,但陈萨的这套录音是少数根据个人顺序录制的专辑。21首夜曲各自的存在状态是可以被个人化重组和对待的。叙事性、幻想性、复调,流动的与静态的,凝重的和释然的……陈萨更愿意以她自己的方式来传递这些复杂的情愫。
曾宇谦《梦幻乐章》
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这张专辑是第15届柴可夫斯基国际音乐大赛小提琴首奖得主曾宇谦与帕尔曼御用钢琴师Rohan de Silva合作录制的,由格莱美奖金牌制作人、录音工程师Rainer Maillard操刀制作。 这个录音共六首乐曲,不仅表现曾宇谦个人小提琴的绝妙技艺,同时也以专精专注的心神,演绎跨越三百多年历史轨迹的作品。无论是技巧展现的塔蒂尼《魔鬼的颤音》或是以优美歌唱性旋律结构融入独特拨弦技法演出的《夏日最后玫瑰变奏曲》。 专辑以技巧挑战为重点的塔蒂尼《魔鬼的颤音》当做第一首乐曲,除了应因18世纪原创者以内心淬练而来的呐喊声响,也符合标题的梦想完美意境。接着肖邦《降D大调夜曲》作品27第二号一直都是钢琴演奏的经典必备乐曲,然而改编成小提琴演奏,却又是另一种风貌。不变的是,梦幻似的旋律如同悄悄独语在上半段就深深吸引人,进入后段逐渐释放的的高扬情绪,更是无法抵挡琴声六续袭来的魅力。另外就是充满旋律美感的两首乐曲莫扎特《降B大调小提琴奏鸣曲》K454与柴科夫斯基《忆怀念之地》,借由最直接的美律美感与单纯的音乐感动,让人陶醉在音乐的美妙世界。 值得一提还有生动演绎的《夏日最后玫瑰变奏曲》,相信这首旋律优美的变奏曲,在前半段演奏时,很容易就会跟著哼出旋律。但随著变奏进行时,转变成技艺独特的拉弓与拨弦的高度挑战,听完这一曲曾宇谦的琴声已掳获人心。对作品要求完美的他,每一首乐曲都要反复录音多次,直到满意为止,他在音乐上一丝不苟的高标要求可见一斑。
施瓦茨科普夫《雨果·沃尔夫:意大利歌曲集
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这张专辑是女高音歌唱家施瓦茨科普夫与男中音歌唱家菲舍尔-迪斯考合作,演唱胡戈·沃尔夫的《意大利歌曲集》,由杰拉德·摩尔担任钢琴伴奏。这是一个传奇的“梦幻组合”录音,女高音歌唱家施瓦茨科普夫的音色精致典雅,咬字极其考究,擅长捕捉细腻微妙的情绪,把女性角色的娇羞、嗔怪、温柔演绎得栩栩如生。男中音歌唱家菲舍尔-迪斯考是20世纪最伟大艺术歌曲男中音,对文字、语气、戏剧感的控制力无人能及,塑造出多情、俏皮、深情的男性形象。钢琴由艺术歌曲伴奏之神杰拉德·摩尔演奏,不只是“伴奏”,而是与人声平等对话,钢琴织体烘托情绪,分寸感绝佳。 留声机杂志的评价:“这是杰出的录音,所有艺术歌曲爱好者都应当珍视。施瓦茨科普夫与菲舍尔-迪斯考处于极佳的歌唱状态,而杰拉尔德·穆尔的钢琴演奏,几乎难以用语言来赞美。”这个版本最大亮点:男女声交替,把46首小诗变成一场连续的爱情对话戏剧,不是单纯的独唱曲集,充满戏剧互动感,是《意大利歌曲集》最经典的完整录音版本之一。 企鹅唱片指南、BBC音乐杂志都高度推荐此版,被公认为《意大利歌曲集》的标杆录音之一。两位顶级歌唱家的巅峰期合作,杰拉德·摩尔的钢琴加持,戏剧对话感极强,咬字、语感、音色平衡堪称范本。
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布拉格四重奏《德沃夏克·弦乐四重奏全集》
布拉格四重奏《德沃夏克·弦乐四重奏全集》
这套合辑收录了布拉格弦乐四重奏团演奏的德沃夏克《弦乐四重奏》作品。该团的演奏非常精彩,流淌的弦乐音流,音色优美,音场丰富饱满。《企鹅唱片指南》评价三星。室内乐在德沃夏克的作品中占有重要地位,但演录的频率大大低于他的交响曲、其他管弦乐曲甚至钢琴曲等。德沃夏克那充满灵感音符的大脑中不乏动人的旋律,而在室内乐作品中似乎更注重几种弦乐音色搭配与细腻的情绪交流。 布拉格弦乐四重奏团是当今乐坛最重要的室内乐组之一,在弦乐四重奏组合人才辈出的捷克,布拉格四重奏团是一支不容忽视的室内乐团,该团创建于1972年,成员来自布拉格音乐学院学生。自成立后,该团传承了捷克独特的四重奏传统,秉持着老派组合的和谐、完美、优雅,以精湛的音乐技艺为业界的瞩目。 德沃夏克(1841-1904)是捷克著名的作曲家,也是世界音乐发展史上不可或缺的大师,其幼年时期就表现出了惊人的作曲天赋。从其弦乐四重奏的创作历程来看,可以分为三个阶段,按照不同的地点进行划分,分为:捷克国内的探索阶段、德国的发展阶段和美国的成熟阶段。在捷克,年仅二十岁的德沃夏克在乐队中担任中提琴手,创作了一首弦乐五重奏作品,这也是其弦乐创造的开始,《A大调弦乐四重奏》、《降B大调第二弦乐四重奏》、《D大调第三弦乐四重奏》等作品的创作,让他在乐坛奠定了坚不可摧的地位,也掌握了弦乐四重奏的创作规律,为之后弦乐四重奏创作打下了基础;在德国定居以后,德沃夏克扩宽了视野,创作水平进一步提升,《E大调第八弦乐四重奏》、《d小调第九弦乐四重奏》等作品和之前的作品相比,形式和内容更加成熟;在美国担任纽约国家音乐学院院长期间,创作了《G大调第十三弦乐四重奏》等作品,尤其是其《F大调第十二弦乐四重奏》作品中融入了美国黑人和印第安人音乐元素,得到了广泛的认可。在德沃夏克的一生中,弦乐四重奏创作从来没有停止过,作品数量多、质量高,达到了同时期音乐家难以企及的高度。
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71期
迪图瓦《柴科夫斯基·天鹅湖》
迪图瓦《柴科夫斯基·天鹅湖》
这张专辑是迪图瓦指挥蒙特利尔交响乐团,演奏柴科夫斯基的芭蕾舞剧《天鹅湖》。这是一套一音不漏、绝对完整的《天鹅湖》录音全集。指挥大师迪图瓦天才般演绎了一个既炫目华丽、有温情浪漫的著名童话,将柴科夫斯基音乐的鲜明性格——丰富的创造性和深刻的交响性表现得淋漓尽致。整部作品的演奏浑然天成,绝无一段一顿的章回色彩。 四幕芭蕾舞剧《天鹅湖》作品20,作于1876年。故事取材于俄罗斯中世纪的民间童话,由佩季帕和盖里采尔编剧,是柴科夫斯基最著名的代表作之一。 《天鹅湖》至今仍是舞蹈家们所遵循的楷模,同时也是一部现实主义舞剧的典范。其剧情大致是:被魔法师罗德伯特变成天鹅的奥杰塔公主,在湖边与王子齐格弗里德相遇,倾诉自己的不幸,告诉他:只有忠诚的爱情才能使她摆脱魔法师的统治。王子发誓永远爱她。在为王子挑选新娘的舞会上,魔法师化成武士,以外貌与奥杰塔相似的女儿奥吉莉雅欺骗了王子。王子发觉受骗,激动地奔向湖岸,在奥杰塔和群天鹅的帮助和鼓舞下,战胜了魔法师。天鹅们都恢复了人形,奥杰塔和王子终于结合在一起。 《天鹅湖》的音乐象一首首具有浪漫色彩的抒情诗篇,每一场的音乐都极出色地完成了对场景的抒写和对戏剧矛盾的推动以及对各个角色性格和内心的刻划,具有深刻的交响性。这些充满诗情画意和戏剧力量,并有高度交响性发展原则的舞剧音乐,是柴科夫斯基对芭蕾音乐进行重大改革的结果,从而成为舞剧发展史上一部划时代的作品。其中许多音乐都是流芳百世佳作。
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52期
古尔德《巴赫·哥德堡变奏曲》
古尔德《巴赫·哥德堡变奏曲》
这张专辑是钢琴家古尔德1981年录制的巴赫《哥德堡变奏曲》。这个杰出的版本是古尔德中年后的第二次录音,他选择了一个更为深沉的速度来诠释,全曲耗时51分15秒。由于速度的减慢,声部层次得到更为清晰的展现,使音乐更具立体感。没有1955年首次录音版本的强烈力量和极具自由感,曲风更为柔和,具有深层的感染力。音乐评论家们认为此次录音更能体现古尔德的音乐理念,学者们也大都选择此版本来对作品进行分析研究。 总的来说这个录音版本是古尔德暮年时期更为深邃、从容的写照。对于巴赫的作品,绝大多数钢琴家会找一个倾向于传统的演绎方案,一旦成型便不再轻易尝试其他方式。古尔德不是这样,他赋予音乐各种可能性。就如同巴赫的音乐创作一样,从不满足于一层不变的单一模式,更不满足于绝对化的演奏方式。正如俄罗斯钢琴家霍洛维兹说的那样:“一个天才出众的器乐演奏家,在理解作品的范围内,每次演奏都应有重新创造的新鲜感。” 古尔德具有非凡的复调演奏能力,如果抛开手指控制不谈,这一定是源于其高度复杂又极端清晰的思维,就如同巴赫的创作风格源于他多变的创作思维一样,这是使听者感觉古尔德的音乐不同于其他演奏版本的根源。一直以来古尔德都对巴赫都有着自己独到的理解,不会一味的遵照传统,而是通过对具体音乐形象的分析来决定如何演奏,从而真正达到理智思维和内心情感的结合。实际上用钢琴演奏的《歌德堡变奏曲》相对于过去来说已是一种与时俱进的革新,演奏本身也是演奏者通过理解后的二次创作,对于未脱离音乐本质的尝试是我们今天要提倡的。
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32期
平诺克《亨德尔·水上音乐》
平诺克《亨德尔·水上音乐》
这张专辑是英国指挥家平诺克与他组建英国协奏团合作,演奏亨德尔《水上音乐》。录音中由小提琴家Simon Standage、Elizabeth Wilcock担任独奏。平诺克与英国协奏团所演绎的巴洛克作品在专业评论界是拥有极高评价的,平诺克对古乐深厚的研究以及英国协奏团清澈、明快的音色,在录音中显露无遗,他们的合作将这部充满欢快旋律且舞蹈性很强的作品演绎的行云流水。这张专辑完整包含了《水上音乐》所有的三组曲目,极具收藏价值。 《水上音乐》HWV 348-350,是一部管弦乐组曲,作于1717年。传说是在英国伦敦泰晤士河上为新即位的英皇乔治一世演奏的,故称“水上音乐”。《水上音乐》与亨德尔的其他器乐作品相比有很多不同,其中采用大量的铜管乐器便是最突出的特点。因为要在露天表演,所以需要整个乐团拥有比较大的音量,因此作曲家刻意增加了铜管乐器的数量,这在当时算是一个不大不小的创举。在音乐艺术性方面,《水上音乐》曲调新颖,情绪积极、活泼明快,充满着巴洛克宫廷贵族气息。其实根据一些文献的记载,《水上音乐》最早的原始手稿早已丢失,目前演奏的版本主要采用卡尔·莱德利希·克里塞德核定、整理并改编的复原版本。全集共计19首曲子,根据亨德尔前后参加过三次水上夜游的经历,又分为三套组曲。其中第一组曲包括前10首F大调的曲子,第二组曲则包括5首D大调曲子(11-15),G大调的最后四首曲子(16-19)则为第三组曲。
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19期
哥德堡七重奏《巴赫·哥德堡变奏曲》
哥德堡七重奏《巴赫·哥德堡变奏曲》
这张专辑是哥德堡七重奏演奏巴赫《哥德堡变奏曲》,这是巴赫这部键盘杰作的世界首个七重奏版本录音。 《哥德堡变奏曲》BWV 988,巴赫著名的羽管键琴作品,大约作于1741-1742年间,其间巴赫在莱比锡,视力已开始减退。这部伟大的变奏曲原名叫做《有各种变奏的咏叹调》,1742年出版,此作为巴赫的学生哥德堡(Johan Theophil Goldberg)而作。哥德堡是侍奉当时驻在德累斯顿的俄国使臣凯瑟林(Hermann Karl Von Keyserlingk)伯爵的年轻演奏家。巴赫曾把他的《B小调弥撒》献给凯瑟林,因此而获得“宫廷音乐家”的封号。1741-1742年间,凯瑟林居住在莱比锡,让哥德堡师从巴赫,学习演奏技巧。伯爵患不眠症,失眠时就需哥德堡为其演奏,哥德堡以演奏需要,求巴赫帮助谱曲。巴赫当时作成这部变奏曲之后,凯瑟林送他一只装满100枚金路易的金杯以酬谢。 这是音乐史上规模最大,结构最恢宏,也是最伟大的变奏曲。这部变奏曲是为两层大键琴而作,巴赫在各段变奏里都指定了键盘的种类。变奏曲的形式,是以一个主题,引导出对比命题和对应(反对)命题,然后再探求演绎与对比的各种可能性。巴赫这部作品,以他1725年为安娜·玛格达琳娜而作的小曲集中的一首萨拉班德舞曲作为主题,发展成30段变奏。这30的数字,由3所支配,以3个成一组的变奏,以卡农的方式表达:一位齐声的卡农,二为二度卡农,三为三度卡农……此后达到第九个卡农后,第十变奏为四声部的赋格,之间不断出现创意曲、托卡它、咏叹调等各种形式。第一层与第二层键盘交替。第十六变奏作为中心,速度分为前后两半,这种作曲技巧所构成的建筑结构之微妙,实在令人叹为观止。
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33期
波利尼《贝多芬·钢琴奏鸣曲全集》
波利尼《贝多芬·钢琴奏鸣曲全集》
这套合辑是钢琴家波利尼演奏贝多芬的全部钢琴奏鸣曲,可以说是大师艺术生涯与技艺成长的见证——32首作品,耗时40年才最终录制完成。波利尼并不喜爱“赶进度”和“赶量”,他的录音历经持续的练习和思考,听者在聆赏时,往往被他浩如烟海的乐思所包围,从而脱离外界,深切地感知到作品的内涵与魅力。 1975年6月,波利尼录下他生涯的第一张贝多芬钢琴奏鸣曲:第30、31号,皆是贝多芬晚年的作品。 这个时期的贝多芬音乐,哲思与荒谬并存,安详与隐晦交织,被世人公认为“超越了从前所有曲目,向人类想象力所能触及的最高领域翱翔”。而波利尼在此套曲目的演绎上,以非凡的技巧与对曲式结构的惊人把握,有力证明了自己不只是徒有技术的炫技家,也从此奠定了他在贝多芬诠释上的权威地位。 以贝多芬晚期奏鸣曲为始,再到其音乐性更纯粹的早期奏鸣曲,这样的录音顺序和40年的缓慢进度也足见波利尼返璞归真的心路。 唯一不变的是其“无菌室”式的纯净发音,他在钢琴技术上的完美会让你联想到法拉利、玛莎拉蒂等知名跑车或者米兰的高级定制成衣;在艺术上的造诣会让你想到意大利文艺复兴时期的达芬奇和米开朗基罗等巨匠。 演奏有“圣经”之称的贝多芬钢琴奏鸣曲,需要高难度的技巧和结构把握能力,只有如此才能构建贝多芬深邃的音乐理念, 而波利尼做到了。其力量与激情柔韧对峙,简赅隽永而又倾情尽吐,音色始终明丽,大片光线刺穿了贝多芬自我包裹的层层雾霭。特别是近年来的几张新片,大师恰如一位出色的雕塑家, 精雕细琢又无痕可寻。他并没有企图在作品中“挖掘”什么,没有左顾右盼的扭捏,精确而又简洁。无论快板乐章中激情的能量感,还是慢板乐章缓慢流淌的乐思都令人动容。他的无敌指法和精神能量,只有在细细欣赏时才会有所领悟。 40年的完成期,没有虎头蛇尾,没有戛然而止,亦没有突然跳脱,有的只是波利尼愈发精湛的技术和愈发纯熟的乐念。他默默锻造,从不声张,鲜少顾虑窗外的声音。正如他在巅峰期突然隐退,于唏嘘与不解中沉淀多年的举动那般。 波利尼从来都不是一个“演奏家”,他是真正的音乐大师。他的《贝多芬钢琴奏鸣曲》便是切实写照。
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102期