07. Piano Concerto No.2 S.125 - Allegro deciso

这张专辑是巴松管演奏家埃卡特·霍伯纳与诺伊斯德意志室内乐团合作，演奏安东尼奥·罗塞蒂的四部《巴松管协奏曲》。巴松管（Bassoon）又名大管，是木管类乐器的一种。低音区音色阴沉庄严，中音区音色柔和甘美、悠扬而饱满，高音富于戏剧性，适于表现严肃迟钝忧郁的感情，也适于表现诙谐情趣和塑造丑角形象。乐器的初始调为F大调，音域都是大字一组降B-小字二组降G（三个半八度）。

这张3CD专辑是钢琴家埃德温·菲舍尔1933-1947年间的录音室录音全集，他与多支乐团合作，演奏莫扎特的五部《钢琴协奏曲》、《回旋曲》、《小步舞曲》、《幻想曲》、《浪漫曲》、《第10、11钢琴奏鸣曲》；海顿《D大调协奏曲》。埃德温·菲舍尔并不是一位手指技巧过硬、手指犹如机器般精确完美的钢琴家，也没有所罗门那种晶莹优美的音色。既不是技巧大师、也不是音色大师，那他的名望是建筑在什么之上的呢？我觉得是一种对音乐表情、气氛、情境的准确理解、表达，有一种类似人声叙说般的合理分句和生动“语气”——在富特文格勒的指挥艺术中，这也是很突出的一个特点。当我说到“类似人声”，并不是说类似人声歌唱的“优美歌唱性”（这也是一些演奏家的特长），而是指类似人声“宣叙”“朗诵”的语气。乐句的呼吸停顿、抑扬起伏，都有着合乎作品内容需要的语气，因此能借此塑造出作品的氛围、情境、艺术意境。所以聆听他的演奏（包括聆听施纳贝尔的演奏、富特文格勒的指挥等），要注意的是他如何塑造乐句。不要去特别关注那些技术细节，而要去注意大的乐句、大线条的语气和起伏。 埃德温·菲舍尔最好状态的录音，是1930年代。尽管他的硬技巧欠佳，但在某些情况下，他的发音之美几乎无人能及，展现了自由速度和音色变化的完美结合，演奏既表现出那种至深至高的探索，又完全不显得沉重。莫扎特的作品也是埃德温·菲舍尔所擅长的，他曾被描述为“为演奏莫扎特而生的钢琴家”，这3张CD中的精彩录音就证明了这一点。

这张专辑收录了舒伯特晚期最富代表性与艺术性的两部作品：《OP.142四首即兴曲》、《D960降B大调奏鸣曲》。殷承宗的演奏纯净而质朴，细腻的触键和有节制的韵律变换，使得整张唱片的风格还原了舒伯特时期的审美，此外，达人艺典将其先进的录音理念注入唱片的整个制作过程中，还原与提炼艺术家的精神，并将音乐与音响最大限度的统一起来。

这张专辑是费德勒指挥波士顿通俗管弦乐团，演奏里姆斯基-柯萨科夫《金鸡组曲》、罗西尼《威廉·退尔》序曲、夏布里埃《西班牙》、柴科夫斯基《斯拉夫进行曲》、李斯特《匈牙利狂想曲》、《拉考兹基进行曲》，都是最具有地方色彩、热情而充满管弦乐超技演奏的名曲。这些曲目分别录制于1956、1958、1960年，原版LP极其珍贵。为什么取名《Hi-Fi费德勒》？因为录音实在是太出色了，选曲太好听了，而费德勒与波士顿通俗管弦乐团的演奏节奏明快、一气呵成，极为出彩。听过夏布里埃那首《西班牙》，你就知道什么是“棚爆”了。也难怪专辑受到《TAS》热捧。

这张专辑是钢琴家安达1965年7月27日在萨尔兹堡音乐节的现场录音。曲目包括肖邦的24首《前奏曲》、24首《练习曲》。比较起来，音乐会前半部分的肖邦《前奏曲》，发挥稍逊于《练习曲》，安达演奏的肖邦《练习曲》独具生动的气韵，而演奏《前奏曲》时尚未达到最佳状态，相比之下，显得平实了一些。 肖邦一共创作了26首前奏曲，包括作品28的24首、作品45以及无编号的《降A大调前奏曲》。肖邦的每一首前奏曲都是一幅完整的图画或印象。肖邦自幼体弱多病，27岁时，由于肺病缠身，朋友们陪伴他去地中海的梅杰凯岛上去疗养。在那里，肖邦获得灵感，创作了作品28的24首前奏曲。这些是前奏曲按十二平均律的律制方法，从C大调开始到b小调，以不同的24个调写成的，其排列方法为五度循环，即第一首为C大调，第二首为它的关系小调a小调，第三首为C大调的上方五度的G大调，第四首为其关系小调e小调……依此类推，最后有24首乐曲。有人认为由于这24首前奏曲关系紧密，应看作是一部音乐作品，做连续演奏。这24首前奏曲一般以一个短小的乐思为中心而构成，但是乐思并不是只做单纯的反复，也不做技巧的展开，而是按肖邦的感情做惊人的发展，其中有些曲子有着超凡的演奏技巧，绝不是容易演奏的作品。 《练习曲》作品10，作于1832－1836年间。献给李斯特的夫人阿古尔特伯爵夫人，后来他们的女儿科西玛嫁给理查特·华格纳。虽然作品10和作品25是在同一时间写成的，但是作品25相比起来更像音乐作品，而不是一些技术难题的攻破。 《练习曲》作品25，也是由12首曲子组成，除第12首写于1831年冬天外，其余都写于1836—1837年间。

富特文格勒受到浪漫的彪罗和精确的尼基什的影响很大，从而揉成自己内在的、抒情的指挥独具特点。作为上世纪其中一位最伟大的指挥大师，富特文格勒的影响是极为深远的。以他作代表的德国酒神指挥风格，极富浪漫主义色彩的风格，与托斯卡尼尼那客观理性、忠于原意的阿波罗式风格大大影响了后世的指挥；他演奏往往并不僵死于音符和标记本身，而是在深入的考察作品本身之后，将音符背后的音乐真意呈现出来。所以这样的演绎在顾及及原作的风格及结构上却有著更加鲜活的生命和内在统一的平衡。虽然富特文格勒的指挥技术与今日的精确风格相去甚远，甚至被人描绘成为不停的颤抖，比如每次在重拍拍子上都是把几个动作连在一起，结果是一连串难以辨认的抖动，但他本身却有著一种难以说明的、磁石般的魔力及超人的音乐说服力，能凝聚、刺激乐团演奏出超过其本身水平的演奏。如此种种，均构成了他卓尔不凡、后人难以企及、模彷的独特风格。 A大调第七交响曲，作品第92号。首次公演于1813年12月8日。此曲虽然是无副标题的作品，但是人们通常喜欢把它称之为“舞蹈性的交响曲”、“舞蹈的颂赞”。在贝多芬所有没有副标题的交响曲当中，这部作品也是最受人欢迎的。它拥有贝多芬所写出的最著名的慢版乐章以及最著名的快板乐章，所以它的地位终究是九大交响曲中不可忽视的一部。 科里奥兰序曲，作品62，c小调，奏鸣曲式，以科里奥兰本人庄严的姿态开头，紧接着是他的愤怒不安，他愤怒的对抗被一个柔美的主题打断，形成传统奏鸣曲—快板曲式中的对比。这个主题可理解为科里奥兰亲人们的乞求。在发展部，表现了英雄内心的犹疑不决，内心的矛盾，荣誉的崩溃，以及不以苦乐为意的自我毁灭而获得的胜利。结尾，乐队渐渐沉浮在一片寂静之中。

这张专辑是大提琴家斯塔克与钢琴家Stephen Swedish合作，演奏5位意大利作曲家的大提琴奏鸣曲，还附带一首与钢琴家左奇·西波克合作的巴赫《古大提琴和大键琴奏鸣曲》。斯塔克的演奏音色纯净饱满，没有过度的情感渲染，却精准捕捉了巴洛克与古典作品的结构美；弓法控制堪称教科书级，快速段落干净利落，慢板则沉稳而富有歌唱性；与两位钢琴家的配合默契，既突出大提琴的主导地位，也保持了室内乐的平衡感。 这张专辑的录音采用了标志性的三麦克风立体声技术，由传奇录音师Wilma Cozart Fine制作，声音的空间感极强，大提琴的形体感、泛音细节都被完整保留；低频扎实、高频通透，是大提琴爱好者测试音响设备的经典试音碟；模拟录音的温暖质感，在CD重制后依然保留了原始录音的鲜活感。

这张专辑收录了鲁宾斯坦演奏的三部作品：1、与莱纳指挥的芝加哥交响乐团合作，演奏拉赫玛尼诺夫《帕格尼尼主题狂想曲》；2、与恩里克·乔达指挥的旧金山交响乐团合作，演奏法雅《西班牙花园之夜》；3、与华伦斯坦指挥的空中交响乐团合作，演奏肖邦《平稳的行板与华丽大波兰舞曲》。 录音中最精彩的是鲁宾斯坦与莱纳合作的《帕格尼尼主题狂想曲》，荣登《TAS》榜单：鲁宾斯坦的琴音一颗颗非常真实，具有木质的美好感觉。莱纳在此处也变得浪漫起来，深度感及空间感非常的好。 鲁宾斯坦精湛的技艺与发烧的录音相结合，使这张专辑站上浪漫主义艺术高峰。1997年采用20Bit技术、CELLO均衡器、UV22编码系统等最发烧手段，将原始母带重新制作，并坚持Living Stereo的声音完整性原则，没有作额外的编辑。 拉赫玛尼诺夫《帕格尼尼主题狂想曲》作品43，由钢琴独奏配以管弦乐团伴奏，类似钢琴协奏曲。音乐取材于帕格尼尼的第24首小提琴随想曲，在一个音乐主题上展开24个变奏，铺衍成一部气势辉煌的大型作品。这24个变奏前后分成三组，很像是不间断连续演奏的协奏曲的三个乐章，而且独奏钢琴与乐队展开炫技性的竞奏，又很符合协奏曲。但是从音乐狂热的激情和艰深的技巧看，还是应该按照作曲家自己的标题理解为狂想曲。 法雅《西班牙花园之夜》钢琴与乐队组曲，作于1915年。是他为数不多的代表作之一。乐曲主题基于西班牙民间音乐，表现该国特有乐器的效果（表现于节奏、调式、装饰音型等方面），作者认为此曲是一些“交响印象”，音乐特性除喜庆以外也包含忧郁和神秘。全曲分三章：1、在海奈拉里菲宫的花园里，小快板的音乐平静而神秘；2、远处的舞蹈，精确的小快板；3、在科尔多瓦的山区花园里，活跃、快速的音乐比以前更加狂热、粗犷，富于激情与色彩。 肖邦《平稳的行板与华丽大波兰舞曲》作品22，是肖邦波兰舞曲中极富代表性的一首。因其动人的旋律、丰富多彩的织体、精雕细琢的装饰音、丰满的和声音响、新颖的调性转换、富有动力的节奏等等的特点，使其散发着独特的魅力，成为钢琴艺术长廊中的瑰宝。

这张专辑收录了斯尼特科指挥圣彼得堡爱乐乐团学术交响乐团演奏的两部作品：1、塔涅耶夫《c小调交响曲》；2、与钢琴家科罗贝尼科夫合作的斯克里亚宾《钢琴协奏曲》。这版录音更为成熟内敛，速度略微放缓，声部层次更为丰富，对细节的处理更为细腻，展现出科罗贝尼科夫对作品理解的深化。 塔涅耶夫《c小调交响曲》作品12，作于1865-1874年间，是他在莫斯科音乐学院师从柴科夫斯基期间的毕业创作探索，也是19世纪末俄罗斯交响乐从“民族抒情传统”向“复调史诗风格”转型的关键见证。 斯克里亚宾《升f小调钢琴协奏曲》作品20，作于1896年。此曲既保留着作曲家早期对肖邦式浪漫主义的致敬，又暗藏着日后神秘主义音乐语言的萌芽，其“传统形式与革新精神的平衡”特质，使其成为考验钢琴家诠释能力的重要文献。科罗贝尼科夫的诠释既扎根于俄罗斯音乐传统的深厚土壤，又通过其法律专业背景赋予的理性思维，精准捕捉到这部作品中“浪漫抒情与结构严谨”的双重性格，形成独特的艺术风格。

这张专辑是旺德指挥科隆广播交响乐团，演奏布鲁克纳的《第七交响曲》，1980年1月18日在德国科隆的录音。这是布鲁克纳《第七交响曲》的初版，是布鲁克纳1881-1883年间创作的。 旺德的指挥风格以端庄稳重、不哗众取宠著称，他注重音乐的内在逻辑和结构，追求一种深沉而有力的情感表达。在《第七交响曲》中，旺德通过紧凑的乐句行进，将作品凝聚出一种超越宗教热情的人类命运斗争的力量。这种力量不仅体现在音乐的结构上，也反映在对复杂对位法的精准分析和处理上。在第一乐章结尾处复杂的对位法中，旺德的分析井井有条，使得音乐显得更加清晰和有力。 旺德对布鲁克纳作品的演绎特别注重音乐的情感深度和形式上的完整性。他强调音乐的内在张力和外在力量的结合，使得《第七交响曲》不仅具有宏伟的气势，还蕴含着细腻的情感层次。第四乐章尤其展现了旺德驾驭自如的能力，他以一气呵成之势带领乐团完成这一充满戏剧性的终章。 旺德的这个录音版本被广泛认为是经典之作，他的演绎得到了高度评价。这张专辑不仅展现了旺德对布鲁克纳音乐的深刻理解，也体现了他对乐团的严格要求和精准控制。他的指挥风格既保留了布鲁克纳音乐的传统韵味，又赋予其现代感，使其成为布鲁克纳爱好者心中的典范。